Rassegna Cinema

The Help

2012-01-21T10:53:00.001+01:00

20/1/2012.Regista: Tate Taylor. Sceneggiatura: Tate Taylor. Interpreti: ViolaDavis, Emma Stone, Jessica Chastain, Sissy Spacek, Allison Janey. 146 min. USA.2011. Giovani.

L'attore Tate Taylor si mette dietro la cinepresa perdirigere un film che, dopo nove settimane nelle sale negli Stati Uniti, haraccolto più di $ 160 milioni, rispetto ai 25 milioni di budget. Parte dellaresponsabilità di questo successo si deve ai suoi interpreti, tra i quali EmmaStone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain e Octavia Spencer.

Questo film è un adattamento del primo romanzo di KathrynStockett, The Help, una storia conelementi autobiografici situata a Jackson, la stessa città che diede i natalialla scrittrice. Si tratta di un melodramma sociale inquadrato nella lotta per diritticivili degli afroamericani nel Mississippi negli anni 60. Si riferisce al mondodelle colf, dove non poche donne sono state sottoposte a umiliazionisistematiche e a disprezzo razzista.

Il personaggio principale, Skeeter, una ragazza bianca di20 anni, consapevole della mancanza di riconoscimento sociale di queste donne,decide di aiutarle con la sua competenza, il giornalismo. Ciò richiede lacollaborazione di due cameriere che hanno molto da raccontare, Aibileen, e lasua amica Minny.

Il film, nonostante il tema trito, è fresco, benraccontato e tratta con competenza e generosità l’impulso emotivo di trame epersonaggi. Tuttavia, questo savoir faireperde un po’ di smalto per colpa di uno script molto manicheo e popolato dapersonaggi estremi: la scema molto scema, la cattiva molto cattiva, lasempliciotta molto sempliciotta, e così via. Questo schematismo fa perderecredibilità e forza morale alla storia. Fortunatamente, i personaggi diSkeeter, Aibileen e Minny sono più ricchi di sfumature e compensano in qualchemodo la semplicità di questo coro di secondari così istrionico. D'altra parte,il film potrebbe migliorare se fosse un po’ più breve. Eppure, come film piacee funziona, e propone un modo umano di superare lo scontro razziale, facendoapologia del perdono e della riconciliazione in un senso cristiano. Juan Orellana. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

The Iron Lady

2012-01-21T10:49:00.001+01:00

20/1/2012. Regista: Phyllida Lloyd. Sceneggiatura: AbiMorgan. Interpreti: MerylStreep, Harry Lloyd, Jim Broadbent, Richard E. Grant, Anthony Head. 105 min. GB,Francia. 2011. Giovani.

Ancora una volta, e ci sono tantissime, la veterana MerylStreep dimostra che è capace di dare vita ai personaggi più diversi. Anche inquesto caso, l'attrice è capace di fare un triplice salto mortale: interpretauna persona viva e arcifamosa in diversi momenti della sua vita. Ancora piùdifficile.

La verità è che con una tale attrice e personaggio -questionipolitiche a parte, la vita di Margaret Thatcher offre spunto per scrivere un buonnumero di sceneggiature-, sembra facile fare un grande film, ma The Iron Lady non lo è. Phyllida Lloyd (Mamma Mia!) dirige un film che si vedecon evidente interesse, c'è storia e c’è un'attrice che non te lascia staccare gliocchi dallo schermo, ma il film fa acqua da più parti. Lloyd e il suosceneggiatore (autore di The HourSeries) hanno voluto fare molti film in uno. Un film su una donna che ha rottotutti gli schemi, un altro su un grande personaggio con Alzheimer che soffre diallucinazioni, un altro su un solido matrimonio che sopravvive al successodella moglie e, infine, un altro di dura critica sociale e politica. La storiaalterna momenti di forza, specialmente quelli che raccontano la vita pubblicadella Thatcher, con altri più ripetitivi, che mostrano una anziana quasidemente.

Inoltre, il film, forse per evitare l’agiografia tipica dimolti biopics, giudica continuamente econ durezza alla leader conservatrice, il che rende difficile che lo spettatoreentri in empatia con il personaggio. Due decisioni che avrebbero fattoaffondare qualsiasi film ... sempre che non ci sia un portento sul ponte dicommando. Qui c’è. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

J. Edgar

2012-01-21T10:43:00.001+01:00

20/1/2012. Regista: Clint Eastwood. Sceneggiatura: DustinLance Black. Interpreti: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Josh Lucas, EdWestwick, Judi Dench, Damon Herriman, Naomi Watts, Dermot Mulroney, ArmieHammer, Lea Thompson, Jeffrey Donovan, Miles Fisher. 137 min. USA. 2011.Giovani.

Il film racconta la traiettoria nel Dipartimento diGiustizia americano di J. Edgar Hoover per quasi mezzo secolo, da quando era ungiovane assistente del pubblico ministero, attraverso la sua direzione delneonato FBI, fino alla sua morte negli anni della presidenza Nixon. DustinLance Black struttura la narrazione intorno ad un vecchio Hoover che dettadelle narcisistiche memorie a diversi aiutanti, ricordi più o meno distorti chefacilitano i diversi flash-back.

Clint Eastwood è un grande regista, e riesce a creare unaatmosfera e a dare coerenza con la sua classicità alla vita di un personaggio moltocomplesso, con molti punti scuri, e aspetti che invitano alla speculazione. Contasull’aiuto di un memorabile Leonardo DiCaprio, che riesce a dare moltesfumature al solitario Hoover, e sul grande lavoro di Naomi Watts come suosegretario; il trucco di entrambi i personaggi invecchiati, soprattutto ilprimo, è stupefacente.

Il direttore dell’FBI è stato coinvolto in così tanteindagini che è stato difficile scegliere su quali costruire la storia. Illibretto di Black ha il merito di optare per alcune che aprono una prospettivaallo spettatore, come gli attentati reali effettuati da comunisti e anarchicinella seconda decada del XX secolo -l’ossessione con la minaccia comunistanegli Stati Uniti, così caricaturale, ha una base-, il rapimento del figlio diLindbergh -che serve a sottolineare il ruolo di protagonismo di Hoover, maanche la sua lotta per definire i reati federali e l'introduzione di metodiscientifici per indagare su di essi-, e i rapporti segreti e delicati sudiverse personalità -che fanno luce sulla vertigine del potere e il desideriodi controllo-.

Essendo Black l'autore di Il mio nome è Harvey Milk, sembrava inevitabile che affrontasse laquestione non chiara della presunta omosessualità di Hoover, che non si sposòmai. L'approccio non funziona, usa cliché triti: la madre che reprime, laconsiderazione di cercare una moglie come un pezzo decorativo, o la cecità e lacrudeltà di non accogliere senza complessi l'amore di Clyde Tolson, il suosocio e fedele amico. DECINE21

Pubblico: Giovani. Contenuti: Azione 0, Amore 1, Lacrime2, Risate 0, Sesso 1, Violenza 0 [da 0 a 4] (DECINE21)

La talpa

2012-01-21T10:38:00.003+01:00

20/1/2012. Regista: Tomas Alfredson. Sceneggiatura:Bridget O’Connor, Peter Straughan. Interpreti: Gary Oldman, Colin Firth,Benedict Cumberbatch, Toby Jones, Ciarán Hinds. 127 min. GB, Francia,Germania. 2011. Giovani. (X)

Il regista svedese TomasAlfredson di 46 anni è diventato famoso con il modo di narrare nell’inquietanteLasciami entrare, un raccontogiovanile gotico-vampiresco. Ora adatta il celebre romanzo di John Le Carré,pubblicato nel 1977 ed oggetto di una buona serie tv della BBC, interpretata daAlec Guinness. Tra il 1961 e il 1979, Le Carré ha pubblicato cinque romanzi conGeorge Smiley, agente del MI-6, il servizio segreto britannico.

Il film di Alfredson non èfreddo, è gelido, c'è un marcato sforzo per mostrare il grigiore della vitadelle spie britanniche, pedine nella partita che hanno giocato il capo delCircus e quello del KGB, Control e Karla. Alfredson ha girato a Budapest,Istanbul e Londra, e la sua storia ha atmosfera, forse troppa.

Una cosa è la riserva dellespie e un’altra stancare gli spettatori con una storia sincopata, che dimostrache l'adattamento del romanzo non è molto buono e che lo stesso romanzo non è ilmigliore dell'autore, soprattutto in confronto con La spia che venne dal freddo.

C'è poco dialogo e moltosguardo stolido di un sacco di grandi attori che fanno sforzi per trattenersi. Lamusica di Alberto Iglesias li aiuta. Smiley è Gary Oldman, intenso come sempre.La messa in scena e il cast sono buoni, ma il film può provocare sonnolenza inplatea.. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: X (ACEPRENSA)

Mission Impossible - Protocollo Fantasma

2012-01-21T10:33:00.003+01:00

20/1/2012. Regista: Brad Bird. Sceneggiatura: JoshAppelbaum, André Nemec. Interpreti: Tom Cruise, eremy Renner, Paula Patton,Simon Pegg, Michael Nyqvist. 135 min. USA. 2011. Giovani.

L'agente Ethan Hunt è imprigionato in una prigione russa.Uno scienziato pazzo vuole prendere i codici dei missili nucleari russi. Iniziala missione...

Questo quarto capitolo della versione cinematograficadella serie di tv Mission: Impossibleè forse il migliore. Dopo i film di intrattenimento di Brian De Palma, John Wooe JJ. Abrams, il premio Oscar e animatore di Pixar Brad Bird estrema l’azionetrepidante caratteristica della saga, l'ossigena con l’efficace umorismo dell’ingleseSimon Pegg e riesce a fare un film vibrante dall'inizio alla fine. Il cineastadel Montana, regista di film d'animazione magistrale come Il gigante di ferro, Gli Incredibili e Ratatouille, dimostra il suosenso del ritmo e della tensione in tutte le sequenze d'azione, in particolarequelle girate a Dubai, dove Tom Cruise si è giocato il tipo nel Khalifam il Burj, l'edificio più altodel mondo. Tutto questo girato in formato IMAX ad alta definizione, checonferisce all’insieme una spettacolarità mozzafiato visiva e uditiva.

Inoltre, Bird non trascura i profili drammatici deipersonaggi, che devono affrontare difficili decisioni morali. Ciò non impedisceche l'argomento sia inverosimile ed esagerato, ma aggiunge profondità e intrigoalla serie di situazioni estreme. Il risultato è uno stupendo film di genere,un ipnotico ottovolante, a conferma del talento narrativo di Brad Bird, laversatilità musicale di Michael Giacchino -anche nella sua revisione dellasintonia originale di Lalo Schifrin- e il lodevole impegno di Tom Cruise -comeattore e produttore-, per rimanere una stella in procinto di compiere i cinquantaanni. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

Midnigth in Paris

2011-12-17T12:55:00.000+01:00

17/12/2011. Regista: Woody Allen. Sceneggiatura: Woody Allen. Interpreti: Rachel McAdams, Michael Sheen, Marion Cotillard, Owen Wilson, Kathy Bates, Alison Pill, Adrien Brody, Tom Hiddleston, Carla Bruni. 100 min. USA, Spagna. 2011. Giovani (S, F).

Gil e Inez sono due fidanzati che, prima dell’imminente matrimonio, trascorrono qualche giorno di turismo nella capitale dell’amore, Parigi. Lui è uno sceneggiatore di successo a Hollywood, ma la sua ambizione è diventare un grande scrittore di romanzi. Una notte che decide di tornare in hotel da solo, si perde per le strade parigine. Mentre suonano i rintocchi della mezzanotte, una vecchia carrozza passa al suo fianco e gli occupanti lo invitano a salire. È improvvisamente immerso in una festa ... a Parigi negli anni '20! Non solo, ma ha l'onore di incontrare scrittori e artisti dell’epoca che ammira tanto: Francis Scott Fitzgerald e sua moglie Zelda, Ernest Hemingway, Pablo Picasso, Salvador Dalì, Luis Buñuel ... Ed è particolarmente affascinato da una ragazza “flapper” –così venivano chiamate un tipo di ragazze disinvolte negli anni 20-, che lo fa dubitare del suo amore per Inez.

Un originalissimo film di Woody Allen, con un ottimo punto di partenza dal quale sa spremere tutto il succo. Il personaggio di Gil, interpretato da Owen Wilson, è naturalmente un "alter ego" del regista, il tipico personaggio che lui avrebbe potuto interpretare in un'altra epoca, ma l'attore ha saputo farlo suo, rendendoli l'aura romantica desiderata. È interessante la considerazione dell’espressione artistica come un modo per esorcizzare la nostalgia della bellezza, di un'età dell'oro della quale si ha nostalgia, e che idealmente, alcuni collocano nel passato. Una dichiarazione di principi di Allen, che avverte del pericolo di cadere nell’ “esaltazione dei bei tempi andati”, ma che è anche un fuoco di sbarramento per coloro che credono solo nel futuro e nel progresso, che sarebbero sempre migliori.

L'artificio fantastico, con una risorsa di mezzanotte tipo “Cenerentola”, richiama chiaramente La rosa purpurea del Cairo. Ma il grande merito di Allen è di farci accettare la magia inaspettata, e che in quel mondo alternativo sappia definire con pochi tratti una grande galleria di artisti, muovendosi tra l’omaggio e lo scherzo, manovrando con assoluta padronanza certi luoghi comuni.

Anche se parla dei suoi temi ricorrenti, l'amore che non si finisce di trovare pienamente, o l'arte come un modo per riempire il vuoto esistenziale, il tono di Allen è più leggero che in altre occasioni: ha chiaramente scelto di offrirci un “divertimento”, dove c'è spazio per raggiungere una certa felicità. Allen è indovinato con il cast, in cui ci sono volti nuovi che non avevano mai lavorato con lui, come il citato Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen, la tanto pubblicizzata Carla Bruni –la moglie di Sarkozy che interpreta bene un ruolo minore-, e la formidabile Marion Cotillard, oltre ad Adrien Brody e Kathy Bates (che fece con lui tempo fa, Ombre e Nebbia).

Naturalmente, Parigi è molto presente in tutto il film. Si inizia con una sorta di ouverture jazz, con numerose immagini di tutta Parigi, che potrebbero far temere che Allen sia caduto nella tentazione di girare uno spot turistico. Ma non è così: Darius Khondji (autore della fotografia) gioca infatti sui contrasti con il resto delle potenti immagini che offre della capitale francese. DECINE21.Pubblico: Giovani. Contenuti: S, F (Almudí)

Il gatto con gli stivali 3D

2011-12-17T12:49:00.001+01:00

17/12/2011. Regista: Chris Miller. Sceneggiatura: Brian Lynch, David H. Steinberg, Tom Wheeler, Jon Zack. Voci originali: Antonio Banderas, Salma Hayek, Zach Galifianakis. Animazione. 90 min. USA. 2011. Tutti.

I cantastorie sanno che le storie esistono in tante versioni quanti sono i narratori. Soltanto viene chiesto loro di essere fedeli all'idea originale, in questo caso, al divertente personaggio secondario che è apparso qualche anno fa con Shrek, un personaggio con tanta forza e personalità che si è guadagnato un film per se stesso, più o meno quello che quasi tre secoli fa ha fatto con lui Charles Perrault. Infatti, nonostante il suo tono leggero, come si addice ai racconti classici, ha anche una morale sul valore dell'amicizia, dell'onore e dell'onestà.

Come nelle occasioni precedenti, perché la squadra degli sceneggiatori e il regista hanno lavorato insieme nelle avventure di Shrek e di Hop, appaiono elementi di diverse storie popolari, ma la trama del Gatto con gli stivali è originale, costruita con disinvolto nonsense e piena di azione e di humour. È particolarmente riuscita la partenza e la caratterizzazione dei protagonisti; lo sviluppo è un enorme carosello dove accadono tante cose e si ingarbugliano in tal modo, che alla fine i realizzatori devono dare spiegazioni a colpi di discorsi e la storia perde credibilità.

La performance è impeccabile e il 3D, anche se non necessario, fa ancora più bello un film che piacerà ai bambini. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Arthur e la guerra dei Due Mondi

2011-12-17T12:43:00.001+01:00

17/12/2011. Regista: Luc Besson. Sceneggiatura: Luc Besson, Céline Garcia. Interpreti: Freddie Highmore, Mia Farrow, Robert Stanton, Penny Balfour, Ron Crawford, Mike Powers. 101 min. Francia. 2011. Tutti.

L'ultima puntata della serie di Arthur, del potente e intraprendente regista e produttore francese Luc Besson, è la migliore di tutte. Coloro che hanno visto le due precedenti sano perfettamente chi è chi. Il maligno Maltazard è in procinto di conquistare il mondo, e Arthur si predispone a fermarlo. Besson ha deciso, giustamente, che l'azione si svolga quasi esclusivamente nel mondo umano. Ci sono diverse scene di antologia e un livello medio abbastanza buono. Questo terzo capitolo è una buona conclusione di una trilogia che non è stata così fortunata come i produttori si aspettavano. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Il figlio di Babbo Natale

2011-12-17T12:36:00.000+01:00

17/12/2011. Regista: Sarah Smith. Sceneggiatura: Sarah Smith, Peter Baynham. Animazione. 97 min. GB, USA. 2011. Tutti.

Questa divertente e tenera storia di Babbo Natale è stato prodotto da Aardman, la società britannica responsabile della serie Wallace & Gromit, vincitore di due Oscar per il cortometraggio animato.

Nel 2000, Aardman ha avuto successo con Chicken Run (Galline in fuga), ma non è riuscito nel 2006 con Giù per il tubo, un film noioso. In questo nuovo film, prodotto in associazione con una nuova major, Sony, recupera il buon livello. La famiglia di Claus è da molto tempo al servizio di San Nicola per distribuire doni ai bambini. Le nuove tecnologie sono arrivate e aiutano nel lavoro di Babbo Natale e le sue legioni di elfi. Ma c'è un problema in una spedizione.

Diretto dall’esordiente Sarah Smith, che ha scritto la sceneggiatura insieme a Peter Baynham, il film è spiritoso e divertente, più pensata per oltre i 12 anni che per i bambini piccoli, ma diciamolo con chiarezza, non rovina l'illusione dei bambini rispetto al segreto dei doni. I personaggi sono ben definiti e l'azione si svolge con coerenza e spettacolarità, con un tono tenero e affettuoso.

Vale però la pena notare che, fatta eccezione per la breve apparizione di una chiesa accanto alla casa della ragazza che è rimasta senza regalo, non si parla minimamente della nascita di Gesù Cristo, e in nessun momento ci sono riferimenti al cristianesimo. Il che è veramente surreale. Alberto Fijo. ACEPRENSA.Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

The Artist

2011-12-17T12:20:00.000+01:00

17/12/2011. Regista: Michel Hazanavicius. Sceneggiatura: Michel Hazanavicius. Interpreti: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Missi Pyle. 100 min. Francia. 2011. Giovani.

Hollywood, 1927. George Valentin è una grande stella del cinema muto, il che non impedisce un matrimonio infelice. Incontra Peppy Miller, giovane con desideri di trionfare nel grande schermo, e la aiuta. L'arrivo del suono nei film supporrà il declino di Valentin, mentre Miller raggiunge la vetta del successo.

Pellicola sorprendente e geniale del regista francese Michel Hazanavicius, che fa la scelta radicale di girare un film muto alla vecchia maniera, con formato 4:3 dello schermo, cartelli, accompagnamento orchestrale, gesti esagerati degli attori ... Anche con il montaggio in parallelo o le angolazioni allo stile espressionista.

Hazanavicius non si limita a fare sì che il pubblico moderno riscopra qualcosa di “antico”, ma gioca a mostrare ciò che è stato lasciato indietro dal progresso tecnologico, e di come l'introduzione del suono ha lasciato fuori molti attori, idea già presente in classici come Cantando sotto la pioggia e Viale del tramonto, che sono sottilmente citati. Per questo si ritrovano risorse geniali, come quando un suono nasce inaspettatamente, o un rumore è espresso da un cartello.

Il film, che sa di capolavoro sin dall’inizio, è un racconto morale, un feuilleton con spazio per le risate, le lacrime e l’amore, che frustra l’orgoglio e loda l'amore disinteressato. Hazanavicius ha utilizzato un casting perfetto, gli attori sembrano dell’epoca. Berenice Bejo è di una bellezza e bontà accattivante e Jean Dujardin presenta tutte le sfumature di colui che cade dal posto più alto. José María Aresté. ACEPRENSA.Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

Happy Feet 2

2011-12-17T12:07:00.000+01:00

17/12/2011. Regista: George Miller. Sceneggiatura: George Miller, Gary Eck, Warren Coleman, Paul Livingston. Animazione. 100 min. Australia. 2011. Tutti.

Il sequel di Happy Feet è un monumento alla pigrizia. Si sono limitati a copiare la storia e includere il formato 3D. Danze, canti e poco altro. Uno script pietoso, con gamberetti che non si è sicuri cosa c’entrano e un conflitto principale che rivela una preoccupante mancanza di immaginazione. L'opposto di Il figlio di Babbo Natale, una produzione Aardman (Wallace&Gromit), che però gioca in un altro campionato. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Real Steel

2011-12-17T11:59:00.000+01:00

17/12/2011. Regista: Shawn Levy. Sceneggiatura: John Gatins. Interpreti: Hugh Jackman, Dakota Goyo, Evangeline Lilly, Anthony Mackie. 127 min. USA, India. 2011. Giovani

Il direttore di Una notte al museo, sotto la tutela di Spielberg e Zemeckis, adatta un racconto di Robert Matheson sulle avventure di un vecchio robot sparring di pugili. Appena si riconosce la storia originale: c'è una storia per i giovani, di un pugile adulto che scopre suo figlio –nella linea di Campione-, e un'altra dell’umile che affronta il potente – quella di Rocky-. Realizzazione efficace, con effetti impressionanti e un robot e un bambino che risultano simpatici. Il film ha un protagonista fastidiosamente insignificante. Un altro errore di Hugh Jackman. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

Le avventure di Tintin. Il segreto dell'unicorno

2011-11-24T14:49:00.001+01:00

26/11/2011. Regista: Steven Spielberg. Sceneggiatura: Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish. Interpreti: Jamie Bell, Daniel Craig, Andy Serkis, Simon Pegg, Nick Frost. 107 min. USA. 2011. Tutti.

Arriva sugli schermi il tanto atteso film di Steven Spielberg, interamente girato in animazione motion capture e 3D stereoscopico. In esso, Spielberg, con Peter Jackson come co-produttore, adatta tre dei 24 album di Tintin, il giovane giornalista dei fumetti, curioso e avventuriero, creato nel 1929 da Hergé. Questi album sono stati tradotti in 80 lingue e hanno venduto più di 350 milioni di copie in tutto il mondo.

In particolare, il film di Spielberg incorpora elementi di Il granchio d’oro (1940-1941), Il segreto dell’unicorno (1942-1943) e Il tesoro di Rackham il Rosso (1943). La cosa migliore del film è la libertà creativa con la quale Spielberg affronta la ricreazione dell'universo immaginato da Hergé, pur rimanendo fedele allo spirito del fumetto originale. L'animazione continua a mostrare i limiti della motion capture partendo dalle precedenti interpretazioni di attori, soprattutto nel portamento degli animali come Milú e altri.

Ma allo stesso tempo, consente a Spielberg di spiegare un impressionante pianificazione, piena di riprese impossibili per l'immagine reale, nella quale resti abbagliato per le sue molte virtù come narratore di storie, e per il curatissimo lavoro del suo team nel disegno di personaggi e nello sviluppo degli sfondi semplicemente antologici.Questa eccellente tecnica si articola su una sceneggiatura frizzante, efficace sia nella trama, come nel dramma o la commedia, sviluppata a ritmo trepidante dal sensazionale montaggio di Michael Khan.

Da parte sua, il veterano John Williams risulta indovinato nella rischiosa partitura musicale, meno sinfonica e più minimalista del solito, e l’insieme diventa un grande film per tutti, con un po’ di violenza in alcune scene, che però riflette molto bene l’elogio della onestà professionale, della amicizia e del coraggio del popolare personaggio di Hergé, uno dei grandi dell’arte dei fumetti. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. (ACEPRENSA)

L'amore all'improvviso. Larry Crowne

2011-11-24T14:42:00.001+01:00

26/11/2011. Regista: Tom Hanks. Sceneggiatura: Tom Hanks, Nia Vardalos. Interpreti: Tom Hanks, Julia Roberts, Wilmer Valderrama, Taraji P. Henson, Pam Grier. 99 min. Usa. 2011. Giovanni-adulti. (SD)

Larry, gentile personaggio di mezza età, dipendente in un grande magazzino, viene licenziato per non avere l'istruzione superiore. I suoi capi gli spiegano che senza istruzione non si può salire, e non hanno altra scelta che fare a meno di lui. Larry si iscrive al college, e con la sua bonomia e l'ingenuità come unico bagaglio, fa amicizie (un gruppo di simpatici giovani bikers), impara, e allo stesso tempo incontra una donna che assomiglia molto a Julia Roberts...

Il secondo film diretto da Hanks –da ricordare The Wonders- ha molto a che fare con il primo: il protagonista e i suoi amici sono un po’ “retrò”, l’opportuno tema musicale con il quale inizia il film -Hold on Tight to Your Dream- è un classico di ELO; inoltre, Larry ha qualche cosa di Forrest Gump, è tutto candore e ingenuità. Il pubblico troverà una bella storia, piena di aneddoti divertenti, anche se poco credibili.

La sceneggiatura è minima, solo una serie di aneddoti -alcuni veramente buoni e ben raccontati-, intorno a dei personaggi, ma non c’è nessuna storia. Ci sono situazioni difficili che si presentano senza dramma, e ce ne sono altre –gradevoli- che vengo sottolineate. La gente è buona e reagisce bene se ha l’occasione di farlo: questo l’ingenuo messaggio principale. Ad esso se ne aggiunge un altro, così evidente che può passare inosservato: gli studi sono importanti e utili.

Non è un gran film, ma è una piacevole commedia romantica che segue il manuale e riunisce attori con charme. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani-adulti. Contenuti: S, D (ACEPRENSA)

Anonymous

2011-11-24T14:34:00.001+01:00

26/11/2011. Regista: Roland Emmerich. Sceneggiatura: John Orloff. Interpreti: Rhys Ifans, David Thewlis, Sebastian Armesto, Derek Jacobi, Vanessa Redgrave, Joely Richardson. 132 min. GB, Germania. 2011. Adulti. (XD).

Il rapporto di Shakespeare con il cinema è così abbondante e vasto come la storia del cinema stesso. Non solo sono stati filmati adattamenti dei sui lavori, ma sono stati fatti diversi esperimenti narrativi, dal Falstaff di Orson Welles a Riccardo III un uomo, un re di Al Pacino. Ma è sorprendente che lo faccia un regista come Roland Emmerich, specializzato in blockbuster apocalittici come The Day After Tomorrow, Independence Day e Godzilla.

Quello che ci racconta è una finzione basata sull’ipotesi che William Shakespeare non sia il vero autore delle sue opere. Il vero drammaturgo sarebbe stato il conte di Oxford, che si nasconde dietro l'identità di un attore impresentabile, quasi analfabeta, di nome William Shakespeare, e che si presenta al mondo come l'autore di questi scritti altrui.Il film è interpretato da attori generalmente secondari, come Rhys Ifans, David Thewlis e Sebastian Armesto, eccetto colui che presenta il prologo e l’epilogo del film, Derek Jacobi, che interpreta se stesso, e la veterana Vanessa Redgrave, che incarna Elisabetta I ( sua figlia, Joely Richardson, interpreta la regina giovane).

In realtà, più che un biopic fittizio, Anonymous è più vicino al thriller, soprattutto nel secondo tempo, anche se non mancano elementi di dramma, di commedia, di affaire romantici e di ricostruzione storica. La direzione artistica è abbagliante, ed è qui che su piccola scala è evidente la mano di Emmerich, anche se lo scenografo, Sebastian T. Krawinkel, non è il solito del regista tedesco. Meno indovinato è il copione che, anche se ben legato, è estremamente complesso all'inizio, con flashback senza preavviso, e una danza di nomi e personaggi che si sostituiscono a vicenda troppo in fretta. Non per questo non è una buona sceneggiatura.

Molto più discutibile è il ritratto del personaggio del Conte di Oxford, che seppur attraente, risponde al luogo comune della ideologia pagana di Shakespeare, molto lontano dalle profondità metafisiche che rivelano le sue opere. È un peccato perché il personaggio che ha costruito lo sceneggiatore John Orloff è molto interessante e ricco di sfumature. Tale pregiudizio ideologico appare anche nel trattamento della religione, perchè i personaggi come più perfidi del film, Robert Cecil e suo padre, sono gli unici che si vedono pregare in diverse occasioni. È però vero che questi personaggi incarnano quel cristianesimo nemico di Roma, guidato –secondo il film- dalla cosidetta Regina vergine.

Il film, al di là di essere una provocazione per il mondo accademico e della letteratura, è un omaggio a Shakespeare, chiunque egli fosse, come l'uomo che ha saputo catturare l'anima di un'epoca e che ha saputo vedere i conflitti morali nascosti sotto i giochi di potere del suo tempo. Ma la filosofia della storia proposta da Emmerich, alla fine è pessimista, forse cinica e un po’ machiavellica. Il risultato è brillante, eccessivo nel suo metraggio, dispone di finali multipli, e senza dubbio rivela che Emmerich, oltre a dirigere blockbuster catastrofisti, è in grado di assicurare il successo di produzioni più “colte” per un pubblico meno giovane. Juan Orellana. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

The Twilight Saga: Breaking Down parte I

2011-11-24T14:24:00.001+01:00

26/11/2011. Regista: Bill Condon. Sceneggiatura: Melissa Rosenberg. Intérpretes: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Dakota Fanning. 117 min. USA. 2011. Giovani-adulti. (X).

Per valutare gli aspetti cinematografici del quarto e penultimo film della saga di Twilight sono sufficienti un paio di righe. Non c'è niente che meriti di essere sottolineato. Le recitazioni sono scadenti. Gli effetti sono di cartapesta e i dialoghi sono imbarazzanti. Probabilmente si tratta del peggior film della serie, per la trama di basso livello. I primi quaranta minuti ruotano intorno alle nozze e alla consumazione del matrimonio, che è riassunto in una serie di cartoline erotico sensuali alternate a frasi di esaltazione del banale. Dopo la gravidanza di Bella c’è un po’ di trama e di tensione drammatica.

Detto questo, il fenomeno di Twilight ci invita a pensare. Il film riproduce pari pari il credo della autrice dei romanzi, Stephanie Meyers, mormone praticante, a cui credo si potrebbe dare l’etichetta di tradizionalista. Nel film, per esempio, non si parla di matrimonio fino alla morte, ma si dice testualmente che “per sempre è solo l'inizio”; i rapporti sessuali -così banalizzati in molti film attuali- si celebrano come un evento speciale riservato per un unica persona, si esalta il valore della famiglia, ed si è disposti a dare la vita –letteralmente- per qualsiasi membro di questa famiglia. Si arriva all’estremo di Bella decisa a morire per dare alla luce il suo bambino.

Qualcuno potrebbe concludere che l'accettazione di Twilight si deve semplicemente a che Robert Pattinson fa impazzire le ragazze adolescenti, che i giovani difendono il romanticismo esaltato perché è fittizio, ma che però non lo vogliono per la vita di tutti i giorni, o che tutto sia una operazione di marketing. Io preferisco continuare a pensare e a chiedermi se non sia mai che il bisogno di alti ideali, di eroi, di impegni eterni, di sforzi per affrontare le sfide, siano stampati nel nostro DNA e che noi più anziani lo abbiamo dimenticato.

Tanti sforzi per spingere i giovani verso la disinibizione sessuale e adesso viene fuori che vengono piuttosto attratti dai legami forti e dalla esclusività per sempre.Con questo non cerco di difendere un film al quale faccio delle critiche nel messaggio (l'immagine della donna è una di queste), e che dal punto di vista cinematografico sembra perfettamente prescindibile. Semplicemente, mi fa pensare la massiccia e infervorata legione dei suoi fans. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani-adulti. Contenuti: X (ACEPRENSA)

The tree of life

2011-10-08T12:28:00.003+02:00

8/10/2011. Regista: Terrence Malick. Sceneggiatura: Terrence Malick. Interpreti: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Fiona Shaw, Irene Bedard, Hunter McCracken. 139 min. USA. 2011. Giovani. (V)

Il beato John Henry Newman disse che “per i cristiani, c'è poesia in ogni cosa”, proprio perché ovunque sanno trovare i volti amabili del Padre, di suo figlio Gesù Cristo e dello Spirito Santo. Sembra che Terrence Malick (Badlands, I giorni del cielo, La sottile linea rossa, The New World) abbia elevato questa frase a motto della sua quinta pellicola cinematografica, L'albero della vita, con cui ha guadagnato -per il momento- la Palma d’Oro a Cannes 2011 e il Premio della Critica Internazionale (FIPRESCI) 2011. In questo film, con forte accento autobiografico, l'introverso e poco prolifico regista texano, siro-libanese di origine (nato nel 1943, formatosi ad Harvard e Oxford, giornalista e docente universitario), spreme quasi tutte le possibilità narrative, poetiche, discorsive e anche mistiche del cinema come linguaggio, fino a raggiungere un'impressionante preghiera a Dio, fuori da qualsiasi schema, indimenticabile.

Così, Malick entra nel novero dei grandi sperimentatori della storia del cinema, come Tarkovskij, Dreyer, Bergman, Bresson, Kurosawa, Wenders, Kieslovski, ma con un formato ibrido, realistico e onirico al tempo stesso, che ricorda quello utilizzato da Stanley Kubrick in 2001, Odissea nello Spazio. In effetti, questo film è esaltato da una colonna sonora, di Alexandre Desplat, da antologia, con brani di Bach, Brahms, Mozart, Mahler, Schumann, Smetana, Respighi, Gorecki, Berlioz... Molti di questi, selezionati da Malick stesso, risultano tutti incastonati con maestria nella vigorosa progressione drammatica della trama.

Tra natura e grazia

Sovrasta il film una citazione biblica completa, dal libro di Giobbe, (38, 4-7): “Dov'eri tu quando io fondavo la terra? Dillo, se hai tanta intelligenza. Chi ne fissò le dimensioni, se lo sai, o chi tirò sopra di essa la corda da misurare? Su cosa furono poggiate le sue fondamenta, o chi ne pose la pietra angolare, quando le stelle del mattino cantavano tutte assieme e tutti i figli di Dio alzavano grida di gioia?” Poi diverse voci maschili recitano in off: “Madre ... padre... fratello ....” E questa specie di introito culmina quando si sente una voce femminile che stabilisce le due coordinate del film: “ci sono due percorsi che si possono seguire nella vita: quello della natura e quello della grazia”. La stessa voce avverte che “devi scegliere quale seguire”. E Malick spiega che la via della grazia non ha paura di produrre dispiaceri né rifugge dal sacrificio, mentre la via della natura tende all'autocompiacimento e all’auto-affermazione sugli altri. Fortunatamente, ci è stata data l'opportunità di tornare in qualsiasi momento, anche l’ultimo, sulla via della grazia.

In questi dilemmi, sottolineati dalla schiacciante sfida della sofferenza, si confronta negli anni 60-70 anni del secolo scorso una donna cattolica praticante di Waco (Texas), la signora O'Brien (Jessica Chastain). E grida a Dio con sincerità straziante, perché si sente incapace di superare la disperazione per la morte del più piccolo dei tre figli. “Ora è nelle mani di Dio”, la consola il marito, il signor O'Brien, anche lui cattolico (Brad Pitt). “Ma non è sempre stato nelle sue mani?” risponde lei, con sorprendente lucidità.

Un disagio simile a quello della signora O'Brien attanaglia ai nostri giorni il figlio maggiore, Jack (Sean Penn), un insoddisfatto dirigente di impresa di successo che, sentendosi vuoto, anela a ricongiungersi con le proprie radici e con Dio. Per far ciò, ricorda con Lui la sua infanzia e adolescenza, illuminate dalle felici scorribande con i fratelli R.L. e Steve, e oscurata dal proprio progressivo allontanamento dal padre, uomo integro, compassionevole e amichevole, ma volontarista: che tratta i figli con eccessivo rigore.

La creazione del mondo

Malick ferma allora queste due trame principali, -che poi sviluppa fino all’apoteosi finale- e illustra con immagini l’iniziale citazione del libro di Giobbe e le prime rivendicazioni dei rispettivi personaggi nei confronti della divina provvidenza. Per farlo, in venti minuti dispiega un’affascinante sinfonia visiva e uditiva, attraverso la quale immagina la creazione dell'universo da parte di Dio, dal Big Bang all'estinzione dei dinosauri, soffermandosi sul primo atto di compassione di una creatura verso un'altra. L'intero passaggio ipnotizza dall’esterno, mentre all'interno, mette in evidenza l'amore traboccante di Dio e l'unicità e trascendenza dell’essere umano, come signore e custode della creazione per disegno divino. E lo fa con un uso della musica e delle metafore naturaliste -la terra, l’acqua, il fuoco, le nuvole, i fiori...- che ricorda le narrazioni della creazione dei mondi paralleli immaginati da J.R.R. Tolkien, in Il Silmarillion o C.S. Lewis in Il nipote del mago.

Un capolavoro

Malick articola formalmente questi temi esistenziali e religiosi attraverso una sceneggiatura frammentata e sincopata, con pochissimi dialoghi rigorosi e un sacco di silenzi e pensieri in off, diretti alla propria coscienza e a Dio. Ed esprime l’uno e l'altro con una bellezza letteraria e una profondità morale che riesce a commuovere. In tal senso, va il nostro plauso alle ottime recitazioni, più espressive e gestuali, che verbali. Brad Pitt e Sean Penn sono perfetti, ma soprattutto spiccano il bambino esordiente Hunter McCracken (nei panni di Jack, preadolescente) e la californiana Jessica Chastain, che dimostra perché è diventata l’attrice di moda, dopo aver recitato da protagonista in questo film, nel notevole thriller di spionaggio Il debito e nella superba tragicommedia The Help.

Nel frattempo, la cinepresa di Malick -con l'accattivante fotografia di Emmanuel Lubezki- vola da un luogo all'altro, riuscendo a coinvolgere gradualmente lo spettatore nella propria audace proposta, dai grandi piani astratti della creazione dell'universo fino ai primi piani di dettaglio, di questo film manifestamente riuscito. E perfino momenti della vita quotidiana -apparentemente banali- producono emozioni e profondità, grazie ad una pianificazione narrativa molto accurata, che avvalora il piano drammatico di tutti gli elementi inquadrati.

Sguardo cattolico

Resta così un commovente inno alla vita e un vero capolavoro, sia per l'uso delle risorse filmiche, come per la coraggiosa immersione nella natura trascendente dell'essere umano. Ed alla fine si resta anche commossi. Un'immersione per nulla New Age e profondamente cristiana -cattolica concretamente-, che affronta alcuni dei profili più profondi e complessi dell'essere umano, come paternità e filiazione, grazia e peccato, fede e volontà, il senso purificante della sofferenza, la forza redentrice dell'amore... ed infine, il pentimento e il perdono come le più alte manifestazioni della libertà umana e della provvidenza divina.

In certo senso, protagonista di questo film è Dio stesso. Come diceva l'attrice francese Arielle Dombasle: "Dio è l’argomento più affascinante". Ed anche uno dei meno affrontati dal cinema, si potrebbe aggiungere. Questo film, però, lo affronta: eccome! Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

The Eagle

2011-10-08T12:24:00.001+02:00

8/10/2011. Regista: Kevin Macdonald. Sceneggiatura: Jeremy Brock. Interpreti: Channing Tatum, Donald Sutherland, Jamie Bell, Mark Strong, Denis O’Hare. 120 min. GB, USA. 2011. Giovani.

Gran Bretagna, secondo secolo dopo Cristo. Un giovane soldato romano, Marcus Aquila, si appresta a recuperare il vessillo della Nona Legione, una testa di aquila dorata, per ripristinare l'onore della famiglia.

Kevin MacDonald ha dimostrato di essere un regista capace di affrontare generi molto diversi. Ha vinto un Oscar per il miglior documentario nel 2000, Life in a Day. Ha realizzato un biopic intenso e difficile con cui Forest Whitaker ha ottenuto l'Oscar di miglior attore (L'ultimo re di Scozia). Poi ha girato un interessante thriller, State of Play con Russell Crowe e Ben Affleck. Ora, adatta allo schermo un romanzo giovanile storico, L'aquila della nona legione, pubblicato da Rosemary Sutcliff nel 1954.

Girare un peplum nel XXI secolo è rischioso, soprattutto quando un film è al 100% maschile (nessun personaggio femminile) e con un'unica trama. Il film è costruito con pochi elementi: un conflitto epico semplice: la perdita dell'onore militare; due personaggi, un romano e il suo schiavo, e un lungo inseguimento. La cosa divertente è che, senza essere un film brillante, intrattiene. Alla fine, è una dimostrazione che epica e cinema costituiscono una buona accoppiata. Come nei suoi altri film, lo scozzese MacDonald si rivela dotato di buona sensibilità, nel ritmo narrativo. La messa in scena fa riferimento al cinema classico: è al servizio della la trama, senza fanfare e senza stridere. Il progetto di produzione e la caratterizzazione sono ben fatte. Channing Tatum difende bene il suo personaggio, ma è chiaro che è Jamie Bell a risultare l'attore migliore. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

Lanterna verde

2011-10-08T12:18:00.001+02:00

8/10/2011. Regista: Martin Campbell. Sceneggiatura: Greg Berlanti, Michael Goldenberg. Interpreti: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Tim Robbins, Angela Bassett. 105 min. USA. 2011. Giovani. (V)

Le Lanterne Verdi sono come i cavalieri Jedi, poliziotti siderali dotati di grandi poteri. Ognuno indossa un anello che dà loro un'energia formidabile. La storia inizia con la comparsa di Parallax, strana e potente creatura, incarnazione del male, che sfida e sconfigge varie Lanterne Verdi e minaccia di distruggere l'equilibrio dell'universo. Una Lanterna Verde ferita, arriva sulla Terra e, quando muore, incarica il proprio anello di trovargli un sostituto. La scelta ricade su Hal Jordan, pilota collaudatore -frivolo e un po’ arrogante-, che sarà il primo essere umano a diventare Lanterna Verde.

Questo tentativo di trasporre un altro super-eroe dei fumetti su grande schermo -e in 3D- non aggiunge nulla di nuovo o di originale. Racconta la mitologia che c’è dietro la torcia e la tempra del protagonista, che deve assumere i propri limiti e usare responsabilmente il gran dono che ha ricevuto. Lanterna Verde è soprattutto un grande spettacolo di luci e suoni e, in misura minore, un racconto rivolto prevalentemente agli appassionati di fumetti, gli unici in grado di apprezzarne i dettagli. Lo spettatore non iniziato sarà travolto da una valanga di dati impossibili da ricordare, penserà che la storia di Hal è troppo semplicista, non si sentirà attratto dai personaggi -ad eccezione di Hector Hammond (Peter Sarsgaard)- e concluderà che l'intero film è privo di sostanza. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

La pelle che abito

2011-10-08T12:15:00.001+02:00

8/10/2011. Regista: Pedro Almodóvar. Sceneggiatura: Pedro Almodóvar. Interpreti: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Roberto Álamo. 117 min. Spagna. 2011. Adulti. (VXD)

Vera è una giovane donna, bloccata nel seminterrato di un palazzo. Il Dr. Robert Ledgard provvede a monitorarne ogni movimento, tramite una tv a circuito chiuso. Chirurgo plastico di fama, Robert ha sviluppato una tecnica transgenica per creare pelle artificiale, in ricordo della moglie, morta carbonizzata in un incidente stradale.

Primo approccio di Pedro Almodovar ai film fantasy? In realtà, l'unico genere che il regista della Mancia coltiva è l’almodovariano, diverso da qualsiasi altro: la sua è una saga, con tratti distintivi e unici. Quindi, dire che il film si ispira al romanzo Tarantula di Thierry Jonquet o rivisita il mito di Prometeo, non dice molto. Il problema di Almodóvar -per alcuni non lo è- emerge dalla sua vita chiusa in un mondo di sentimenti esagerati, strazianti, ma epidermici. Non c’è profondità negli argomenti che tocca e che nasconde con trame contorte e lambiccate, pur rivelando talento nella messa in scena. Ma esagerando, il regista ci porta a situazioni impossibili e imbarazzanti, e gli attori devono stare al gioco.

Esageriamo a parlare di superficialità? Un personaggio si riferisce ai problemi di bioetica delle tecniche di Ledgard, ma appare troppo costruito. Certi comportamenti sono spiegati con un vago riferimento alla follia, contratta alla nascita. Un altro commette uno stupro, ma finiamo per simpatizzare con lo stesso, davanti alla vendetta orchestrata da uno degli offesi. La possibilità di cambiamento di sesso non aiuta a riflettere sull'identità sessuale. Come nel precedente film, Gli abbracci spezzati, Pedro Almodóvar si dispone a raccogliere idee, che abbiamo già visto altrove: personaggi trattenuti contro la loro volontà, trasformismi, morti traumatiche che inseguono dal passato, stupri... ciò che manca, tranne in un breve scena con Agustín Almodóvar, è il senso dell'umorismo: decisamente assente, a meno che un certo apparente umorismo casuale, sia in realtà voluto. José María Aresté. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, X, D (ACEPRENSA)

Super 8

2011-09-28T10:31:00.001+02:00

30/9/2011. Regista: J.J. Abrams. Sceneggiatura: J.J. Abrams. Interpreti: Elle Fanning, Noah Emmerich, Amanda Michalka, Kyle Chandler, Ron Eldard. 112 min. USA. 2011. Giovani. (V)

Durante un'estate degli anni Settanta in una cittadina dell'Ohio, alcuni ragazzi dodicenni, guidati da Joe Lamb e Charles, girano un film di zombie in super 8. Stanno per filmare la scena principale durante la notte, in una vecchia stazione ferroviaria. Alice, compagna di liceo, con qualche anno in più rispetto a loro, interpreta il ruolo di protagonista femminile e li porta alla stazione con la macchina del padre. Quando iniziano le riprese sono testimoni di un terribile incidente. Il giorno dopo, l'esercito si impadronisce della città e cominciano ad accadere cose strane.

Super 8, con le sue notti pieni di mistero, i ragazzi in giro in bicicletta per la città, le torce, i prodigi… evoca i primi film di Spielberg -ET, Incontri Ravvicinati del Terzo Tipo-, che è anche il produttore di questo film; e di Stand by me, di Rob Reiner, che pure vi partecipa. Tuttavia, è un film originale di J.J. Abrams, anche se partecipa -con una certa nostalgia- dello stile classico: umorismo, azione, romanticismo, avventura...

Il film racconta in realtà due storie. La prima, a mio parere la migliore, riguarda i giovani protagonisti: la loro amicizia e i loro problemi. Joe Lamb ha perso la madre e né lui, né il padre, riescono a riprendersi dal colpo; Joe e Charlie sono innamorati di Alice, che non è la sola ad incontrare difficoltà nel rapporto con il padre... La seconda storia è una avventura fantascientifica realizzata per soddisfare le aspettative del pubblico moderno. Abrams non ha fretta di dispiegare effetti speciali, ma gioca efficacemente sul clima di suspense, coinvolgendo le capacità allusive e l'intelligenza dello spettatore, fino a portarlo alla confluenza della storia dei ragazzi con quella dei grandi. I soldati compaiono sulla scena dell’incidente: è facile indovinare che vogliano nascondere qualcosa. Nessuno sa cosa stia succedendo, ma i ragazzi hanno visto qualcosa. Inoltre, c'è il contenitore con la pellicola in super 8, tutta ancora da sviluppare. La fusione delle due storie non riesce in modo perfetto. Dopo la prima ora, la sceneggiatura introduce elementi un po’ forzati. Tuttavia, Super 8 è un film delizioso, pieno di nostalgia, con personaggi affascinanti. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

Le amiche della sposa

2011-09-28T10:17:00.001+02:00

30/9/2011. Regista: Paul Feig. Sceneggiatura: Kristen Wiig, Annie Mumolo. Interpreti: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Jill Clayburgh, Chris O’Dowd, Ellie Kemper, Melissa McCarthy. 125 min. USA. 2011. Adulti. (XD)

Kristen Wiig, co-sceneggiatrice di questa storia, interpreta Annie, una donna bella, ma instabile e di cattivo carattere. Quasi tutto le è andato storto nella vita: la piccola impresa è andata fallita, il ragazzo l’ha piantata. Ora sopravvive -malandata- in una stanza affittatale da una strana coppia britannica. Ha un lavoro grigio, che non le piace, mantiene rapporti sessuali con un ragazzo odioso. Il film inizia quando Lillian, la migliore amica, le annuncia l’imminente matrimonio. Naturalmente, Annie spera di essere la damigella d'onore e di organizzare il matrimonio, ma l’apparizione di Elena (Rose Byrne), una nuova amica di Lillian, perfetta da ogni punto di vista, rischia di ostacolare le sue attese.

Le amiche della sposa, prodotto da Judd Apatow, potrebbe essere la perfetta replica femminile di Una notte da leoni, e senza dubbio attinge parecchio al tema principale, in cui un gruppo di donne organizza una festa di addio al nubilato, con abbondanza di commenti salaci, provocando situazioni imbarazzanti. Ma insieme a tutto questo, c'è un'interessante storia: il mondo di Annie e la sua insicurezza emotiva, la sua incapacità di essere generosa nell'amicizia, per superare la meschinità di carattere ed scoprire le opportunità che si presentano.

Nonostante i rinvii a Sex and the City siano evidenti (quattro amiche che in realtà sono "archetipi" di donne potenziali) e sottraggano originalità al film, la storia coinvolge ed i personaggi suscitano interesse. Alcune gag sono grandiose e Kristen Wiig realizza uno spettacolo che ricorda i migliori momenti di Lucille Ball. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

Niente da dichiarare?

2011-09-28T10:12:00.001+02:00

30/9/2011. Regista: Dany Boon. Sceneggiatura: Dany Boon. Interpreti: Danny Boon, Benoît Poelvoorde, Karin Virad, François Damiens. 108 min. Francia. 2010. Giovani. (S)

Danny Boon ha già mostrato talento nel gestire la commedia di costume Giù al nord, film che ha battuto diversi record al botteghino e ha già visto una nuova versione mediterranea (Benvenuti al Sud). In Niente da dichiarare?, il regista continua sulla stessa linea: adesso racconta l'inimicizia tra francesi e belgi, in una città di confine che ha i giorni contati per l'arrivo dell'eurozona. La formula funziona, anche se si sente un certo logoramento; ci sono gag più riuscite ed altre meno. L'istrionismo di uno dei personaggi è un po’ noioso. Il risultato è un film divertente, ma senza troppe pretese. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: S (ACEPRENSA)

Il debito

2011-09-28T10:05:00.002+02:00

30/9/2011. Regista: John Madden. Sceneggiatura: Matthew Vaughn, Jane Goldman, Peter Straughan. Interpreti: Helen Mirren, Sam Worthington, Jessica Chastain, Jesper Christensen, Marton Csokas. 114 min. USA. 2010. Giovani-adulti. (XD).

Negli anni Sessanta, tre agenti del Mossad si recano a Berlino per fermare il Chirurgo di Birkenau, ex-nazista accusato di sottoporre gli ebrei a esperimenti brutali e torture. Trent'anni dopo, i tre agenti sono ancora alle prese con quella missione. John Madden, candidato a vari Oscar per Shakespeare in Love, dirige questo thriller di spionaggio, che in realtà è un remake del film israeliano Ho-hav. Per adattarlo, Madden ha contato su tre sceneggiatori: Matthew Vaughn e Jane Goldman (che hanno firmato insieme i copioni di Stardust, Kick-Ass e X-Men: prima generazione), nonché Peter Straughan (L’uomo che fissa le capre e La talpa, altro film di spie, programmato in Italia per gennaio 2012). Questa versione si impone come film molto affidabile, che ricorda i grandi thriller degli anni Settanta.

Il primo merito del film è il tono. La pellicola si allontana dai sentieri battuti dai film d'azione, per entrare in una dimensione che attraversa il dramma psicologico, l'amore, la politica e il noir. A prima vista, può sembrare che ci siano troppe storie, ma il film passa da una storia ad un'altra con abilità. Madden gestisce bene anche i vari flashback, dal momento che l'azione si svolge in due epoche, a distanza di trent'anni l'una dall'altra. L'altro grande pregio è il cast. I temi abbordati dal film -la verità, la coscienza, il peso dell'inganno...- e il modo come risultano impostati sono quasi shakespeariani. Senza attori convincenti, il film non avrebbe retto. Per lo meno, rischiava di apparire poco credibile.

Per evitare tale rischio, Madden ha pensato bene di rivolgersi a due provetti attori del calibro di Mirren e Wilkinson, nel ruolo di due degli agenti, nel pieno della maturità. Nella versione in cui appaiono giovani (30 anni prima) sono ben caratterizzati da Jessica Chastain e Marton Csokas. Il terzo agente, Sam Whorthington è, senza dubbio, l’"anello debole" nel cast degli interpreti, ma siccome recita un ruolo di un uomo ferito e sofferente, finisce per non stridere più di tanto. Il film sembra basarsi sull'eccessiva pretesa di lasciar tutto chiaro allo spettatore, ripetendo scene e con qualche calo di ritmo, ma ha la stoffa del cinema classico: ben scritto, girato e interpretato. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani-adulti. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

Harry Potter e i doni della morte - parte II

2011-07-20T10:14:00.002+02:00

23/7/2011. Regista: David Yates. Sceneggiatura: Steve Kloves. Interpreti: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter. 130 min. GB, USA. 2011. Giovani. (V)

Eccoci alla fine di questa lunga saga di otto film, dove il giovane mago Harry Potter e i suoi amici Ron e Hermione hanno affrontato il male, incarnato da Voldemort. In quest'ultimo episodio vediamo chi vince e come. Qui le trame romantiche incontrano il loro epilogo, i personaggi ambigui rivelano il loro vero volto, e il passato torna ad offrirci letture inedite.

Come suggerisce il titolo, questo film è la seconda parte dell'ultimo libro, che in modo fin tropo sfrontato è stato girato solo per raddoppiare film e incassi. Se nel primo film la storia stentava, il ritmo era lento, vuoto, così da determinarne il fallimento, quest'ultimo, invece, è molto meglio. Specialmente nel finale, lascia tutti soddisfatti, come degna conclusione della serie. Ci racconta di come Harry e i suoi amici devono trovare gli horcrux che, una volta distrutti, determineranno la fine del potere di Voldemort.

Come si può immaginare, data l'età raggiunta dai protagonisti, questo non è più un film per bambini: la violenza si intensifica, il bilancio delle vittime è senza precedenti nella saga, i baci non sono più sulle guance. Il tutto, avvolto in una fotografia scura fino all'angoscia, e in un'atmosfera crepuscolare e fatiscente. Un epilogo, situato diciannove anni dopo da un respiro luminoso e infantile a questo film di guerra estrema tra il bene e il male.

In realtà, lo spettacolo, dal punto di vista estetico non apporta niente che non sia stato già sfruttato a iosa nei sette film precedenti. Gli effetti, atmosfere e riverberi digitali, che ci hanno stupito e affascinato -nelle prime consegne- non producono più l'emozione di allora, e neanche il 3D stereoscopico è in grado di proporre novità e interesse degni di nota. Ma il copione funziona, senza essere particolarmente brillante, e gli attori cooperano nel riuscito sforzo di spremere fino all'ultimo personaggi quasi esauriti.

I temi proposti dal film sono i soliti, ma trasposti fino al gran finale: il valore della lealtà nell'amicizia, il sacrificio per gli altri, la fedeltà al bene e alla verità... Ma forse la scena più interessante, che più si avvicina ad un'antropologia cristiana, è quando Harry, che tiene la bacchetta più potente del mondo tale da renderlo definitivamente invincibile, sceglie di rimanere vulnerabile: vale a dire, umano. La tentazione di un potere quasi divino, quella subita da Adamo in Paradiso, sembra qui riproporsi ad Harry. E la soluzione, identica a quella de Il Signore degli Anelli, parte dalla certezza che non è bene che l'uomo abbia poteri sovrumani. Bisogna dare all'uomo ciò che è dell'uomo; e a Dio ciò che è di Dio.

In breve, un buon film senza essere niente di speciale, molto divertente, con un emozionante finale; che propone valori universalmente condivisibili ed un'antropologia in cui il male da combattere non è solo fuori di noi, ma dentro ciascuno. Juan Orellana. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

Cars 2

2011-07-20T10:03:00.002+02:00

23/7/2011. Regista: John Lasseter, Brad Lewis. Sceneggiatura: John Lasseter, Brad Lewis, Dan Fogelman, Ben Queen. Colonna sonora: Michael Giacchino. Fotografia: Jeremy Lasky. Disegno di produzione: Harley Jessup. 106 min. USA. 2011. Animazione. Tutti.

Dopo aver vinto -per la quinta volta consecutiva- la Piston Cup, la stella delle corse, Saetta McQueen e il fedele amico, l’ingenuo veicolo auto-gru arrugginito, di nome Cricchetto, abbandonano di nuovo Radiator Springs per competere in Giappone, Italia, Francia e Inghilterra, nel primo Gran Premio Mondiale organizzato dall’imprenditore Sir Miles Axelrod, che sta promuovendo un bio-carburante ecologico chiamato Allinol. Ma le illusioni dei due amici si complicano quando Cricchetto viene coinvolto in una pericolosa trama di spionaggio internazionale.

Aiutato da Brad Lewis, quale co-regista, ritorna alla cinepresa John Lasseter, co-fondatore della Pixar 25 anni fa e suo attuale vice presidente creativo. Lasseter non si proponeva come regista dal 2006, quando debuttò in Cars, per molti il film più debole dello stabilimento di Emeryville, anche se tuttora uno dei più popolari tra i bambini. Il suo sequel, Cars 2, acuisce purtroppo difetti narrativi e carenze drammatiche del precedente, così da toccare il fondo tra i film della Pixar.

Non c’è niente da eccepire circa l’impressionante animazione di Cars 2, enormemente espressiva e molto spettacolare nelle numerose sequenze d'azione, molte delle quali coinvolgono centinaia di personaggi in scena. Meritano anche un strepitoso applauso alcuni suoi sfondi da antologia, che ricreano con impressionante bellezza Tokyo, Parigi, Londra e città immaginarie come Porto Costa e Radiator Springs. Tutto ciò, presentato in un 3D stereoscopico davvero impressionante, pur senza eccessi, e fornito di una colonna sonora di Michael Giacchino assai varia, completata da alcuni brani già esistenti piuttosto buoni.

Il problema è che l'intero dispiego audiovisivo risulta davvero poca cosa, a causa di una sceneggiatura troppo episodica, dalla trama fragile, con eccessivo accumulo di gag assortite. Certo, si apprezza lo sforzo di John Lasseter per arricchire la pura competizione automobilistica con una divertente sotto-trama di intrighi alla James Bond, che include il meglio del film; ma lo spettatore si disperde tra i tanti personaggi, così che mai ride, piange, si commuove, a differenza di altri film della Pixar, soprattutto la trilogia Toy Story, Gli Incredibili, Ratatouille e Up. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Transformers 3: dark of the moon

2011-07-20T09:58:00.002+02:00

23/7/2011. Regista: Michael Bay. Sceneggiatura: Ehren Kruger. Interpreti: Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, John Turturro, Frances McDormand, Josh Duhamel. 140 min. USA. 2011. Giovani.

Prevedibile e noiosa, ecco la terza parte delle avventure dei robot che si trasformano in auto o camion. La saga è redditizia e il marchio che ne produce i giocattoli continua a finanziare il produttore Steven Spielberg e il regista Michael Bay. Essendo così lunga, colpiscono di più i personaggi ridicoli, i conflitti artificiosi e infantili e certi dialoghi imbarazzanti: roba da andare a nascondersi! Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

Una notte da leoni 2

2011-07-20T09:57:00.000+02:00

23/7/2011. Regista: Todd Phillips. Sceneggiatura: Todd Phillips, Scot Armstrong. Interpreti: Zach Galifianakis, Bradley Cooper, Justin Bartha, Ed Helms, Ken Jeong. 98 min. USA. 2011. Sconsigliata. (XD)

Se il primo episodio aveva realizzato 467 milioni di dollari, questo è già arrivato a 489. E sembra che il critico sia costretto a rovistare tra le ragioni di questo successo. La formula è semplice. Ripetere, quasi clonare, la prima parte, triplicando il numero e il calibro delle volgarità rozze e ripugnanti. Che questa stupidità sia la commedia campione di incassi della storia è proprio un paradosso. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Sconsigliata. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

RED

2011-06-24T10:55:00.002+02:00

25/6/2011. Regista: Robert Schwentke. Sceneggiatura: John, Erich Hoeber. Interpreti: Bruce Willis, Mary Louise Parker, John Malkovich, Helen Mirren, Morgan Freeman. 111 min. USA. 2010. Giovani. (V)

Un gruppo di agenti della CIA già in pensione inizia ad avere problemi quando il governo decide eliminarli, per coprire oscuri segreti del passato. Basato su un romanzo a fumetti scritto da Warren Ellis e illustrato da Cully Hammer, pubblicato nel 2003-2004, il film vanta un cast impressionante, dove fa piacere incontrare grandi attrici come Mary Louise Parker (Pomodori verdi fritti) in un ruolo da protagonista molto divertente, e Rebecca Pidgeon (Il caso Winslow), che dà volto ad un personaggio secondario.

Vi è molta cura nella realizzazione, con forme di transizione fantasiose, buona musica, un gran lavoro della cinepresa nelle riprese delle sequenze d'azione e, se non bastasse, c'è anche il dinamico montaggio del premio Oscar Thom Noble (Il testimone, Thelma&Louise, Fahrenheit 451). Inoltre, notiamo che stelle come Helen Mirren e Brian Cox, solitamente lontane da attentati esplosivi e colpi di pistola, si divertono un mondo partecipando ad una fiction che prendono molto sul serio. Il novantaquattrenne Ernest Borgnine può recitarvi ancora una parte, breve, ma in un ruolo accattivante.

In linea con la recente Innocenti bugie, RED (Retired Extremely Dangerous) vanta una degna sceneggiatura, con dei “cattivi” di buon livello, ed una trama riuscita che diverte e fa ridere, senza eccessi di violenza (il fumetto carica molto le tinte), né oscenità. Il pubblico ha risposto bene: il film è prossimo ad incassare i 170 milioni di dollari. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

X-Men: l'inizio

2011-06-24T10:48:00.001+02:00

25/6/2011. Regista: Matthew Vaughn. Sceneggiatura: Jane Goldman, Ashley Miller, Jamie Moss, Josh Schwartz, Zack Stentz. Interpreti: James McAvoy, Kevin Bacon, Michael Fassbender, Rose Byrne, Jennifer Lawrence. 125 min. USA. 2011. Giovani. (VS)

Durante la Seconda Guerra Mondiale, il bambino telepatico Charles Xavier fa amicizia con Raven Darkholme, ragazza dalla pelle blu a scaglie, capace di trasformarsi in qualsiasi altra persona. Nel frattempo, un bambino ebreo, Erik Lehnsherr, scopre i suoi incredibili poteri di controllare i metalli con la mente, dopo aver assistito all'uccisione a sangue freddo della madre.

Anni dopo, durante la Guerra Fredda, una tenace agente della CIA (Rose Byrne) unisce i destini dei tre giovani (James McAvoy, Jennifer Lawrence e Michael Fassbender) e di altri mutanti per evitare un olocausto nucleare durante la crisi missilistica cubana. C'è una situazione tesa, generata dallo scienziato nazista Sebastian Shaw (Kevin Bacon), anche lui mutante, che ha organizzato un proprio esercito di giovani dotati di super-poteri.

È molto divertente questo prequel della popolare saga dei mutanti X-Men, creata nel 1963 per la Marvel da Stan Lee e Jack Kirby. Da un lato, la rievocazione di due diverse epoche della storia è completa ed efficace come lo sono le impressionanti immagini delle sequenze d'azione, che raggiungono l’apice nel trepidante finale del film. Infine, gli attori, capeggiati da un ottimo James McAvoy, hanno preso molto sul serio i rispettivi personaggi, così da conferire una profondità drammatica e morale ai conflitti di identità e alla semplice riflessione antirazzista che il copione prospetta.

Il tutto appare orchestrato con agilità narrativa e senza pedanteria dal londinese Matthew Vaughn (Stardust, Kick-Ass), che assume senza complessi la condizione eminentemente commerciale del film. Stona solamente qualche stupida concessione erotica e qualche eccesso di sangue, corpi estranei rispetto al tono quasi familiare dell’insieme. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, S (ACEPRENSA)

I guardiani del destino

2011-06-24T10:39:00.001+02:00

25/6/2011. Regista: George Nolfi. Sceneggiatura: George Nolfi. Interpreti: Matt Damon, Emily Blunt, Anthony Mackie, John Slattery, Terence Stamp. 110 min. USA. 2011. Giovani. (S)

Il romanziere di fantascienza Philip K. Dick (1928-1982) è assai reclamato da cinema e TV, da Blade Runner a Next, passando per Atto di forza e Minority Report. George Nolfi, autore di Ocean’s Twelve e The Bourne Ultimatum, esordisce da regista con un copione scritto da lui stesso, che adatta un racconto di Dick: Adjustment Team.

L'approccio è suggestivo: durante la campagna elettorale, un politico subisce un inatteso rovescio, ma conosce per caso una ragazza -e si prende una cotta per lei-, che gli dà ottimi consigli. Il film è supportato da alcuni attori eccellenti e da una brillante messa in scena. Ma la storia si sgonfia perché si frustrano gli sforzi per fare della fantascienza, condita da una forte storia d'amore come fulcro del racconto, per colpa di un modo sbagliato di trattare questo approccio. La musica di Thomas Newman (Wall-E) e la fotografia di John Toll (Gone Baby Gone), due grandi professionisti, cercano invano di dare il giusto peso ad una storia che delude per la puerilità semplicistica del suo determinismo. La lezione è chiara: le buone storie possono fornire idee che, convenientemente sviluppate, forse daranno vita ad una storia più lunga e che non sfigura. Perfino storie scadenti, come il romanzo di Capote che ha portato al film di Blake Edwards (Colazione da Tiffany), possono produrre film importanti. Non è però questo il caso di Adjustement team: un racconto mediocre, un buco nell'acqua. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: S (ACEPRENSA)

Source Code

2011-06-24T10:34:00.002+02:00

25/6/2011. Regista: Duncan Jones. Sceneggiatura: Ben Ripley. Interpreti: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright. 98 min. USA. 2011. Giovani. (V)

Dopo un'azione militare in Afghanistan, il pluridecorato capitano Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) si risveglia nel corpo di uno sconosciuto, che viaggia con una donna giovane e bella (Michelle Monaghan) in un treno di pendolari che esplode poco prima di raggiungere Chicago. Colter scopre che l’esercito sta sperimentando su di lui un programma chiamato Codice Sorgente, che permette di prendere l'identità di un'altra persona, ma solo nei suoi ultimi otto minuti di vita. Lo scopo è reincarnarsi nell'uomo del treno tutte le volte che sarà necessario, fino ad individuare l'attentatore e prevenire futuri attacchi terroristici.

Fin dai titoli di testa, la musica di Clint Mansell e Chris Bacon fa riferimento alle splendide composizioni di Bernard Herrmann per i lavori di Alfred Hitchcock. E il figlio di David Bowie, il britannico Duncan Jones (Moon), rafforza questi riferimenti attraverso una messa in scena angosciante e nervosa, con abbondanza di movenze di cinepresa e inquadrature soggettive. Tuttavia, Source Code, anche se divertente, non arriva al coinvolgimento tipico e sempre attuale dei film del Mago del suspense. La colpa non è degli attori, tutti convincenti nelle varie repliche della stessa situazione. Piuttosto, per ciò che riguarda la storia, è da biasimare la freddezza del film, che non è idoneo a trarre dalla trama la dovuta intensità drammatica e morale; per di più, termina anche in modo confuso e decisamente incoerente. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

L'ultimo dei templari

2011-06-24T10:29:00.003+02:00

25/6/2011. Regista: Dominic Sena. Sceneggiatura: Bragi F. Schut. Interpreti: Nicolas Cage, Ron Perlman, Stephen Campbell Moore, Stephen Graham, Ulrich Thomsen. 110 min. USA. 2011. Adulti. (V)

In un cupo medioevo, due coraggiosi crociati disertano (sic), stufi di uccidere in nome di Dio. Tornati in Europa, s’imbattono in un'epidemia di peste, e devono condurre una strega, presunta colpevole di quel flagello, per farla giudicare in una lontana abbazia. La strada è irta di pericoli.

Sena è rimasto inattivo per diversi anni, ma avrebbe dovuto continuare a farlo. Il film è una pletora di luoghi comuni sul medioevo, con cliché rozzi, anticlericali e incongruenti; più vicino a Solomon Kane che a Le crociate. Se fosse un film di Corman, ciò non avrebbe importanza, ma Sena, oltretutto, appare pretenzioso. In fondo, un film di avventura fantasy scadente, proposto come grande film storico di avventure. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. (ACEPRENSA)

Il dilemma

2011-06-24T10:20:00.001+02:00

25/6/2011. Regista: Ron Howard. Sceneggiatura: Allan Loeb. Interpreti: Vince Vaughn, Kevin James, Jennifer Connelly, Winona Ryder, Chaning Tatum. 111 min. USA. 2011. Adulti. (SD)

Due quarantenni. Uno con fidanzata, l’altro sposato. Il primo scopre la moglie del secondo con un altro uomo. Howard, che troppo spesso continua a dare un colpo al cerchio e uno alla botte, dirige un film caratterizzato dalla mancata identità, persa tra dramma e commedia, con un pessimo cast, basso ritmo e un tasso di interesse prossimo allo zero. La sceneggiatura è di Allan Loeb (Noi due sconosciuti, 21) e non si capisce bene nemmeno cosa si pretenda comunicare. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: S, D (ACEPRENSA)

Thor

2011-05-28T11:00:00.000+02:00

28/5/2011. Regista: Kenneth Branagh. Sceneggiatura: Ashley Miller, Mark Protosevich, Zack Stentz, J. Michael Straczynski, Don Payne. Interpreti: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Samuel L. Jackson, Stellan Skarsgård. 114 min. USA. 2011. Giovani.

Nel mitico regno di Asgard, mentre Odino è pronto a cedere il trono al figlio Thor, ecco che irrompono i nemici di sempre: i giganti del ghiaccio. L'attacco viene respinto, ma Thor -desideroso di gloria e sangue- disobbedisce al padre, invadendo il freddo mondo di Jotunheim. Esiliato, arriva sul pianeta Terra, dove incontra un gruppo di scienziati guidati da Natalie Portman. Diventato un semplice mortale, scoprirà l'umiltà, la pazienza e la compassione.

La galleria dei personaggi Marvel è inesauribile: ce l’hanno messa tutta per trasporre su grande schermo uno dei più celebri super-eroi, il possente Thor, nato nel 1962. Un cast stellare preannuncia che questa non è una mera storia di combattimenti: il lato umano, anche quello dei miti, è importante. Il regista scelto, uomo di teatro, non si lascia sedurre da dettagli secondari, ma eccelle proprio nei momenti più drammatici e umani: il dolore di Odino, la pena di Loki, i divertenti tentativi dell’eroe per adattarsi alla vita di un essere umano sulla Terra.

I fuochi d'artificio, gli effetti spettacolari e quelli digitali, anche se di buona fattura, non colpiscono troppo perché non sono originali; l'uso del 3D appare sobrio e inutile. Il ritmo però è molto buono, c’è davvero molta azione in un film, che mantiene le promesse: diverte i giovani. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

Fast&Furious 5

2011-05-28T10:53:00.000+02:00

28/5/2011. Regista: Justin Lin. Sceneggiatura: Chris Morgan. Interpreti: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johnson, Jordana Brewster, Joaquim de Almeida. 125 min. USA. 2011. Giovani. (V,S)

La saga Fast & Furious ha dieci anni e sul suo appeal, almeno secondo Justin Li (regista degli ultimi tre episodi) e i produttori, gli attori pesano quanto o più delle macchine e delle corse. In questo sequel, gli scatenati inseguimenti notturni sono appena accennati, ma ne abbiamo altri -non meno spettacolari- interpretati da Dominic Toretto (Vin Diesel) e dalla sorella Mia (Jordana Brewster) insieme al fidanzato, l'ex poliziotto Brian O'Conner (Walker).

I tre protagonisti si sono rifugiati in Brasile, dove vengono accusati di un omicidio che non hanno commesso. Così devono fuggire dal FBI, che mette sulle loro tracce un agente spietato (Dwayne Johnson). L'azione è spettacolare, con macchine da sogno; gli eroi -bulli forti e molto duri- appaiono marginali e un po’ volgari, con un'estetica curata ed un po' kitsch. L'avventura, o meglio il pretesto per l'azione, è un McGuffin: un oggetto del desiderio che tutti vogliono e nessuno sa cosa sia; il risultato è la pianificazione dell'assalto alla fortezza del “cattivo”. E la formula funziona. Questi bad boys sono buoni, con carisma e fascino, credono ancora alla famiglia, alla lealtà e all'amicizia. È divertente il fatto che i personaggi ti fanno ridere, proprio quando prendono le cose sul serio. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, S (ACEPRENSA)

Pirati dei Caraibi - Oltre i confini del mare

2011-05-28T10:48:00.000+02:00

28/5/2011. Regista: Rob Marshall. Sceneggiatura: Ted Elliott, Terry Rossio. Interpreti: Johnny Depp, Geoffrey Rush, Penélope Cruz. Ian McShane, Kevin Mc MacNally, Astrid Berges-Frisbey. 140 min. USA. 2011. Giovani.

La saga pirata continua. Il regista è cambiato, ma tutto rimane lo stesso, pedantemente uguale. È una variazione ripetitiva del solito tema. Rob Marshall (Chicago) dirige un copione noioso e prevedibile, senza ritmo, senza tensione, senza grazia. Tutto è deja vu: resta solo da alzare il volume della musica e far vedere qualche sirena. Penelope Cruz esprime un carattere piatto, e il 3D serve solo ad oscurare la fotografia e ad alzare di 3 euro il prezzo del biglietto. L'inizio, con una scena d'azione ben girata, è promettente; ma il resto, la solita solfa! Risultato: 140 minuti interminabili. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

Mr. Beaver

2011-05-28T10:44:00.000+02:00

28/5/2011. Regista: Jodie Foster. Sceneggiatura: Kyle Killen. Interpreti: Mel Gibson, Jodie Foster, Anton Yelchin, Jennifer Lawrence. 91 min. USA. 2011. Giovani. (VS)

Walter Black (Mel Gibson) è un dirigente prestigioso dell'industria del giocattolo, felicemente sposato con Meredith (Jodie Foster) e padre amorevole di due figli. Ma cade improvvisamente in una grave depressione che i medici non sanno come curare. Finché un giorno, allontanatosi dalla famiglia, Walter trova -in un bidone della spazzatura- un pupazzo a forma di castoro, attraverso il quale finalmente riesce ad esprimere i suoi sentimenti. Da quel momento, la vita di Walter migliora notevolmente, ma ha una preoccupante dipendenza dal burattino, che sembra avere vita propria.

Dopo Il mio piccolo genio e A casa per le vacanze, l'attrice Jodie Foster continua la carriera di regista con un altro singolare dramma intimista, attraverso il quale si esalta l'affetto famigliare come il principale e grande rimedio all'epidemia di individualismo e isolamento che caratterizza il mondo attuale. In tal senso, è di particolare interesse la sotto-trama del figlio adolescente di Walter, che non riesce a valorizzare gli sforzi del padre per superare la malattia. Ed arricchiscono questa riflessione tematica le note accurate -a volte drammatiche, a volte sarcastiche e persino surreali- circa le predisposizioni genetiche, le tendenze culturali, i media, l'umiltà, il bisogno di lasciarsi aiutare...

Questa rischiosa proposta di Foster risulta plausibile per merito dell'eccellente lavoro dell'intero cast, in particolare di Mel Gibson, che dimostra -ancora una volta- il suo carisma di attore tra i più versatili e geniali, anche in ruoli come questo, ad alta tensione emotiva e con certi elementi autobiografici che sicuramente hanno influito sulla recitazione. Per il resto, la messa in scena è un po’ fredda e convenzionale, ma è indovinata quando si mette al servizio della drammatica evoluzione dei personaggi. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, S (ACEPRENSA)

The Lincoln Lawyer

2011-05-28T10:40:00.001+02:00

28/5/2011. Regista: Brad Furman. Sceneggiatura: John Romano. Interpreti: Matthew McConaughey, Marisa Tomei, Ryan Phillippe, William H. Macy. 105 min. USA. 2011. Adulti. (VXD)

Tratto da un romanzo del prolifico Michael Connelly, questo curato legal thriller ha forza ed è ben recitato. Recupera Matthew McConaughey, un attore che ha già dato buona prova di sé, ad esempio, in Tredici variazioni sul tema (Thirteen Conversations About One Thing).

McConaughey, valido attore quarantatreenne, di alterne fortune, dimostra ancora di avere carisma, interpretando un scaltro avvocato criminalista, poco ortodosso, che usa la propria auto come ufficio. L’affaire è torbido: il processo contro un giovane benestante, accusato di aver aggredito brutalmente una prostituta, in quello che sembra un espediente per estorcerli quanto più denaro possibile. Ma c'è una decisa volontà di non essere brutale nella rappresentazione del degrado morale di alcuni personaggi. E la trama familiare, che scorre parallela, non è male.

Furman (The Take, 2007) è un bravo regista, sobrio, senza esitazioni, con una messa in scena che sa sfuggire al cliché televisivo, in cui di solito incorre questo genere di storie da tribunale, con sortite esterne a caccia di prove. Mi viene in testa uno dei film di ambiente legale tra i più sorprendenti, Anatomia di un omicidio, del maestro Preminger, una pietra miliare per gli appassionati del genere. Dall'elogio del film, passiamo però ad un paio di stonature: lo stile del personaggio di William H. Macy è troppo caricaturale per esser credibile. E non solo il suo. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, X, D (ACEPRENSA)

Habemus Papam

2011-04-24T11:52:00.002+02:00

23/4/2011. Regista: Nanni Moretti. Sceneggiatura: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Federica Pontremoli. Interpreti: Michel Piccoli, Nanni Moretti, Margherita Buy, Jerzy Stuhr. 104 min. Italia. 2011. Tutti

Alla morte del vecchio Papa, il Conclave si riunisce per eleggere il nuovo pontefice. La scelta cade sul cardinal Melville, ma il prescelto cade preda di dubbi e fortissime ansie - dovute al timore di non essere in grado di salire degnamente al soglio pontificio - Per risolvere la situazione, il Vaticano decide di rivolgersi a uno psicologo, il professor Brezzi, ma la situazione si complica per il fatto che il conclave non è ancora ufficialmente chiuso e i cardinali restano bloccati in Vaticano...

E se un odierno successore di Pietro si affaccia dal balcone vaticano, guarda la piazza gremita di gente all’inverosimile - un popolo plaudente, lieto, rassicurato e desideroso di conoscere il volto del nuovo pastore - e inaspettatamente dichiara di rinunciare alla missione? Su questo assunto si regge il nuovo, undicesimo lungometraggio di Nanni Moretti, Habemus Papam.

Ci perdonerete se abbiamo svelato il finale, cosa che non si dovrebbe mai fare. Ma non c’è alternativa, poiché di questo, e soltanto di questo, parla il film: della rinuncia. È morto un Pontefice. Vediamo con immagini di repertorio il funerale di Giovanni Paolo II in piazza San Pietro. Attacca la finzione, nel conclave quasi totalmente composto da vecchietti timorosi, pieni di acciacchi, con il comodino ingombro di medicine. Pregano questi cari vecchietti. Pregano il Signore che li risparmi dalla prova finale: la conduzione della barca. Alla fine ci si orienta su Melville (un misurato e bravo Michel Piccoli). È fatta. Applausi, baci, inchini. Abito da cerimonia, acconciato in fretta. Stola rossa. La grande finestra aperta sul mondo, ecco la lieta novella: «Habemus Papam». Il cerimoniere felice si gira per introdurre il nuovo nocchiero della cristianità. Non esce nessuno. Anzi, si odono grida, richieste di aiuto. Il Papa è in preda alla paura. Il sorriso si spegne sulle labbra di tutti. Il silenzio cala gelido sulla folla festante. Comincia l’avventura di un povero vecchio, che smette subito la veste bianca, intimorito e schiacciato dal peso della responsabilità. Da giovane voleva fare l’attore. Ma fu costretto a rinunciare. Così ha intrapreso un’altra carriera, che l’ha portato, di teatro in teatro, al più grande palcoscenico della storia.

E Nanni Moretti? Eccolo accorrere al capezzale del Santo Padre in stato confusionale. Ha il volto severo dello psicologo di fama, il «migliore»: separato, lavoratore, saccente, non credente, vestito come un prete. In La messa è finita, nel 1985, Moretti era un giovane sacerdote, senza barba e con la tonaca, alzata con le mani per correre senza impacci appresso al pallone in oratorio. Don Giulio era arrabbiato, autoritario, tagliente, intransigente. Curava le anime: un terrorista, un omosessuale, la sorella intenzionata ad abortire, il padre scappato di casa con una più giovane. E gli toccava di vegliare il corpo della madre suicida. Ora, in abito scuro, è al capezzale del Papa tormentato. Cerca di soccorrerlo non con le Sacre Scritture, ma con il verbo di Freud, «maestro del sospetto» somministrato quale estrema medicina.

Moretti è in grande forma. Scherza, cava dal cilindro una battuta dietro l’altra. Costretto a convivere col collegio cardinalizio, organizza tornei di pallavolo, batte con astuzia i cardinali alle carte, e prova a parlare col «paziente». Dai discorsi sono banditi però riferimenti a sesso, madre, infanzia (solo di sfuggita e con tanta cautela), sogni. Quindi non si parla di nulla. Si sospetta un «deficit di accudimento»: ma è solo un’ipotesi. Bene. Siamo al finale: la grande rinuncia. La Chiesa ha bisogno di un profondo rinnovamento, deve amare tutti, dice il Papa prima di eclissarsi per sempre. Se prendessimo Habemus Papam per una pura e semplice commedia, ci sarebbe poco da aggiungere. Quando Moretti si impegna è irresistibile. Ma chiudiamo qui? Ce la caviamo con la commedia, le risate, la caricatura grottesca? In realtà Moretti aveva in mente ben altro progetto. Voleva - come ha sempre fatto - ritrarre il mondo, magari deformandolo. La macchina da presa doveva scandagliare il fondo dei Sacri Palazzi. E qui, proprio qui, sta la macroscopica debolezza del film. Di questo mondo Moretti non capisce nulla. Non ne ha la minima conoscenza, sensibilità, comprensione. Non mostra nessun rancore verso la Chiesa come istituzione. E riesce anche a trasformare, con autentica simpatia, i vecchierelli cardinali in allegri ragazzotti, impegnati a ribattere il pallone dall’altra parte della rete. Moretti nel suo cinema non è mai stato ostile alla religione. Come non è mai stato ostile alla vita. Probabilmente, come molti della sua generazione, è stato attratto da Giovanni Paolo II (Melville, per sua stessa ammissione, a lui rimanda).

L’ultimo successore di Pietro di Habemus Papam, però, è privo della dimensione religiosa. Potrebbe essere fabbro, medico, attore, venditore ambulante. Ma non uomo di fede. Si può fare un film su un uomo di fede (anzi, sulla guida di un’immensa e planetaria comunità religiosa) staccandolo dalla prospettiva divina? Il giovane don Giulio, nel finale di La messa è finita, prima di partire per un posto lontano, spazzato dal vento, finalmente rideva. Sulle note di Ritornerai di Bruno Lauzi, il mondo si fermava, e tutti i presenti iniziavano a ballare. Habemus Papam si chiude nel silenzio, nel buio, nell’angoscia. Caro Moretti, per il prossimo film perché non richiami don Giulio dall’esilio in Patagonia? Claudio Siniscalchi, per gentile concessione di FAMILYCINEMATV.

Valori/disvalori: Nanni Moretti ritrae la Chiesa, non gli è ostile, ma di questo mondo non capisce nulla. Non ne ha la minima conoscenza, sensibilità, comprensione. L’ultimo successore di Pietro di Habemus Papam, è privo della dimensione religiosa.

Pubblico: Tutti.

Giudizio tecnico: *** Nanni Moretti scherza, cava dal cilindro una battuta dietro l’altra. Come commedia è irresistibile ma la macroscopica debolezza del film consiste proprio nell'aver ritratto un mondo che l'autore non ha cercato di conoscere.

World Invasion: Battle Los Angeles

2011-04-24T11:46:00.001+02:00

23/4/2011. Regista: Jonathan Liebesman. Sceneggiatura: Christopher Bertolini. Interpreti: Aaron Eckhart, Michelle Rodríguez, Bridget Moynahan, Ramon Rodriguez, Michael Peña, Cory Hardrict. 118 min. USA. 2011. Giovani. (V)

Il mondo è in guerra con gli alieni. Il sergente Nantz, un veterano con un passato oscuro, è assegnato a una sezione di marines che deve evacuare i civili da Santa Monica, e quel piccolo gruppo sarà fondamentale per lo sviluppo della guerra. A differenza dell'approccio generale di Independence Day, World Invasion: Battle Los Angeles si concentra sui dettagli. La storia è vista attraverso gli occhi del sergente Nantz. Aaron Eckhart è il perfetto sergente di ferro, un ruolo che sembra disegnato per lui, ed è lui che in gran parte sostiene il film.

Non c’è una visione di insieme né spettacolari scontri di truppe o navi; abbiamo grida, combattimenti casa per casa. Los Angeles è un campo di battaglia eccellente, confuso. Ció facilita il lavoro del montatore, che non deve preoccuparsi della coerenza della storia: bastano il rumore e il movimento. L'azione e la tensione sono dosati in modo corretto. Non c’è epica altisonante, ma molta azione classica. Si tratta di un film di fantascienza in cui si confrontano fanterie invece di navi e anche se lo spettacolo non è quello che ci si aspetta, non è male. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

Rio 3D

2011-04-24T11:35:00.001+02:00

23/4/2011. Regista: Carlos Saldanha. Sceneggiatura: Don Rhymer. Con Will i Am, Rodrigo Santoro, George Lopez, Jamie Foxx, Victoria Cabello, Fabio De Luigi, Pino Insegno, Mario Biondi, Josè Altafini, Emilio Carelli, Francesco Castelnuovo. Animazione. 96 min. USA, Canada, Brasile. 2011. Tutti.

Blu è un uccello speciale, è l'ultimo ara blu ed è stato allevato in Minnesota. Sa leggere, ma non vola, perché è stato rubato in Brasile il giorno in cui doveva imparare. Ha vissuto sempre con Linda, una bella libraia che lo trovò per strada quando era bambina. L'azione inizia quando un ornitologo brasiliano si presenta in libreria e propone portare Blu a Rio de Janeiro per incontrare Pearl, la ultima femmina della sua specie, e così impedire l'estinzione dell’ara blu.

Saldanha dimostra ancora una volta la sua maestria nel raccontare storie animate con grazia e arguzia. Lavora con un team tecnico che non ha nulla da invidiare ai migliori: la rifinitura di ogni fotogramma, la qualità delle animazioni, i personaggi, tutto ha un livello molto alto. E lo sceneggiatore Don Rhymer è arguto e ha saputo imbastire la linea principale, la storia d'amore tra l’uccello da campo e quello di città, con multipli trame collaterali e abbastanza divertenti, tutto con il carnevale come sfondo.

La fotografia e il buon uso della tecnologia 3D consente di esaltare la bellezza di Rio in un divertente filmato, familiare e colorista. Contrariamente a quanto ci si potrebbe aspettare, la cosa meno brillante è la musica. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Poetry

2011-04-24T11:31:00.001+02:00

23/4/2011. Regista: Lee Chang-dong. Sceneggiatura: Lee Chang-dong. Interpreti: Yoon Jeong-hee, Ahn Nae-sang, Kim Hira, Lee Da-wit, Kim Yong-taek. 139 min. Corea del sud. 2010. Adulti. (X)

Mija, 65 anni, è in pensione ma ha ancora uno spirito giovane e grintoso, è elegante e di bell'aspetto. Mija vive con suo nipote, un ragazzo egoista e viziato, per il quale la nonna è la signora che prepara il cibo e paga i suoi capricci. Mija arrotonda lo stipendio curando un anziano emiplegico e scontroso.

Quando il film inizia vediamo il bellissimo fiume Han, che attraversa la città, e il cadavere di una giovane studentessa che galleggia, e Mija in un ospedale, preoccupata per le sue perdite di memoria. Poi vediamo Mija discutere con il nipote, curare l’anziano malato e scriversi in un corso di poesia nel centro culturale.
Il corso di poesia richiede lo sviluppo di un poema, e nelle lezioni Mija imparare a vedere e sentire. Mija scoprirà di più sul mondo che la circonda, della sua bellezza e le sue miserie. A poco a poco prende forma il poema che le è stato chiesto, che finirà con il film.

Lee Chang-dong ha sviluppato un poema visivo straordinario di due ore, bello e doloroso alla volta. Il film, formalmente bellissimo, è pieno di metafore visive che insegnano ad apprezzare ciò che vediamo intorno a noi, e mettono in parallelo la miseria fisica e la miseria morale; lo spettatore deve decidere quale sia la peggiore. Da tutto questo sorge una bella poesia che, purtroppo, è intinta di nichilismo e lascia l'anima in pena, perché c'è bellezza sì, ma non speranza. Poetry ha ricevuto giustamente il premio alla miglior sceneggiatura a Cannes. L'interpretazione di Yoon Jeong-hee è un altro poema. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X (ACEPRENSA)

Limitless

2011-04-24T11:25:00.002+02:00

23/4/2011. Regista: Neil Burger. Sceneggiatura: Leslie Dixon. Interpreti: Bradley Cooper, Abbie Cornish, Robert De Niro. 105 min. USA. 2011. Adulti. (XD

Il regista di The Illusionist adatta un romanzo su un uomo disastroso, scrittore fallito, che l'assunzione di un farmaco fa diventare un genio, poliglotta, combattente invincibile, analista, conquistatore, ecc, ecc. I tentativi di produrre una favola di fantascienza mescolata con un thriller non funzionano, neanche con la presenza di un Robert De Niro di basso, bassissimo profilo. Quando ha debuttato negli Stati Uniti ha avuto il primato nel box office, il che indica che questo tipo di argomento seduce il pubblico giovanile. La realizzazione è povera e la trama è veramente noiosa. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

The next three days

2011-04-13T11:55:00.001+02:00

9/4/2011. Regista: Paul Haggis. Sceneggiatura: Paul Haggis. Interpreti: Russell Crowe, Liam Neeson, Olivia Wilde, Elizabeth Banks, RZA. 122 min. USA. 2010. Giovani. (VX)

Una famiglia normale finisce in una storia da incubo. Josh, professore universitario sposato con Lara, da cui ha avuto un figlio, Luca, è andato a cena fuori. Tornando a casa, la polizia irrompe improvvisamente e porta via Lara in stato di arresto, sotto l'accusa di omicidio. Ne seguirà la condanna, poiché tutte le prove indicano che lei ha ucciso una donna in un parcheggio. Il tempo passa, gli appelli risultano inutili. Josh è così disperato, che comincia ad elaborare un piano di fuga per Lara.

Paul Haggis (Crash, Nella valle di Elah) scrive e dirige un dinamico remake, in stile Hitchcock, del recente film francese Pour elle. L’angosciante thriller è raccontato dal punto di vista di Josh, ragazzo normale, non particolarmente dotato, il quale -convinto dell'innocenza della moglie- intraprende ogni tipo di azione rischiosa pur di ridarle la libertà. La motivazione di fondo, naturalmente, è l'amore. Egli non dubita della moglie, mentre lo spettatore ha certamente qualche difficoltà in più, dati gli indizi.

Haggis prolunga troppo la trama relativa al piano dettagliato di fuga, ma lo fa per dar credibilità a ciò che racconta: si tratta di indicare -allo spettatore- gli ostacoli che deve affrontare Josh, ben interpretato da Russell Crowe. È possibile che in questa "ossessione" eccessiva per chiarire a fondo ogni particolare, il regista si riferiva a Giustizia privata, film dell’anno scorso: simile, per la tematica, ma meno credibile. Così, quando si arriva all'ultimo terzo del film, la fuga pura e semplice, si finisce per accettare i trucchi e le sorprese destinate a depistare gli inseguitori. José María Aresté. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, X (ACEPRENSA)

In un mondo migliore

2011-04-13T11:51:00.002+02:00

9/4/2011. Regista: Susanne Bier. Sceneggiatura: Anders Thomas Jensen. Interpreti: Mikael Persbrandt, Trine Dyrholm, Ulrich Thomsen, Markus Rygaard, William Jøhnk Nielsen. 113 min. Dinamarca, Svezia. 2010. Giovani-adulti. (VSD)

Sponsorizzata da Lars Von Trier e la sua Zentropa Films, produttrice dei suoi cinque film, la regista danese Susanne Bier è diventata una delle voci più potenti e profonde del cinema contemporaneo. Ha esordito con due film notevoli: Open Hearts (2002) e Non desiderare la donna d’altri (2004), oggetto di recente remake, diretto da Jim Sheridan. La Bier ha consolidato poi la propria fama con due capolavori: Dopo il matrimonio (2006), nomination -per l'Oscar 2006- al miglior film straniero, e Noi due sconosciuti (2007), primo lavoro in America (prodotto da Sam Mendes). In tutti i film, la regista danese affronta -con forza inusuale e profondità- argomenti di ampio respiro, quali: l'unità della famiglia, il senso della sofferenza, il valore della carità, la sfida della libertà, la lotta della ragione per dominare gli istinti, l'aiuto della Provvidenza ...

In un mondo migliore, Oscar 2011 al miglior film straniero, approfondisce ulteriormente questi temi, nell'affrontare le radici della violenza presente oggi nel mondo, nonché la crescente difficoltà di far prevalere una cultura di pace e di amore. Anton è un medico, che divide il proprio tempo tra una città idilliaca danese e un campo profughi miserabili in Africa. Anton e la moglie Marianne hanno due figli, vivono separati da un po’ di tempo e stanno prendendo in considerazione il divorzio, anche se a nessuno dei due piace l'idea. Il figlio maggiore, Elias, un gentile bambino di dieci anni, soffre di continue vessazioni da parte di certi crudeli compagni di classe. Finché un giorno, un nuovo studente, Christian, lo difende con la forza.

Come in tutti i film di Bier, anche In un mondo migliore ci si muove sempre sul filo del rasoio, rischiando di cadere o nell'esagerazione melodrammatica o nel ridicolo. Ma, alla fine, gli sforzi dell'aggressivo coetaneo Christian e del pacifico adulto Anton, per controllare gli istinti e uscire dall'inferno della propria fragilità, riempiono il filmato di un'umanità straordinaria e toccante. Raggiungono inoltre la fibra interiore -ma in misura minore- della perplessità morale del padre di Christian, incapace di capirlo e aiutarlo, e di Marianne, il cui incrollabile amor proprio si mette di traverso con il marito, sulla via della riconciliazione. La soluzione arriva dall’innocente e indifeso Elias, la cui bontà finisce per conquistare il cuore di tutti i personaggi.

Bier articola tali idee con profondità, attraverso una messa in scena piuttosto iperrealista, ma ben strutturata e addolcita da un sapiente uso simbolico dei diversi ambienti dove scorre l'azione: gelido, per i nordici; straordinariamente vivace presso gli africani. Ed in ogni caso, la realizzazione del film stesso si pone al servizio di attori sensazionali, sia bambini che adulti, capaci di offrire ai rispettivi personaggi una verità e un'emotività struggente. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani-adulti. Contenuti: V, S, D (ACEPRENSA)

Gnomeo&Giulietta

2011-04-13T11:45:00.001+02:00

9/4/2011. Regista: Kelly Asbury. Sceneggiatura: Andy Riley, Kevin Cecil, Mark Burton, Kathy Greenberg, Steve Hamilton, Shaw e Kelly Asbury, Rob Sprackling, John Smith. Colonna Sonora: Chris Bacon, James Newton Howard, Elton John. Animazione. 86 min. GB, USA. 2011. Tutti.

A Stratford-upon-Avon -dove se no?- una proprietà, con casa e giardino, è stata divisa in due ed è occupata da due famiglie che non vanno molto d'accordo tra loro. Da un lato, l'arredamento e i nani del giardino sono blu, dall'altro rossi. E gli gnomi, che si animano solo quando gli esseri umani non stanno a guardare, mantengono viva la rivalità, disputandosi il territorio e gli utensili. Naturalmente, Gnomeo, leader dei blu, conoscerà e s’innamorerà di Giulietta, figlia del leader dei rossi, in un amore chiaramente impossibile...

Romeo e Giulietta di Shakespeare può servire a diversi usi: di solito, tutti ricordano West Side Story o la versione interpretata da Di Caprio. Questa volta la vicenda si propone come storia di fantasia per bambini, in formato digitale. L'adattamento, piuttosto divertente, lo si deve alla mano di Kelly Asbury, già dietro a Shrek 2, che ha fatto un buon film d'animazione, senza voler misurarsi con i colossi della Pixar e della Disney. Personaggi molto divertenti, ritmo serrato, una colonna sonora di ottimo livello e molte, molte battute che divertono tutti. Soprattutto quanti conoscono e amano Shakespeare. Divertente, senza pretese. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Kick-Ass

2011-04-13T11:40:00.001+02:00

9/4/2011. Regista: Matthew Vaughn. Sceneggiatura: Jane Goldman, Matthew Vaughn. Interpreti: Aaron Johnson, Garrett M. Brown, Clark Duke, Evan Peters, Deborah Twiss. 117 min. GB, USA. 2010. Adulti. (VXD)

Matthew Vaughn (Londra, 1971), al suo terzo film, torna al tono crudo e decisamente violento dell'esordio: The Pusher. Vaughn, che ha cominciato da produttore dei film di Guy Ritchie, come Lock & Stock e Snatch: lo strappo, adatta un fumetto scritto da Mark Millar e John Romita Jr., due autori capaci di imbrattare l'universo Marvel con un assortimento di sesso, violenza e dialoghi da bassofondo.

Ciò che può sembrare, inizialmente, una chiassosa e oscena critica al genere di film dedicato ai super-eroi, cui è sensibile il cinema attuale, è un'ulteriore prova di depravazione. La protagonista è una ragazza di 11 anni che uccide la gente e vomita scurrilità, tirata su da un padre a sua volta tarato. Una macedonia di carenza di intelligenza, un film per adolescenti pervertiti, che include il peggio dei film di Tarantino e dei fumetti deliranti di cultura underground. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, X, D (ACEPRENSA)

I ragazzi stanno bene

2011-04-13T11:34:00.001+02:00

9/4/2011. Regista: Lisa Cholodenko . Sceneggiatura: Lisa Cholodenko, Stuart Blumberg. Interpreti: Annette Bening, Julianne Moore, Mia Wasikowska, Mark Ruffalo, Josh Hutcherson.104 min. USA. 2010. Adulti. (XD)

Ci sono momenti in cui non riesco a giudicare credibile quello che stanno cercando di raccontarmi. Come puntualmente mi è accaduto con I ragazzi stanno bene: un film impresentabile, a prescindere dal fatto che non si distingua per qualcosa di speciale, né per il montaggio, né per la colonna sonora o per il ritmo. Ha due grandi attrici, sì, ma anche loro incapaci di reggere un film che non si allontana molto da uno spettacolo di tv-movie di una certa consistenza. Ed anche se sono due grandi interpreti, non riescono a far credere di costituire una stabile e felice matrimonio lesbico. Né la loro radicalità e mancanza di inibizione nel trattamento del sesso, né il buonismo del donatore di seme (per la fecondazione), e la sua rapida integrazione in famiglia, con accettazione immediata da parte dei figli adolescenti, favoriscono l'idea che questo sia un modello di famiglia normale: è così essemplare, da risultare semplicemente irreale.

Ma il grado di incredulità infrange ogni limite, quando un impossibile affare di donne, si conclude con un discorso che inneggia alla fedeltà coniugale: siamo tutte brave persone e qui non è successo niente di sconveniente. Perfino se, invece di una coppia di lesbiche, gli interpreti fossero un uomo e una donna, risulterebbe una storia ancora zeppa di luoghi comuni.

Leggo che la californiana Linda Cholodenko, che ha diretto il film, è lesbica e madre, per inseminazione artificiale. Da cui deduco la finalità didattica della sua comunicazione cinematografica e l'impegno ideologico di gran parte dei dialoghi. In realtà, ho capito quasi tutto, tranne una cosa: la nomination agli Oscar. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

2011-03-28T11:57:00.001+02:00

RANGO

26/3/2011. Regista: Gore Verbinski. Sceneggiatura: John Logan. Voci originali: Johnny Depp, Timothy Olyphant, Isla Fisher, Abigail Breslin, Bill Nighy. 107 min. USA. 2011. Tutti-Giovani

Un camaleonte in cattività scappa dalla triste realtà: un terrario, dove l'unica compagnia è una bambola Barbie rotta-immaginandosi film di cui diventare il protagonista. Il destino lo porterà presso una triste popolazione del wild west chiamata Dirt (sporcizia), che sta morendo di sete. Ed è laggiù, che potrà apparire proprio come il desiderato eroe di un film, che arriva in città appena in tempo per salvare la comunità da un gruppo di malvagi banditi.

Al suo primo film d'animazione, Verbinski offre un divertente e originale omaggio al western, con l'aiuto di Johnny Depp. Il camaleonte Rango è stato progettato ad immagine dell'attore, che ha messo la voce e l'anima. La miscela west-Depp ci offre una commedia pazza, intelligente: una dichiarazione d'amore per il genere western. Infatti, nonostante lo strano aspetto, Rango è un western crepuscolare che attinge a fonti classiche nelle trame, nei personaggi e nei conflitti: il bullo, il vigliacco, gli ultimi eroi, la ricerca di un'identità, lo sfruttatore, il duello, i grandi inseguimenti, la storia sentimentale e lo spirito del West. La fotografia è realistica e spettacolare, e l'allusione a Clint Eastwood è riuscita e divertente, come pure quelle numerose a Sergio Leone, talune a Cat Ballou, ed anche a molti altri classici.

Ma Rango è troppo lungo e presenta qualche caduta di ritmo, compensata da buoni dialoghi e personaggi straordinari. Rimane da sapere a quale pubblico intende rivolgersi la pellicola. Adatta a bambini pre-adolescenti, ma idonea -in fondo- solo agli amanti del western, genere di cui spesso i giovani sanno ben poco. Un buon film, che deve però ancora trovare un suo pubblico. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti-Giovani. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

The fighter

2011-03-28T11:01:00.001+02:00

26/3/2011. Regista: David O. Russell. Sceneggiatura: Paul Tamasy, Eric Johnson, Keith Dorrington, Scott Silver. Interpreti: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Mickey O’Keefe, Jack McGee. 114 min. USA. 2010. Giovani. (VXD)

Micky Ward è un pugile di origine irlandese, allenato dal fratello Dicky Eklund, un tempo campione di belle speranze ed ora succube della droga: del crack. Funge da manager la madre, Alice. In breve, la carriera di Micky è un affare di famiglia. Impostata così, potrebbe avere tanto poco futuro come Dicky. L'unica soluzione, caldeggiata dalla fidanzata Charlene, è proprio quella di staccarsi dal clan familiare: davvero dura!

Film potente, basato su una storia reale, con eccellente impiego di elementi classici, tipici del dramma sportivo del pugilato. Ha avuto 7 nomination agli Oscar, ivi quella dedicata al miglior film. Lo sport dei cazzotti ha sempre fornito l'opportunità di girare ottimi film, perché si presta anche ad affrontare grandi questioni, del tipo: come superare la bassa estrazione sociale di provenienza -la famiglia di Micky vive in un quartiere della classe operaia di Lowell (Massachusetts)-, trovare lo staff adeguato -allenatore e manager-, contare sul supporto necessario -qui si mostra la tensione del protagonista, preso tra due fuochi familiari-, non intimorirsi davanti gli avversari. E cosa non da poco: aver voglia di vincere.

Colpisce davvero la forza del testo, che usa -da asse portante della prima metà del film- le riprese di un documentario su Dicky Eklund. Questa trovata -ed i conflitti familiari annessi- conferiscono forte profondità alla trama realistica. Le cose che contano non sono gli incontri di boxe, anche se hanno un loro valore, ma soprattutto il climax.
David O. Russell (Three Kings), si dimostra un grande regista. Ci sono passaggi ad elevato impatto visivo, come quello in cui i fratelli lavorano sull'asfalto di una strada del quartiere, in cui si situa molto bene l'ambiente narrativo. E non servono grandi discorsi, basta l'immagine stessa per vedere come la fede sostenga i fratelli nelle più complicate situazioni. Gli attori, molto ben diretti, forniscono notevoli recitazioni. Da Mark Wahlberg -anche produttore- che interpreta il protagonista al bivio, al sorprendente Christian Bale -pelle ed ossa, ricorda Daniel Day-Lewis-, o alle splendide Amy Adams e Melissa Leo, rispettivamente nelle parti di fidanzata e madre di Micky. José María Aresté. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, X, D (ACEPRENSA)

Non lasciarmi

2011-03-28T10:54:00.003+02:00

26/3/2011. Regista: Mark Romanek. Sceneggiatura: Alex Garland. Interpreti: Carey Mulligan, Andrew Garfield, Keira Knightley, Charlotte Rampling, Sally Hawkins. 103 min. Adulti. GB, USA. 2010. (X)

A differenza del romanzo di Kazuo Ishiguro, cui s’ispira, Non lasciarmi offre la sua chiave interpretativa fin dalla prima scena. Kathy (Carey Mulligan, An Education), la protagonista, rivela chi e che tipo di persona sia, ma lo fa in un modo così indirettamente accennato, che quasi lo si dimentica quando inizia il lungo flash-back, dove la propria storia si intreccia a quella di due amici: Tommy e Ruth. Sono cresciuti insieme a Hailsham, un convitto per bambini molto speciali. Tutto sembra idilliaco, ma compare sempre un elemento stonato, qualcosa di inquietante. Un giorno, un insegnante non potendone più, dice loro la verità: voi siete allevati come donatori di organi, siete stati creati per donare i vostri organi ad altri. Essi accettano il loro destino, anche se vorrebbero un po' di tempo: almeno, per amare.

Mark Romanek ha fatto un eccellente film, all'altezza di un grande romanzo, che sfoggia una sceneggiatura intelligente, una fotografia perfetta, una recitazione di lusso: è una opera toccante, ma deprimente. Penso che Romanek ha catturato l'essenza di Ishiguro: rivelare poco, rendendo lo spettatore/lettore un osservatore attento, capace di trarre conclusioni decisive, a partire dai dettagli, seguendo particolarmente il filo dell’amore. La storia è semplice: tre amici crescono insieme, Tom e Kathy s’innamorano, ma Ruth non sembra propensa a reggere il moccolo... Queste sono le loro vere preoccupazioni, non la precoce morte annunciata. In questa storia tutti noi vediamo ciò che la società rifiuta di vedere: Tom, Kathy e Ruth sono esseri umani, non solo portatori di organi che i medici prelevano, quando ne ha bisogno un paziente.

Non vi è fantascienza, anche se il film si collega decisamente allo straordinario romanzo futuristico Clones, di Michael Marshall Smith. Si tratta di umanità e di una società dove trionfa l'utilitarismo; si tratta di empatia e amore, e alla fine rimane un senso di pena infinita: di aver visto qualcosa di molto bello, ma che lascia davvero molto tristi. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X (ACEPRENSA)

127 ore

2011-03-28T10:50:00.002+02:00

26/3/2011. Regista Danny Boyle. Sceneggiatura: Danny Boyle, Simon Beaufoy. Interpreti: James Franco, Lizzy Caplan, Kate Mara. 94 min. USA, GB. 2010. Giovani. (VD)

Aron Ralston ama gli sport estremi. Senza mai rivelare a nessuno dove vada, si reca sugli abissi dei grandi cañon dello Utah, un paesaggio roccioso incredibile. Lì si diverte un mondo, finché un passo falso lo fa cadere in un burrone. Il braccio è bloccato da una roccia così pesante, che appare impossibile spostare. Aron trascorre le 127 ore che danno il titolo al film, lottando per sopravvivere e sperimentando un particolare esame di coscienza sui propri 25 anni di esistenza

Il britannico Danny Boyle si ripete, avvalendosi dello sceneggiatore Simon Beaufoy, che ha conseguito l'Oscar per The Millionaire. Adattano insieme l'autobiografia dello stesso Aron Ralston, dove si raccontano le di lui peripezie. Ed offre una storia di sopravvivenza, la cui chiave di lettura è il ricordo dell'amore dei suoi cari, con un marcato senso della provvidenza sullo sfondo, tema già presente in The Millionaire e soprattutto in Millions. Anche se il film dura relativamente poco, la sfida principale che deve affrontare Boyle è quello di mantenere vivo l'interesse in una mono- situazione, un schema simile a Buried-Sepolto. Certamente, il film diventa un po' ripetitivo e può stancare, ma il regista dimostra carattere con la cinepresa e le inquadrature, ricorrendo all'uso della camera amatoriale di Aron, dando vita alle scene oniriche e alla visione da verme sul fondo dell'abisso. Anche la colonna sonora di un altro membro del team The Millionaire, A.H. Rahman, gioca il suo ruolo.
La recitazione di James Franco è degna di nota, perché sostiene l'intero peso del film. Gli altri, solo comparse. Molto dura l'ambientazione, affrontata in modo iperrealistico. José María Aresté. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, D (ACEPRENSA)

There Be Dragons

2011-02-25T11:44:00.002+01:00

26/2/2011. Regista: Roland Joffé. Sceneggiatura: Roland Joffé. Interpreti: Charlie Cox, Wes Bentley, Olga Kurylenko, Rodrigo Santoro, Ana Torrent, Unax Ugalde, Geraldine Chaplin, Derek Jacobi. 105 min. USA, Argentina. 2010. Giovani. (V)

Josemaría e Manolo. Amici d'infanzia. La vita li unisce e li divide, in una Spagna che sprofonda gradualmente verso la guerra civile. Entrambi condividono il dolore causato da quella tragica situazione esistenziale, ma vi reagiscono in modo diverso. "Siamo nati soli e moriremo soli", dice Manolo, con tragico stoicismo. "Non ho avuto bisogno di imparare a perdonare, perché Dio mi ha insegnato ad amare" dirà, anni dopo, il sacerdote Josemaría Escrivá, fondatore dell'Opus Dei.

È facile e difficile scrivere di questo film, diretto dal regista di Mission e Urla del silenzio. Facile, perché non è necessario ricorrere a complessi argomenti per concludere che Joffé ha realizzato un film eccellente, forse il migliore della carriera. Il titolo There Be Dragons sintetizza bene una storia emozionante, di amore e disamore, un viaggio in cui ci sono draghi -i demoni interiori- che escono contro uomini e donne, alla ricerca di un significato e di speranza, in un mondo sconosciuto, selvaggio e inospitale.

Joffé mostra che, quando l'amore se ne va, lascia un vuoto che può riempirsi di contenuti molto spiacevoli. La sua storia, costruita in modo molto intelligente, si avvicina ad un mistero che, come spettatori e come persone -religiose o meno- sempre ci appassiona: perché l'amore è così potente, perché finisce sempre per affiorare in superficie, come sughero inaffondabile?

Alla qualità di uno spettacolare disegno di produzione (dietro le quinte ci sono tre vincitori di premi Oscar, che ricreano un arco storico-temporale di ottant'anni, contando su un budget di 26 milioni di euro), all'attraente narrativa del film (fotografia e montaggio sono molto buoni), si unisce un cast in cui ogni attore fa il suo lavoro in modo splendido, forse perché Joffé da sempre sa dirigere magnificamente il proprio cast, grazie al suo passato teatrale. Cox e Bentley sono semplicemente straordinari.

La sceneggiatura originale di Joffé rivela una densa complessità narrativa, da un'audace prospettiva, nonché un ritmo narrativo in due tempi che fluisce armoniosamente, alle volte travolgente come un torrente di montagna, altre con placida calma. E sempre con molta acqua, molta storia da raccontare, conflitti che mettono lo spettatore in situazioni universali, in quanto essenziali. Tra le mani di un altro regista meno esperto sarebbe stato facile incorrere in vari luoghi comuni, o perdersi in una lezione di storia locale, molto terra-terra, per di più su di un terreno ampiamente battuto sia dal cinema spagnolo, che da molti film statunitensi.

Dicevo che è facile scrivere che There Be Dragons è un grande film, drammatico, divertente e intenso. Ma che impresa, raccontare una storia simile, nel modo in cui lo ha fatto Joffé! Non ci dà una prospettiva qualunque, non si limita a sfiorare questioni di grande impatto, ed al contempo neanche vi si intrattiene oltre il lecito, né cerca di spiegare una guerra civile che è sempre una sconfitta per ogni cittadino. Il film mostra anzi come, da quella tragica vicenda, alcuni abbiano saputo tirar fuori il meglio di sé, altri siano rimasti aggrappati al loro odio preconcetto e molti -di entrambi le fazioni- abbiano profittato dei momenti loro favorevoli, per una spietata resa dei conti, pianificata in modo miserabile e con atteggiamento meschino.

Joffé e il suo cast -perché il cinema è un lavoro di squadra, nel bene e nel male- hanno confezionato un gran film, commovente e passionale, destinato a un vasto pubblico (sarà distribuito in tutto il mondo, in particolare sul mercato USA). Una storia imparziale, girata da un regista inglese di origine ebraica, di sinistra e agnostico, che ti regala qualcosa di inatteso. Ancora più sorprendente risulterà agli spagnoli stessi, così inclini agli estremi: al rosso o al nero. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

Il grinta - La vendetta

2011-02-25T11:39:00.001+01:00

26/2/2011. Regista: Ethan Coen, Joel Coen. Sceneggiatura: Joel e Ethan Coen. Interpreti: Jeff Bridges, Matt Damon, Hallie Steinfled, Josh Brolin, Barry Pepper. 110 min. USA. 2010. Giovani. (V)

È bello ritrovarsi di fronte ad un buon western. So che non scrivo nulla di originale, ma -come sottolineato da molti esperti di storia del cinema- il western di qualità riassume spesso l'essenza del cinema, come racconto audiovisivo. "Nulla è più cinematografico di un cavallo al galoppo", disse Ford, forse il più grande regista della storia. Basta rivedersi Ombre rosse, per rendersi conto della verità di simile affermazione.

I Coen, dopo essere incappati in alcuni film meno riusciti, girano stavolta una bella storia, che evoca una visione del west tra nostalgia e delusione, ma priva di cinismo. La realizzazione è splendida, grazie ad una colonna sonora davvero riuscita, di Carter Burwell, e ad un cast di prima classe. È vero che, già nel 1969, Hathaway traspose in linguaggio cinematografico il romanzo di Charles Portis, e lo fece molto bene, con una colonna sonora, altrettanto indimenticabile, di Elmer Bernstein e un magistrale John Wayne, che vinse un Oscar un po’ tardivo, perché già meritato almeno in sei o sette film precedenti. Ma, fino a prova contraria, non è vietato fornire altre versioni eccellenti di una stessa storia, come dimostra lo splendido remake realizzato da James Mangold del celebre Quel treno per Yuma.

I Coen hanno letto questa storia con desiderio di fedeltà allo spirito dell’originale letterario, che precorre l’opera di Cormac McCarthy. Adottano il punto di vista di Mattie Ross, vigorosa e tenace ragazza di 13 anni, che si rifiuta di lasciare impunito l'assassinio del padre, “perché l'unica cosa che viene fornita gratuitamente in questa vita è la grazia di Dio”. Il ritratto del mondo duro e brutale, semplice e onesto, che Mattie ci presenta, è reso in modo intelligente: virtù e vizi ritratti corrispondono alla realtà. I Coen si trovano più vicini all'amaro Gli spietati di C. Eastwood che al tragico e lirico Ford de L'uomo che uccise Liberty Valance o di Sentieri selvaggi. La quattordicenne Hallie Steinfeld è magnifica e, pur da esordiente, recita stupendamente a fianco degli splendidi Bridges e Damon. Un film straordinario e, in diversi momenti, eccezionale. Si rivela il più alto incasso dei fratelli Coen. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

Hereafter

2011-02-25T11:02:00.002+01:00

26/2/2011. Regista: Clint Eastwood. Sceneggiatura: Peter Morgan. Interpreti: Matt Damon, Cécile De France, Bryce Dallas Howard, Frankie McLaren, Marthe Keller. 129 min. USA. 2010. Giovani.

Assecondando il trend verso la speranza dei film più recenti, come Changeling, Gran Torino e Invictus, l'ottuagenario Clint Eastwood affronta, in questo nuovo lavoro, altri due grandi temi esistenziali: la morte e l'aldilà. E lo fa partendo da una sceneggiatura di Peter Morgan (The Queen, Frost/Nixon-Il duello, The Damned United), ispirata alle esperienze reali di persone che, trovatesi ad un passo dalla morte, sostengono di aver intravisto qualcosa dall'altro lato del tunnel della vita.

È il caso di Marie, prestigiosa giornalista e scrittrice francese che, dopo aver subito un'esperienza traumatica durante lo tsunami del 2004, nell'Oceano Indiano, ha dedicato il suo nuovo libro alla vita oltre la morte. In quest'opera, appare George, che ha il dono -o la maledizione- di essere in grado di contattare i cari estinti di quanti si rivolgono a lui, dopo avergli toccato le mani. Per anni, George e il fratello hanno sfruttato economicamente questo carisma. Ma ecco che George si rifiuta di continuare ad esercitarlo, e si mette lavorare -da manovale- al porto di San Francisco. Tramite Internet, viene a sapere di lui Marcus, ragazzo londinese -figlio di madre alcolizzata-, che desidera ardentemente “contattare” il suo gemello Jason, morto in circostanze tragiche. Le vite tormentate dei tre si avvicineranno gradualmente sempre più.

La prima cosa che sorprende di Hereafter è il nuovo cambiamento di tono e di stile adottato dal camaleontico Clint Eastwood. Il film inizia con una lunga e impressionante ricostruzione del maremoto nel Sud-est asiatico, superbamente girata in primo piano, di enorme impatto drammatico, seppure con effetti digitali che potevano essere più curati. Comunque, l'attore e regista californiano adotta un naturalismo sereno e trascendente -tanto per definirlo in qualche modo-, simile ad altri film contemporanei di genere esistenziale, come Grand Canyon, Tredici variazioni sul tema o Crash; lontano, invece, dalle dense tensioni iperrealiste di Mystic River o Million Dollar Baby. In questo naturalismo, recitano a proprio agio, calati in personaggi rifiniti con somma cura, tutti gli attori.

Eastwood dispiega qui le personali riflessioni sulla vita, la sofferenza, la morte e l'aldilà, sempre in modo molto meticoloso, tranne che nell'ultimo tema, dove fa ricorso ad una chiave di lettura New Age ed eclettica, invece che strettamente cristiana, aprendo ad un certo spiritismo. Forse questo approccio un po' sfuocato riflette i dubbi reali di Peter Morgan e Clint Eastwood. In ogni caso, si apprezza l'onestà e l'eleganza dello sguardo di entrambi -sempre senza enfasi ideologiche-, le loro indovinate critiche al materialismo edonista e alle frodi esoteriche, nonché l'apertura al trascendente attraverso il destino o la provvidenza -vero motore della trama- e del valore della redenzione personale. Resta la convinzione, che c'è qualcosa che va oltre la nostra esistenza terrena. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: ----- (ACEPRENSA)

Il cigno nero - Black Swan

2011-02-25T10:57:00.001+01:00

26/2/2011. Regista: Darren Aronofsky. Sceneggiatura: Mark Heyman, Andres Heinz, John McLaughlin. Interpreti: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey, Winona Ryder. 110 min. USA. 2010. Adulti. (XV)

Nina è una giovane ballerina, combattiva, perfezionista, ma fragile, molto fragile. La sua tecnica è perfetta. Le manca però carisma e passione; appare ancora troppo rigida. Il contrario della sensuale ed esplosiva Lily. Nina è il cigno bianco, Lily il nero. Il direttore della compagnia cercherà di cambiar colore alle piume di Nina, spingendola, tra le altre cose, ad esplorare la propria sessualità.

Come di consueto, nella filmografia di Aronosfky, il film combina un'estetica soggiogante ad un tono opprimente e morboso, quasi malsano e malaticcio: quello che respira la protagonista. Il brillante e suggestivo involucro della danza serve al regista americano per rendere più evidente lo smembramento di un giocattolo rotto, diretto alla totale auto-distruzione.

Il film, comunque, non sa mantenere le promesse e, in questo senso, il finale rivela che -dopo il momento clou della svolta, del cambio di registro, del proprio indugiare nell’onirico in toni tanto inquietanti-, ci si trova davanti alla stessa solfa di tanti dozzinali film-tv, che passano sul piccolo schermo senza lasciar traccia.

Nonostante i premi e la copertura mediatica del film, si ha l'impressione che non sia certo un grande film. Senza l'interpretazione di Natalie Portman (estenuata, oltre ogni limite, da ore di balletto e da una dieta molto severa), la ricercata polemica dovuta ad una scena di sesso violento tra donne, nonché la fama di enfant terrible di Aronofsky, è un film per cui non varrebbe la pena nemmeno di esprimere un commento. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X, V (ACEPRENSA)

Rapunzel. L'intreccio della torre

2011-01-21T12:32:00.002+01:00

22/1/2011. Regista: Nathan Greno, Byron Howard. Sceneggiatura: Dan Fogelman. Animazione. 92 min. USA. 2010. Tutti.

Nel campo dell'animazione digitale, con alcune eccezioni -come l'umorismo sfoggiato nel film L’era glaciale-, il modello stabilito dalla Pixar restava quello contrassegnato dai suoi sognanti personaggi contemporanei, dalle curatissime sceneggiature progettate per bambini e adulti, con elementi parodistici e numerose allusioni ad altri film, ecc. E in questa linea si collocava ancora Bolt, l’eccellente film di Disney, realizzato quando John Lasseter aveva preso il controllo dell'ambito creativo della compagnia di Topolino. Il co-direttore di quel film, Byron Howard, e uno degli animatori, Nathan Greno, sono ora i responsabili dell'ultima realizzazione: Rapunzel. L’intreccio della torre, un film che prende invece una strada completamente diversa, perché ripropone gli schemi dei classici di casa Disney, sfruttando le possibilità aperte dall'animazione digitale.

Flynn Ryder, un briccone, è ricercato dalla legge per aver rubato una corona. Finisce per rifugiarsi nella torre in cui vive Rapunzel, giovane principessa dalla lunga chioma, rapita ancora in fasce dalla vecchia Gothel, perché i suoi capelli hanno poteri magici e le restituiscono la giovinezza. Rapunzel ignora la propria origine e pensa che Gothel sia sua madre. Una madre, però, che non le permette di lasciare la torre. Questo acuisce il desiderio della ragazza di vedere il mondo esterno, così chiede al nuovo arrivato, Ryder, di accompagnarla nella grande città, per assistere da vicino al lancio di palloncini aerostatici che ogni anno appaiono in cielo, stranamente in occasione del suo compleanno.

Come i grandi successi di Walt Disney Biancaneve e i Sette Nani, Cenerentola, La Bella Addormentata o La Sirenetta, questo è un racconto romantico di principesse, sulla falsariga di un classico racconto, in questo caso dei fratelli Grimm, con canzoni sullo stile dei musical di Londra o New York, personaggi secondari molto divertenti, ed altro ancora.

La decisione di seguire questa strada è risultata abbastanza incoraggiante, tanto è vero che gli ispirati creatori, tra cui il leggendario compositore Alan Menken, sono riusciti a realizzare il successo più rilevante, dai tempi di La Bella e la Bestia e di Re Leone. L'animazione è di prim'ordine, tanto fantasiosa, come tecnicamente brillante. Richiamano l'attenzione alcuni dettagli, come i capelli di Rapunzel, che riescono a rendere i servizi più impensati. La storia è ricca di ritmo e di colpi di scena.

Il pezzo forte è dato da una sceneggiatura molto curata, che a volte ricorda alcune classiche rappresentazioni di simpatiche canaglie finite per entrare nella vita di una principessa (Vacanze romane) o di un'ereditiera (Accadde una notte). È soprattutto l'iniziazione alla vita della protagonista, entusiasta di esplorare il mondo esterno e di scoprire l'amore. Vengono fuori anche molte questioni lasciate in seconda linea, come la necessità di perseguire i nostri sogni, il sacrificio per l'amato, e altre ancora. Ivi inclusa, la critica all'ossessione per la bellezza di un'eterna gioventù, personificata in Gothel, creatura malvagia, pronta a tutto pur di rimanere per sempre giovane, così che sembra ispirarsi a Cher e alle sue famose operazioni di chirurgia estetica.

La vita della protagonista, un'idealista piuttosto ingenua ma non certo stupida, si evolve durante il film, risultando davvero ben realizzata, mentre Flynn Ryder, ladruncolo trasformato in eroe -con il suo tocco un po' “canagliesco”-, permette di assumere che il suo nome faccia riferimento all’attore Errol Flynn. È anche descritto con grande realismo il personaggio di Gothel che, dal punto di vista di Rapunzel, è una madre amorevole, ma iper-protettiva. Sono anche notevoli i ruoli secondari, tra cui quello di un cavallo che rivela un grande senso della giustizia, un camaleonte che cambia colore, e un folto gruppo di tipi duri, da taverna.

L'intensità drammatica va crescendo fino ad un intenso finale, che evoca le grande storie romantiche, soprattutto (anche se solo per certi versi) Romeo e Giulietta di William Shakespeare. Per una volta, il fatto che il film sia in 3D ottiene un grande risultato, nel momento più romantico, quando sentiamo il Duetto della colonna sonora, alla luce di un lampione che aiuta a rafforzare l'emozione di un istante davvero magico. Decine21

Pubblico: Tutti. Contenuti: Azione 2, Amore 3, Lacrime 2, Risate 1, Sesso 0, Violenza 0 [da 0 a 4] (Decine21)

Il discorso del re

2011-01-21T12:28:00.001+01:00

22/1/2011. Regista: Tom Hooper. Sceneggiatura: David Seidler. Interpreti: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Guy Pearce, Timothy Spall. 118 min. Gran Bretagna, Australia. 2010. Giovani. Uscita: 28 gennaio.

Dopo la morte del padre, re Giorgio V, e dopo la scandalosa abdicazione del fratello, Edoardo VII, sale al trono Giorgio VI. Alla vigilia di una nuova guerra mondiale, il re dovrà governare pur essendo afflitto da una balbuzie angosciante, che si trascina dall'infanzia, impedendogli di parlare in pubblico.

Nel precedente film, il notevole The Damned Unitedd, il britannico Tom Hooper ha dimostrato di saper esaltare le relazioni di amicizia, così che -da un semplice aneddoto- riesce a costruire un buon film che -già vincitore del Toronto Film Festival- resta ora uno dei favoriti agli Oscar. Tuttavia l'inizio sembra poco promettente, dal momento che prende spunto dal prosaico rapporto tra un balbuziente ed il proprio logopedista. Che il balbuziente sia poi un re e il logopedista un professionista molto determinato a utilizzare metodi poco ortodossi, aggiunge qualche interesse... che sembrerebbe però insufficiente a far decollare il film. Tuttavia, Hooper riesce a costruirvi poi una commovente storia di amicizia, nonché un'interessante riflessione sulla responsabilità morale dei governanti. È difficile incasellare in un determinato genere, questo film potente, che inizia quasi come melodramma, quasi intimista, per poi trasformarsi in un'opera capace di riassumere il meglio del film storico e politico.

La sceneggiatura, impeccabile, dimostra un profondo lavoro di ricostruzione storica e di ricerca: sociologica, filosofica, etica e religiosa. Il cast abbonda di talento, ma Colin Firth ci mette qualcosa in più, del semplice talento. Ci vuole infatti un grande attore, per affrontare con successo il difficile compito di trasformare un balbuziente in eroe. Era molto facile scadere o in un fatalismo ieratico -se il re non avesse dato importanza al suo difetto- o nell’istrionismo esasperato -se davvero ne era angosciato-, come appare dal film.

È difficile mantenere l'equilibrio e costruire non solo un monarca convincente, ma un solido leader politico, per di più in tempi di crisi. In sintesi, la meta ambita da Firth in questo film è estremamente ardua, quasi impossibile da raggiungere... Eppure il regista vi riesce; e non solo, ma anche in modo eccellente. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: ---- (ACEPRENSA)

La versione di Barney

2011-01-21T12:21:00.001+01:00

22/1/2011. Regista: Richard J. Lewis. Sceneggiatura: Michael Konyves, dal romanzo di Mordechai Richler. Interpreti: Paul Giamatti, Rosamund Pike, Rachelle Lefevre, Dustin Hoffman, Minnie Driver, Scott Speedman, Bruce Greenwood,Saul Rubinek, Jake Hoffman. 132 min. Canada, Italia. 2010. Adulti.

Il film ci presenta la vita di Barney Panofsky, produttore televisivo ebreo, figlio di un poliziotto sboccato, che vive a Montreal. Divorziato dall'amore della sua vita, Miriam, cosa che gli produce enorme amarezza, nonché padre di due figli, ricorda come sia arrivato alla sua crisi. Così lo vediamo nella sua scapestrata giovinezza, a Roma, dove conducendo una vita bohemienne, finisce per sposare colei che pensa sia la madre di suo figlio, una donna instabile e poi suicida. Tornato a Montreal, e introdotto nel mondo della televisione, incontra una donna ebrea di buona famiglia, con il quale si risposa. Ma alle nozze subisce un istantaneo colpo di fulmine per Miriam, presente tra gli ospiti, e da quel momento non recede dalla volontà di farla diventare sua moglie, con eccessive attenzioni, come quella di inviarle ogni giorni fiori nell'ufficio di New York, dove lei lavora.

Il regista televisivo Richard J. Lewis ha intrapreso il suo primo lungometraggio, adattando un romanzo di Mordecai Richler, che segue l'itinerario esistenziale di un personaggio, il Barney del titolo: tipo non proprio esemplare, ma almeno con una certezza nella vita: l'amore per la terza moglie, Miriam, che aspira a conservare per sempre. Paul Giamatti impersona, con collaudato talento, il produttore televisivo di una serie mediocre e piccante, egoista e geloso, sinceramente innamorato, ma in grado di rovinare -con i propri difetti- le cose più belle. Alla sua potente interpretazione fanno corona una serie di personaggi secondari, tra cui Dustin Hoffman e suo figlio Jake.

Il film, agrodolce, la cui narrazione scorre bene nonostante la lunghezza, ha il pregio di non pretendere di esaltare il protagonista, ma di limitarsi a tratteggiarne senza fronzoli l'ascesa, con alcune sbandate che includono il suicidio e l’infedeltà, nel capitolo più negativo, ma anche gli insulti e le espressioni offensive, o la mancanza di rispetto. Tuttavia nelle DNA di Barney c’è l’amore, oltre alla terza moglie, al proprio genitore e ai figli, agli amici, e anche all'attrice voluttuosa che apparentemente disprezzava. Ciò non impedisce peraltro al protagonista di recar loro del male, con la propria arroganza ed orgoglio. Decine21.

Pubblico: Adulti. Contenuti: Azione 0, Amore 3, Lacrime 2, Risate 1, Sesso 2, Violenza 0 [da 0 a 4] (Decine21)

Incontrerai l'uomo dei tuoi sogni

2011-01-21T12:16:00.001+01:00

22/1/2011. Regista: Woody Allen. Sceneggiatura: Woody Allen. Interpreti: Josh Brolin, Naomi Watts, Anthony Hopkins, Gemma Jones, Freida Pinto, Antonio Banderas. 98 min. USA. 2010. Adulti. (XD)

Alfie -pensionato quasi settantenne- lascia Helena, la moglie, per Charmaine, prostituta di cattivo gusto, dai capelli tinti. Helena supera il suo dolore andando da una indovina e flirtando con un vedovo. Nel frattempo, la figlia Sally sta pensando se lasciare il marito, Roy, per andarsene con il capo del suo ufficio. Da parte sua, Roy, scrittore mediocre, che è riuscito a pubblicare un solo romanzo, si è innamorato follemente dall'esotica vicina, che spia alla finestra.

Sì, è sempre Woody Allen. Un Allen lontano anni luce dall'originalità di Io e Annie, da Hannah e le sue sorelle, dalla scintilla di Misterioso omicidio a Manhattan, per non dire della riflessione morale di Match Point. Un Allen che continua a parlare, al solito, di amore, sesso, morte e religione. I suoi temi ricorrenti.

Il cinismo di Woody Allen, cresciuto negli anni, è diventato ora denso nichilismo e, a questo punto, il regista americano ha ben poco da dire: “Tra cent’anni non ci saremo, ci sarà una generazione diversa, e tutte le nostre aspirazioni non avranno alcun significato. È tutto chiacchiera e furia; infine, tutto ciò non significa nulla”.

Con un approccio così pessimista, Allen ammette ormai di filmare storie “per distrarmi dai miei pensieri morbosi”. E il film non fa eccezione. è una distrazione di Allen, che ogni volta filma in modo più scombinato, con un mestiere sempre più affinato, con quel copione irregolare che alterna la risposta arguta al taglia-e-incolla da altri film. Resta un magnifico e vario cast di attori, che funziona molto bene, diluendo la noia di vedere un tipico film minore di Woody Allen. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

Le cronache di Narnia - Il viaggio del veliero

2010-12-20T12:50:00.001+01:00

18/12/2010. Regista: Michael Apted. Sceneggiatura: Christopher Markus, Stephen McFeely e Michael Petroni. Interpreti: Georgie Henley, Skandar Keynes, Ben Barnes, Will Poulter, Peter Dinklarge. 115 min. Gran Bretagna. 2010. Tutti.

Mentre continua ad infuriare la seconda guerra mondiale, Edmund e Lucy Pevensie vengono trasportati a Narnia, questa volta insieme all'insopportabile cugino Eustace, che disprezza le fiabe. Una volta nel magico regno, si ritrovano con l'ex Principe Caspian, nel frattempo diventato re. E tutti intraprendono la ricerca delle sette spade dei cavalieri espulsi dall'usurpatore Miraz. Attraverseranno mari inesplorati a bordo del veliero Viaggiatore dell’Alba trovando, nella loro odissea: mercanti di schiavi, sirene, nani, isole incantate, draghi, serpenti di mare e il mitico leone Aslan, che aiuta gli eroici ragazzi nelle loro prove.

Il viaggio del Veliero è il quinto volume di Le Cronache di Narnia, uno dei sette romanzi per giovani che C.S. Lewis pubblicò tra il 1950 e il 1956. Sono state già realizzate sofisticate versioni cinematografiche tratte dal secondo libro, Il leone, la strega e l'armadio, e dal quarto, Il principe Caspian. Questo adattamento è stato prodotto di nuovo dalla Walden Media, ma questa volta associata alla Fox, dopo la rinuncia di Disney.

La natura allegorica che Lewis ha dato alla saga appare ancor più in questo film, che affronta con coraggio la vocazione di ogni personaggio e le tentazioni che devono superare per realizzarla. Sempre con la fede, quale principale arma soprannaturale, e con le virtù umane come contrappeso ai sette peccati capitali, esaminati in modo approfondito durante il film. Così, senza rinunciare all'avventura e alla fantasy, si recupera il tono -più mistico che epico- del primo film della serie, soprattutto nel coinvolgente epilogo.

Questo prezioso approccio è sviluppato con forza dal veterano regista inglese Michael Apted (Amazing Grace), che dosa molto bene luci abbaglianti ed ombre inquietanti, nella naturalistica messa in scena, rafforzata dagli splendidi effetti del 3D stereoscopico. Per questo, può contare su di un eccellente lavoro di ambientazione, sulla fotografia ricca di contrasti di Dante Spinotti e sulla suggestiva partitura di David Arnold. Da parte loro, gli attori sanno estrarre -dai rispettivi personaggi- tutte le ricche sfumature drammatiche, soprattutto il giovanissimo Will Poulter, che riesce ad ottenere una superba caratterizzazione del cugino Eustace, principale contrappunto comico del film. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. (ACEPRENSA)

Harry Potter e i doni della morte - parte I

2010-12-20T12:44:00.001+01:00

18/12/2010. Regista: David Yates. Sceneggiatura: Steve Kloves. Interpreti: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter. 148 min. USA, Gran Bretagna. 2010. Giovani.

La storia di Harry Potter e della sua lotta contro Voldemort ha subito un mutamento di tonalità, a partire dall'episodio dell’Ordine della Fenice: quel film si allontana dalla famosa scuola di magia e si concentra sulla maturazione degli adolescenti. ll male cresce e il mondo diventa più sinistro. La morte, con tutto ciò che implica, irrompe con forza. David Yates, che in quell'occasione era passato a dirigere gli adattamenti cinematografici, al primo tentativo aveva deluso il pubblico dei fans di Harry Potter, esperti del libro. Nel successivo film della saga era già riuscito a migliorare, ma qui si è superato, anche se credo che non sia solo merito suo.

Dopo la morte di Silente, Harry Potter rimane solo ad affrontare Voldemort. Harry deve trovare gli Horcrux, oggetti magici che contengono pezzi di anima di Voldemort, e distruggerli. Harry conterà, come sempre, sull'aiuto di Ron e di Hermione, e di alcune indicazioni lasciate nel testamento da Silente; ma alla fine si troveranno soli contro tutti, riuscendo però a mantenere la speranza, propria di quanti non hanno ancora ceduto al fascino perverso del lato oscuro.

La storia è più noir che mai: comincia come un racconto del terrore, tenendosi distante dalle ingenue fantasie delle prime avventure e seguendo il percorso dell’eroe. Sono in tre ad intraprendere quel cammino iniziatico, seguendo da vicino la narrazione del libro: dettaglio non banale, che fa tributare la gratitudine dei lettori a regista e sceneggiatore. Questa volta non rimarranno delusi, tranne forse i non iniziati. Questi ultimi vedranno troppi personaggi, troppe avventure, cui si contrappongono scarse spiegazioni.

David Yates gira sapientemente, tenendosi alla larga dalla famosa scuola di Hogwarts. Cura la messa in scena, le scenografie, e dirige tutto un vivaio di attori secondari, capaci di conferire un incanto davvero realistico al penultimo episodio della serie. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: ---- (ACEPRENSA)

Megamind

2010-12-20T12:39:00.001+01:00

18/12/2010. Regista: Tom McGrath. Sceneggiatura: Alan J. Schoolcraft, Brent Simons. Animazione. 96 min. USA. 2010. Tutti-giovani

Megamind è nato in un pianeta lontano, distrutto da cause naturali. I genitori lo hanno inserito in un razzo ed inviato sulla Terra. Fin qui ci troviamo su un terreno familiare: è la storia di Superman. Ma durante il viaggio verso la Terra eco che incontra un altro bambino, anche lui posto in salvo su di un razzo. Megamind atterra in un carcere e viene educato da rozzi detenuti; l'altro bambino cadrà in una villa, dove sarà bene educato, diventando Metro Man, l'eroe bello di Metro City. L’intera vita di Megamind sarà una lotta contro Metro Man, che vince sempre. Ma un giorno ...

Il nuovo film della DreamWorks Animation, se tiene alto il marchio di produzione, e infatti risulta ben fatto, tuttavia dà ancora una volta l'impressione di collage di spunti tratti da film già noti, come Superman e Cattivissimo me, dei quali riproduce l'approccio, senza dimenticare alcune specifiche allusioni a Gli Incredibili.

Megamind manca di originalità. E anche di grazia. Cattivissimo me suppliva alla scarsità del testo con battute divertenti e personaggi accattivanti. Invece, la parte centrale di Megamind è una storia seria, che fonda la propria attrattiva su dialoghi brillanti, fuori portata però proprio da quei bambini che invece dovrebbero costituire il target del film. Credo che risulterà deludente e noioso per i più piccini; piacerà di più a partire dei dieci anni, senza mai arrivare ad incantare.

Visivamente è corretto, con una brillante applicazione del 3D. Risulta ben realizzato e dimostra che questo sistema ha un futuro più promettente per l'animazione che non per i film con attori. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti-giovani. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Precious

2010-12-20T12:34:00.001+01:00

18/12/2010. Regista: Lee Daniels. Sceneggiatura: Geoffrey Fletcher. Interpreti: Gabourey Sidibe, Mo’Nique, Paula Patton, Mariah Carey, Lenny Kravitz. 110 min. USA. 2009. Adulti. (VXD)

Premiata a Cannes, Sundance, San Sebastian, Toronto e altri festival, Precious ha ricevuto anche due Oscar, uno alla miglior attrice non protagonista, Mo'Nique, e l'altro per la miglior sceneggiatura non originale. Il film, tratto dal romanzo Push di Sapphire, è diretto dall'afroamericano di Pennsylvania Lee Daniels, che con Precious realizza il suo secondo lavoro, dopo Shadowboxer (1995). Interpretato da Gabourey Sidibe, si avvale di un cast che annovera anche la cantante Mariah Carey.

Il film racconta la vita di Claireece Precious Jones, ragazza di 16 anni, con obesità patologica e dalla vita famigliare infernale. Violentata sistematicamente dal padre e aggredita dalla madre, unica sua motivazione è lo studio. Avvertiti i servizi sociali della sua seconda gravidanza incestuosa, le viene proposto di frequentare un centro di formazione personalizzata per studenti a rischio di esclusione sociale. Qui incontra Miss Rain, che si fa coinvolgere pienamente pur di estrarre Precious fuori dall'abisso in cui vive.

Precious è un film dalle eccellenti trovate, ma resta un po' a metà. Quindi, un po’ deludente. La cosa migliore è che dimostra che è possibile andare avanti, anche nelle circostanze più dure, se qualcuno ti abbraccia e crede in te incondizionatamente. È anche molto positiva la religiosità naturale che rispecchia il film, così profondamente radicata nella cultura afroamericana, basata su frasi del tipo: "tutto è un dono", "Dio fa nuovo ogni giorno", "ogni giorno spero che accadrà qualcosa”…

Ma la soluzione finale che il film riserva alla protagonista non appare convincente, così che la proposta iniziale naufraga nel sempre sgradevole mare del politicamente corretto. In tal senso, la sotto-trama lesbica appare un'artificiosa allusione all’ideologia di genere. Inoltre, anche se il film è girato con forza, la narrazione è confusa e irregolare. Va notato poi, che la pellicola contiene momenti molto duri e sordidi. In breve, avrebbe potuto essere il film dell'anno, ma rimane solo un promettente esercizio stilistico. Juan Orellana. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, X, D (ACEPRENSA)

Gli uomini di Dio

2010-11-19T11:37:00.001+01:00

20/11/2010. Regista: Xavier Beauvois. Sceneggiatura: Etienne Comar, Xavier Beauvois. Interpreti: Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Olivier Rabourdin, Philippe Laudenbach, Jacques Herlin, Loic Pichon. 120 min. Francia. 2010. Giovani.

Nel 1938 viene completata l'erezione del monastero cistercense di Notre-Dame de l'Atlas a Tibhirine nella regione Medea, in Algeria. Da allora i monaci del monastero hanno vissuto pacificamente con la popolazione del villaggio vicino, costituito interamente dai mussulmani, fino al 1996. In quell'anno gli otto monaci che sono presenti nel monastero continuano a vivere in povertà ed in preghiera, al servizio della popolazione ma Ia notizia dell'uccisione di alcuni lavoratori stranieri che operano nella zona da parte di un gruppo di fondamentalisti islamici dà ai monaci la precisa sensazione che la loro vita è in pericolo. Christian, il superiore del monastero propone agli altri monaci di non partire...

È un vero piacere vedere film come questo. Non è tanto interessante il racconto dei fatti realmente accaduti nel 1996 a cui si ispira il film, noti ai più, ma ciò che affascina è il modo con cui il regista è riuscito a scavare nell'intimo di animi nobili come quelli degli otto frati di Tibhirine, uomini semplici abituati a vivere con semplicità, impegnati di colpo a trovare, o meglio a ritrovare il senso più profondo della loro esistenza e, con tutti i timori e le paure di qualsiasi essere umano in simili circostanze, costretti a fronteggiare l'ipotesi concreta del martirio.

Il film inizia con il racconto di come trascorre una giornata ordinaria di questi monaci: all'interno della loro comunità, fatta di momenti di preghiera e di lavoro nei loro campi ma anche quella passata al servizio degli abitanti del paese limitrofo : visite mediche (padre Luc è un dottore), aiuto a chi non sa leggere e scrivere ma anche vendita al mercato del miele da loro stessi prodotto allestendo una bancarella in mezzo a tante altre. I monaci si incontrano periodicamente con i notabili del paese per discutere temi di interesse comune o per partecipare alle ricorrenze del paese; in queste e in altre occasioni il priore non manca di mostrare la sua profonda conoscenza del Corano ricordando la saggezza che traspare da tante sue pagine.

La seconda parte del film inizia con una tragedia (l'uccisione di alcuni lavoratori croati da parte di terroristi islamici ostili al governo) e appare chiaro che gli otto monaci corrono un pericolo reale. Da questo momento il regista inizia ad approfondire la psicologia, i pensieri, i dubbi degli otto uomini. E' la parte più bella del film, dove ci viene mostrato la profondità e al contempo l' altezza a cui l'animo umano può arrivare. Essi ci appaiono fragili e pieni di timori (il più giovane di loro si sente addosso, la paura fisica che lo attanaglia) ma al contempo cercano continuamente di ritrovare il significato più profondo della loro presenza in quel paese.

Hanno una decisione da prendere e lo fanno da uomini di Dio: pregano nella loro piccola cappella ma spesso meditano all'aperto, a contatto con la natura; si riuniscono per discutere o parlano privatamente con il priore, aprendo senza reticenze il loro cuore. Quando alla fine, pur con motivazioni diverse, tutti concordano con la decisione di restare, ormai hanno vinto, perché la vittoria è dentro di loro.

Molto giustamente il regista narra sbrigativamente la terza fase, quella della loro cattura e prigionia evitandoci qualsiasi dettaglio violento. La vera storia, quella della tempesta nell'animo degli otto frati si era già conclusa in precedenza, celebrata con una strana festa organizzata nel loro refettorio intorno a un bicchiere di vino buono e come sottofondo la musica del Il lago dei cigni di Čajkovskij proveniente da una vecchia radio.
Il film apre la strada a molte discussioni, come ogni film che sa scavare seriamente intorno a dei fatti realmente accaduti. Era giusto restare o sarebbe stato più corretto preservare la propria vita e proseguire l'attività in un'altra zona meno rischiosa? Per dei monaci benedettini è corretto l'atteggiamento di stabilire una presenza pacifica in mezzo a un territorio musulmano senza fare apostolato o deve sempre venir mantenuto l'obiettivo prioritario della diffusione del Vangelo? Sono risposte difficili da dare e in questo si è condizionati dalla rappresentazione dei fatti che ci è stata presentata dall'autore.

Il terrorista Ali Fayattia che uccide gli operai croati ma poi stranamente si dimostra rispettoso dei frati e della loro fede sembra essere stato introdotto dall'autore per indurre lo spettatore ad assumere una posizione baricentrica fra i rivoltosi e i governativi algerini. Xavier Beauvois che si definisce un ateo sembra guardare la fede cristiana e quella musulmana con equidistanza, proprio per sottolineare l'importanza di una convivenza pacifica. La risposta va ricercata probabilmente nelle prime immagini del film, nella perfetta simbiosi fra il monastero e il villaggio. "Il pastore non abbandona il suo gregge nel momento in cui arriva il lupo"-commenta un frate. "Partire è morire" commenta Luc, il frate medico.

Al più giovane di loro, il più timoroso di perder la vita, il priore ricorda che "la tua vita tu l'hai già donata, per seguire Cristo, quando hai deciso di abbandonare tutto" e ancora: "si è martiri per amore. La nostra missione qui è di essere fratelli di tutti. L'amore supera tutto, sopporta tutto". Ecco allora il significato del restare: restare per testimoniare senza tentennamenti che ciò per cui hanno dedicato un'intera vita è ciò per cui sono disposti anche a morire. Nel suo testamento spirituale, letto in voce-off alla fine del film, Christian non dimentica di perdonare chi lo ha ucciso: "..anche per te amico dell'ultimo minuto che non sapevi quello che facevi, anche per te voglio che questo grazie e questo a-Dio comprendano anche te e che ci sia permesso di ritrovarci, "ladroni felici", in paradiso. A Dio piacendo a nostro padre, padre di entrambi. Francesco Olearo. Per gentile concessione di FAMILYCINEMATV.

Valori/disvalori: La fede rende nobili e coraggiosi degli uomini semplici e desiderosi di vivere in pace e in tranquillità con il prossimo.

In visione a partire: pre-adolescenti. Il tema trattato è molto nobile anche se può esser ben compreso a partire dagli adolescenti.

Giudizio tecnico: **** Un film intenso e asciutto, con poca concessione allo spettacolo, tutto giocato sui tormenti interiori e i dubbi (ma anche la fede) dei protagonisti.

Unstoppable-Fuori controllo

2010-11-19T11:06:00.001+01:00

20/11/2010. Regista: Tony Scott. Sceneggiatura: Mark Bomback. Interpreti: Kevin Dunn Denzel Washington, Chris Pine, Rosario Dawson, Ethan Suplee.100 min. USA. 2010. Giovani.

Tony Scott ama i treni. A volte sono stati un pretesto di contorno (Una vita al massimo), alte volte, come in Pelham 123-Ostaggi in metropolitana vengono alla ribalta. In questo caso, il treno assurge a protagonista assoluto della storia.

La macchina senza controllo umano che si muove a tutta velocità per distruggere una città ricorda più il film Godzilla che A 30 secondi della fine-Runaway Train, come era più logico attendersi. Sembra incredibile, ma il fatto è veramente accaduto, nel 2001, nei pressi di Toledo (Ohio). A causa di un errore stupido, un treno di 47 vagoni se ne andò da solo, senza macchinista, per 66 miglia, con un carico molto pericoloso. Un macchinista coraggioso balzò dentro il treno in corsa per fermarlo. L'ultimo film di Tony Scott racconta questa storia terrificante con la verve di un film catastrofico.

Questo commento merita una spiegazione: francamente, ci aspettavamo un altro film d'azione, una sorta di Speed, con il treno protagonista. Scott ci offre qualcosa di inatteso. Non è il suo miglior film, ma resta un film serio, con forte impatto visivo, sobrio, senza inutili fronzoli e con tutti gli elementi classici beni inseriti. Per di più, con un generoso budget di 100 milioni di dollari.

Scott mette in scena tutti gli elementi della fattispecie: la minaccia di un disastro imminente, gli sforzi delle autorità ufficiali per fermarlo, i media che si gettano sulla storia, la coppia classica di perdenti -un veterano (Washington) e un giovane (Pine)- che contro ogni previsione riescono a fare l'impossibile. E, sempre contro ogni previsione, Scott sorprende per la concisione, la chiarezza di esposizione ed i progetti creativi, questa volta adeguati e pienamente giustificati: utilizza le immagini dei giornalisti e dei telegiornali, che seguono questo evento che fa notizia, per completare la storia principale.

Neanche l'elemento umano è trascurato: i personaggi sono credibili e la scelta degli attori, riuscita. Denzel Washington aveva già lavorato per Scott (questo è già il quinto film che li coinvolge) e il giovane Chris Pine si mostra all'altezza del veterano collega. I loro drammi personali, senza distrarre dall'azione principale, completano il quadro. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

Caccia alla spia

2010-11-19T11:03:00.001+01:00

20/11/2010. Regista: Doug Liman. Sceneggiatura: John-Henry Butterworth, Jez Butterworth. Interpreti: Sean Penn, Naomi Watts, Sam Shepard, Bruce McGill, David Andrews. 106 min. USA. 2010. Giovani. (V)

Valerie Plame è un'analista economica, ma in realtà lavora da agente segreto della CIA. Valerie è donna molto apprezzata, intelligente, sicura di sé. È sposata con un diplomatico brillante d’idee liberali, e ha due figli. La vita di Plame sarà sconvolta, quando la sua reale identità verrà resa nota dalla stampa, per motivi interessati da parte di chi si cela nell'incognito.

La pellicola si basa su due libri autobiografici, scritti da entrambi i protagonisti di questa interessantissima storia: Fair Game, di Valerie Plame, e The Politics of Truth, di Joseph Wilson, il marito. In questi libri si ripercorrono gli eventi che li proposero come bersagli di un rozzo complotto, orchestrato da quanti volevano dimostrare che l'Iraq aveva armi di distruzione di massa, ad ogni costo. Il meglio del film è proprio il contenuto dei due libri. Liman (The Bourne Identity) è in possesso di una storia vera, molto efficace, interessante e ben documentata. Inoltre conta su di un paio di eccellenti attori. Con questa materia prima è quasi impossibile fallire un film. La sceneggiatura è ben scritta, il ritmo è buono e l’informazione appare ben dosata.

Da parte sua, Watts e Penn dimostrano di indossare bene i rispettivi ruoli, non troppo complicati. Il problema è che, al di là di questo, poco si può dire di un film in regola, ben eseguito, ma privo di personalità. Anche se questa mancanza di personalità è forse lo scotto che abitualmente deve pagare il cinema politico, dove ciò che conta è la storia. Ed il resto, artificio. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

The Social Network

2010-11-19T10:53:00.001+01:00

20/11/2010. Regista: David Fincher. Sceneggiatura: Aaron Sorkin. Interpreti: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Joseph Mazzello, Rooney Mara. 125 m. USA. 2010. Adulti. (XD)

Quando ha debuttato Le vite degli altri, molti critici abbiamo detto che era il miglior film in un decennio. Questo lavoro di Fincher (Seven, Fight Club, Il curioso caso di Benjamin Button) raggiunge quel livello. Almeno per quanto riguarda il cinema americano, è un capolavoro assoluto, sia per l'abilissima direzione di Fincher, che per la sorprendente sceneggiatura dovuta al creatore di West Wing-Tutti gli uomini del presidente, per le interpretazioni di attori molto giovani, nonché per vari altri aspetti della trama del film.

Basato su The Accidental Billionaires, un libro di Ben Mezrich, la storia è la creazione -nel 2004- di Facebook, il social network che conta 500 milioni di utenti in Internet. Il fondatore, Mark Zuckerberg, attualmente ventiseienne, una notte di sette anni fa, mentre studiava a Harvard, con i compagni di stanza, programmatori molto esperti e intuitivi quanto lui, comincia a sviluppare una nuova idea.

Aaron Sorkin ha debuttato come sceneggiatore in A Few Good Men. La sua creazione televisiva, West Wing-Tutti gli uomini del presidente, è la serie più premiata nella storia. Credo che Sorkin sia il miglior scrittore vivente di dialoghi, per la fiction audiovisiva. The Social Network prende spunto da una conversazione al bar, che solo un genio poteva narrare. E continua con una storia avvincente, divertente, drammatica, paurosa, toccante...

Fincher si è messo al servizio di una storia coinvolgente, per niente compiacente, che rivela la grandezza e la miseria di una persona molto intelligente, che ha rivoluzionato la comunicazione interpersonale di una buona fetta di umanità. Al contempo, ha guadagnato una fortuna straordinaria ed ha propiziato modelli di comportamento che stanno esercitando grande impatto, nel bene e nel male, soprattutto sui minori che usano queste reti.

Il ritratto firmato da Fincher e Sorkin di uno di questi geniali personaggi, uscito da un campus della Ivy League, è altamente suggestivo. Hanno raccontato qualcosa di davvero difficile da raccontare. E lo hanno fatto così bene, da sembrare facile. Se i giurati che devono assegnare gli Oscar hanno la testa a posto, dovrebbero attribuirne una dozzina a questo film magistralmente recitato, con un superbo Jesse Eisenberg ed uno straordinario lavoro di Andrew Garfield, che ci ha già stupito con Leoni per agnelli. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

Cattivissimo me

2010-11-19T10:49:00.002+01:00

20/11/2010. Registi: Chris Renaud, Pierre Coffin. Sceneggiatura: Ken Daurio, Cinco Paul. Colonna sonora: Heitor Pereira, Pharrell Williams. 95 min. USA. 2010. Animazione. Tutti.

Il supercriminale Gru vive nel proprio laboratorio segreto, circondato dai fidi scagnozzi, macchinando cattiverie. Sta nelle ore basse, sta diventando anziano e deve fronteggiare la concorrenza intensa di giovani emergenti. Così ha deciso di realizzare la più grande impresa di tutti i tempi: rubare la luna. E per compiere la missione utilizzerà, senza sapere a quali difficoltà andrà incontro, tre graziose orfanelle.

Il film fa sua l'idea che i cosiddetti “cattivi” potrebbero risultare più interessanti degli eroi. Infatti, Gru è un fac-simile dei classici malvagi avversari contro cui si batte James Bond: mega-progetti, laboratori segreti, scienziati pazzi e migliaia di apparecchiature dalla tecnologia avveniristica. Tuttavia, Gru non vuol dominare il mondo, ma solo essere riconosciuto come il più grande cattivo di tutti i tempi. Il suo laboratorio si trova in un quartiere residenziale, dove collaborano con lui i divertentissimi Minion, una sorta di ibrido di SpongeBob, e Mr. Hump Bonka Lumpa.

Fino a tempi relativamente recenti, i film di animazione non duravano tanto. Ora, la tecnica e le storie sono molto migliorate, e si producono film come Up o Coraline. Rispetto a loro, Cattivissimo me fa un passo indietro, perché la storia centrale viene allungata a base di gag, e si vede. Ad una corretta presentazione segue uno sviluppo meramente formale, che diverte parecchio, ma rimane un semplice diversivo. Il finale manifesta invece forza e qualità.

Di forte impatti visivo, Cattivissimo me è stato concepito per trarre vantaggio dal 3D in modo pratico, e non come mero ritrovato alla moda. Il problema è che gli appositi occhiali fanno perdere troppa luce (provate a rimuovere gli occhiali nella sala!); io preferisco la luce e il colore dello schermo piatto, agli effetti speciali in 3D, se su sfondo più scuro. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Inception

2010-10-14T10:21:00.001+02:00

9/10/2010. Regista: Christopher Nolan. Sceneggiatura: Christopher Nolan. Interpreti: Leonardo Di Caprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Marion Cotillard, Cillian Murphy, Michael Caine, Tom Berenger, Lukas Haas, Ken Watanabe, Tom Hardy, Pete Postlethwaite. 148 min. USA, GB. 2010. Giovani. (V)

In un futuro non troppo lontano, ecco spuntare la tecnica che permette di entrare nei sogni degli altri. E nel subconscio, la persona "aggredita" può rivelare agli "aggressori" segreti nascosti, che rivestono valore pecuniario; o che ne consentono la manipolazione. Cobb è a capo di un gruppo di "ladri di sogni", ma vuol smettere di fare questa attività. Tuttavia, accusato dell'omicidio della propria moglie e lontano dai suoi due bambini, negli Stati Uniti, ecco che riceve da Saito, un personaggio di potere, un'offerta che non può rifiutare: dovrà penetrare nella testa di Robert Fischer, erede di un impero economico, e impiantare nella mente della vittima -come se fosse un'idea delle sue-, la liquidazione del sistema di imprese creato dal padre dello stesso. In cambio di questo servizio, Cobb potrà riunirsi alla propria famiglia ed iniziare una nuova vita.

Christopher Nolan, sceneggiatore e regista, si propone ancora una volta come di uno dei registi contemporanei più creativi. Riesce a consegnare una storia fantasiosa, di eccezionale qualità ipnotiche, solida nella complessa architettura narrativa, e -perché negarlo- non facile da seguire. Il merito consiste nell'evitare che lo spettatore finisca per perdersi, ma anzi afferri il nocciolo della questione, che è la tentazione di scansare la realtà per ritrovarsi in mondi più attraenti, ma non veri, in stile Matrix. Inoltre, riesce a coinvolgere lo spettatore grazie all'immersione nel mondo dei sogni a tre diversi livelli, dove il rischio di non svegliarsi, nonché le improvvisate soluzioni agli ostacoli che si presentano, offrono molte emozioni.

Le immagini sono davvero belle e i mondi che si possono creare in sogno, straordinari. Si può davvero innovare e creare, grazie agli effetti speciali che emergono, per esempio, nei momenti di assenza di gravità, pura magia. Inoltre, Nolan ci prende in pieno quando si tratta di definire personaggi e conflitti, ed anche nella selezione di un cast vincente. Leonardo Di Caprio (Cobb) brilla in un'altra storia "mentale" dopo Shutter Island, con la sconvolta moglie, Marion Cotillard, che lui non riesce a dimenticare. Il suo dramma familiare si svolge con grande abilità, grazie al personaggio di Ellen Page, universitaria brillante che sa indovinare quello che lui nasconde ai propri "colleghi di sogni". Notevole anche il ruolo del compagno di squadra, interpretato da Joseph Gordon-Levitt. C'è spazio per la sorpresa. Infine, il modo in cui viene eseguito il piano per "fecondare" la testa di Fischer -bene, Cillian Murphy-, si traspone in un'atmosfera splendida, di inattesa poesia. José María Aresté. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

Innocenti bugie

2010-10-14T10:16:00.001+02:00

9/10/2010. Regista: James Mangold. Sceneggiatura: Patrick O’Neill. Interpreti: Tom Cruise, Cameron Díaz, Peter Sarsgaard, Paul Dano, Jordi Mollà. 110 min. Giovani. USA. 2010. (SD)

June va in aeroporto, alla vigilia delle nozze della sorella a Boston. Un affascinante sconosciuto, Roy, s’imbatte un paio di volte con lei, per poi ritrovarsi sul medesimo aereo. Sta già pensando di iniziare una storia con lui, ma non può immaginare che, mentre va un momento alla toilette, Roy si appresta ad affrontare passeggeri ed equipaggio al completo, cattivi confabulati contro di lui, per impossessarsi di una batteria di energia inesauribile. Da quel momento inizia una vertiginosa montagna russa che vede coinvolta la povera June, dove non ci si può fidare dei "buoni", ed invece puoi farlo proprio di chi sembra un nevrotico elevato al cubo: Roy.

Il film di James Mangold, sceneggiato da Patrick O'Neill, è una chiara allusione al classico film di Hitchcock, Intrigo internazionale, con il suo cocktail di azione, commedia e romanticismo. Nella parte migliore del film si deve sottolineare il carisma dei due personaggi principali, i divertenti Tom Cruise e Cameron Diaz.

In sintesi, è uno spettacolo di puro intrattenimento, veloce, dal ritmo frenetico, anche se avremmo apprezzato un po' di coerenza, oltre ad evitare l’assurdità -per chi conosce la Spagna- di rappresentare la festa di San Fermín a Siviglia. Naturalmente, le sequenze d'azione a Salisburgo e Siviglia sono di notevole effetto, alla ricerca del “sempre più difficile”. Anche se a questo punto sembra quasi impossibile innovare. José María Aresté. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: S, D (ACEPRENSA)

Mangia, prega, ama

2010-10-14T10:12:00.001+02:00

9/10/2010. Regista: Ryan Murphy. Sceneggiatura: Ryan Murphy e Jennifer Salt, basata nelle memorie de Elizabeth Gilbert. Interpreti: Julia Roberts, James Franco, Billy Crudup, Javier Bardem, Richard Jenkins. 140 min. USA. 2010. Adulti. (S)

Eat, Pray, Love è il titolo di un libro di memorie di Elizabeth Gilbert, ben accolto negli Stati Uniti, dove si racconta come questa donna abbia lasciato tutto -casa, ricchezza, marito-, pur di ritrovare se stessa. Il libro, dicono, è agile e intelligente. Il film si ferma all'aneddotico.

Un bel giorno, Liz Gilbert (Julia Roberts), scoprendosi annoiata della propria esistenza, chiede il divorzio allo sconcertato marito. Reinventandosi un nuovo celibato, ha una relazione con un giovane attore (Jess Franco), ma lo lascia poco dopo. Decide finalmente di cambiare scenario, per trovare pace. Organizza così un anno sabbatico, in tre tappe: Italia, India e Bali. In Italia impara l’italiano, la cultura del dolce far niente e del piacere della buona tavola. In India, impara la disciplina e la meditazione. E a Bali, trova la pace interiore e torna ad amare.

Se le cose sono andate davvero così, bisognerà dare a Liz Gilbert il premio alla donna più fortunata del mondo, che può permettersi di viaggiare a piacimento, spendendo senza limiti, e trovando -al suo passaggio- un corteo di gente per bene, sempre pronta a farsi in quattro per lei. Ma non ha avuto fortuna con il film.

Ovviamente, Julia Roberts era la persona ideale per valorizzarlo, ma la regia è deplorevole: il film è un cumulo di storie senza ordine, concerto, né misura. Sembra che non ci sia altro scopo che quello di fotografare l'attrice, nei più diversi tipi di abbigliamento, acconciature e sfondi. E ce ne sono molti, in un viaggio intorno al mondo. Julia Roberts è una grande attrice ed è molto fotogenica, ma centoquaranta minuti sullo schermo imperniati solo su di lei, finiscono per stancare anche un bue. C'è solo un momento memorabile: quando Richard Jenkins le tiene testa, in India. Javier Bardem appare invece un mero fantoccio che si fa vivo -verso la fine del film- per ballare con lei e baciarla (stendiamo un pietoso velo sul dialogo). In breve, uno sfacciato romanzo rosa, con vago tocco New Age. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: S (ACEPRENSA)

Wall Street: il denaro non dorme mai

2010-10-14T10:06:00.003+02:00

9/10/2010. Regista: Oliver Stone. Sceneggiatura: Allan Loeb, Stephen Schiff. Interpreti: Michael Douglas, Shia LaBeouf, Carey Mulligan, Susan Sarandon, Josh Brolin. 127 min. USA. 2010. Giovani. (D). Nelle sale il 22 ottobre.

Nel 2001, Gordon Gekko esce di prigione, dopo aver scontato una condanna per crimini finanziari. Sette anni dopo, l'ex squalo di Wall Street pubblica L'avidità è buona? È un libro che anticipa la crisi finanziaria globale. Winnie, la figlia di Gordon, non gli parla, perché lo accusa della morte del fratello, per droga. Paradossalmente, lei pensa di sposarsi Jake, immerso nel mondo delle grandi imprese, un tipo non proprio diverso dal contestato padre.

L'avidità nei mercati azionari, che ha conosciuto un boom negli anni 80 del secolo scorso, è stata immortalata dal personaggio di Gordon Gekko nel film Wall Street, in cui -per la parte di miglior protagonista- Michael Douglas ha vinto l'Oscar. Con i recenti eventi della bolla immobiliare (negli USA, in Spagna ed altrove), c’era una logica aspettativa su ciò che avrebbe realizzato Oliver Stone, riprendendo il personaggio di Gekko.

Non sta certo al film spiegare l'attuale crisi finanziaria. Ma delude il fatto, che la utilizzi come semplice sfondo ideale, per ricuperare il personaggio già apparso nell'omonimo film del 1987, ed inserirne di nuovi. In questo nuovo episodio, si pone il quesito subliminale se Gekko sia capace di riscattarsi, per diventare una persona migliore. Altri spunti emergenti dalla trama sono il valore del tempo, capitale più prezioso dei soldi, nonché l'importanza di contribuire alla società con qualcosa di tangibile, si tratti di una nuova fonte di energia o della dedizione infermieristica, nel caso della madre di Jake.

A questa accurata produzione di studio manca il respiro dell'originale. Le manca spazio, per inquadrare una tragedia al modo di Shakespeare; eccede, al contrario, quel convenzionalismo melenso così evidente in un finale scarsamente elaborato. Il disegno della "jungla" di Wall Street e di Internet, spesso appare un mero cliché. Stone ha la fortuna di avere attori che si stagliano sui personaggi interpretati, per valorizzarli. Carey Mulligan infonde serietà al suo ruolo, rendendolo credibile; Michael Douglas sostiene le vicende mutevoli di un Gekko un po’ "banderuola", Josh Brolin ha cinismo da vendere... Meno credibile appare un Shia LaBeouf "saputello", nei panni dello scienziato Austin Pendleton; o Susan Sarandon, in quelli di un'agente immobiliare. José María Aresté. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: D (ACEPRENSA)

Bright star

2010-09-22T12:21:00.001+02:00

25/9/2010. Regista: Jane Campion. Sceneggiatura: Jane Campion. Interpreti: Abbie Cornish, Ben Whishaw, Paul Schneider, Kerry Fox, Edie Martin. 119 min. GB, Australia, Francia. 2009. Giovani.

Dopo un incursione senza successo nel genere thriller, la neozelandese Jane Campion (Lezioni di Piano, Ritratto di signora) torna al film d'epoca, per raccontare un dramma romantico che prende spunto da una storia vera: la storia d'amore tra il poeta inglese John Keats e la giovane Fanny Brawne. Un amore appassionato, reso impossibile dalla mancanza di salute e dalla rovinosa situazione economica di Keats.

Se c'è un aggettivo che qualifica Bright Star, è delicato. Partendo dalla corrispondenza di Keats -le sue lettere molto belle e appassionate, scritte a Fanny-, la Campion ricostruisce una storia intima d'amore, triste ed elegante. Il romanticismo del film è fatto di sguardi, piccoli gesti, carezze e versi... Soprattutto di versi, di poesia. Una trama lontana da certa tendenze dell’attuale cinema romantico, incapace di avvertire le sottigliezze.

Quanti sono pronti a superare il pregiudizio di affrontare una storia a ritmo lento e tono nostalgico, troveranno un film dalla produzione molto curata, una messa in scena e una fotografia eccellenti, una ricostruzione d'epoca perfetta, poesie bellissime, paesaggi affascinanti della campagna inglese, per non parlare delle valide interpretazioni di Ben Whishaw (Profumo, Brideshead Revisited), che sta affermandosi come uno specialista del cinema d’epoca, e Abbie Cornish (Candy) capace di sorprendenti cambi di registro. La storia è poca cosa ed è raccontata in un modo un po' accademico? Forse, ma pensando solo ai pregi suddetti, è già uno spettacolo cui vale la pena assistere. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

I mercenari

2010-09-22T12:13:00.001+02:00

25/9/2010. Regista: Sylvester Stallone. Sceneggiatura: Sylvester Stallone, Dave Callaham. Interpreti: Jason Statham, Mickey Rourke, Sylvester Stallone, Jet Li, Dolph Lundgren, Randy Couture, Terry Crews, Eric Roberts, Arnold Schwarzenegger, David Zayas, Giselle Itié. 100 min. USA. 2010. Giovani.

Barney ed il suo manipolo di mercenari sono reclutati per uccidere il despota di un paese sudamericano. La missione diventa più intricata del previsto, a causa delle macchinazioni della CIA, del tradimento di un amico e del sincero patriottismo di Sandra, figlia del dittatore. Così -per una volta-, il gruppo agirà per ideali. Senza vendersi l'anima per denaro.

Sylvester Stallone, è il regista, protagonista, nonché co-autore di un film d'azione senza troppe pretese, il cui principale merito consiste nell'aver messo insieme tanti attori capaci di identificarsi nel film d'azione, al meglio delle loro possibilità. Vi appaiono, oltre a lui: Jet Li, Jason Statham, Dolph Lundgren, Bruce Willis, Mickey Rourke, Arnold Schwarzenegger... Di quelli di cui non si poteva fare a meno, mancano all'appello solo Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal, Vin Diesel e Jackie Chan: peggio per loro!

La trama passa in secondo piano rispetto all'adrenalina, alle molte esplosioni, alle coreografie d'azione, alle torture... E gli inevitabili dialoghi "solenni", cui non manca un pizzico di auto-ironia, passano dall'esaltare la lealtà tra commilitoni alla promessa di dare una severa lezione al cattivo di turno. In tal senso, soltanto in una scena, Mickey Rourke deve piegarsi ad una recitazione un po' forzata. La verità, però, è che ci si aspetterebbe un po’ di più da Stallone. Ma questo è quanto offerto allo spettatore.

Pubblico: Giovani. Contenuti: Azione 4, Amore 1, Lacrime 1, Risate 1, Sesso 0, Violenza 2 [da 0 a 4](DECINE 21)

The Karate Kid: la leggenda continua

2010-09-22T12:08:00.002+02:00

25/9/2010. Regista: Harald Zwart. Sceneggiatura: Christopher Murphey. Interpreti: Jaden Smith, Jackie Chan. 131 min. USA, Cina. Giovani. (V)

Chi ha visto la prima versione di The Karate Kid (1984) riconoscerà i principali elementi della storia, che la nuova versione segue fedelmente: un ragazzo e sua madre si trasferiscono in un'altra città, e in questo caso, in un altro paese: la Cina. Il ragazzo non ama la nuova casa, ma quando una compagna di scuola gli sorride, la situazione non sembra poi tanto male. Purtroppo per lui, nella la scuola c’è un bullo -esperto di kung-fu- che se la prende con lui.

La storia, per come raccontata dal produttore Will Smith, padre del piccolo protagonista, “offre elementi universali, di apprendimento, di miglioramento, di superamento e di amicizia, che si possono perpetuare per il corso dei secoli". La trama del film, pur restando invariata, non solo aggiorna la storia, ma le apporta qualcosa di nuovo: la sua ubicazione in Cina.

Il giovane Jaden Smith esibisce un certo “aplomb” davanti alla cinepresa e una straordinaria espressività. La storia di bullismo, purtroppo molto attuale, è un elemento nuovo e credibile. Per il ruolo del signor Miyagi, Jackie Chan è apparso l'attore più indicato: un lottatore che preferisce la lettura alla rissa e mantiene l'atteggiamento del vecchio saggio, duro all'esterno, ma dal cuore generoso. Il meglio del film è dato dal rapporto professore-alunno, nonché dall'intero processo di apprendimento del ragazzino.

Il film ha però durata eccessiva, la trama non è ben delineata e i diversi eccessi di violenza non ne rendono raccomandabile la visione ai bambini. È un film ben girato e, benché nota, la storia continua tuttora a commuovere. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V

L'apprendista stregone

2010-09-22T12:03:00.001+02:00

25/9/2010. Regista: Jon Turteltaub. Sceneggiatura: Lawrence Konner, Mark Rosenthal, Matt Lopez, Doug Miro, Carlo Bernard. Interpreti: Nicolas Cage, Jay Baruchel, Alfred Molina, Monica Bellucci, Teresa Palmer. 111 min. USA. 2010. Giovani.

L'inflazione di film di maghi rievoca facilmente il famoso e discusso paradosso di Chesterton. È incredibile la quota cinematografica su cui tuttora si attestano i film dedicati alla magia e dintorni. Se poi aggiungiamo i super-eroi e i vampiri, i film che svolgono questo tema si contano a dozzine.

La novità che ci prepara Turteltaub è una parte su misura per un Nicolas Cage, prodotta dal mercante Bruckheimer, secondo la falsariga di precedenti film come Il mistero dei Templari.

Con un pizzico di sceneggiatura istrionica e un po' semplicistica, vi si racconta la storia di un mago -discendente di Merlino- incaricato di istruire un giovane del 2010 che ignora che è il prescelto.

Il tema risulta farcito di trovate già presenti in Highlander, Harry Potter, Matrix, The Quest, e perfino di contributi tratti da alcuni serial TV. Il minestrone che ne viene fuori non è granché. Tuttavia, emerge una valida regia ed una trama sufficientemente abile da non farsi prendere troppo sul serio, così che le varie sequenze scorrono con agilità e lo spettatore non si annoia. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. (ACEPRENSA)

The American

2010-09-22T12:02:00.000+02:00

25/9/2010. Regista: Anton Corbijn. Sceneggiatura: Rowan Joffe. Interpreti: George Clooney, Violante Placido, Paolo Bonacelli, Thekla Reuten. 105 min. USA. 2010. Adulti (VX).

Clooney, di cui altre volte abbiamo sottolineato l'intelligenza come attore, regista e produttore, interpreta e produce con il collega Grant Heslov questo film su un killer professionista. Dopo una sanguinosa liquidazione di conti, il protagonista si rifugia in un tranquillo e isolato paese in Abruzzo, in attesa che le acque si calmino. Mentre si prepara ad un nuovo incarico, ha rapporti con una prostituta. Uomo solitario, fa amicizia con un sacerdote anziano, gentile e buono.
Il regista dell’interessante e difficile Control, che vanta grande esperienza nei video-clip musicali, ci offre il suo secondo film, cercando dare un certo stile alla trama un po' povera di Rowan Joffe, che adatta il romanzo di Martin Booth. Il film vuol riecheggiare Le conseguenze dell'amore di Paolo Sorrentino, ma risulta vuoto, falso e privo di credibilità. Usa l'attrice principale come oggetto, in modo disgustosamente erotico, in varie sequenze di sesso del tutto gratuito. Per il resto, qualche sparatoria, molti primi piani su Clooney -piuttosto giù di forma- e sequenze sul paesaggio abruzzese. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, X (ACEPRENSA)

Amore a mille... miglia

2010-09-22T12:01:00.000+02:00

25/9/2010. Regista: Nanette Burnstein. Sceneggiatura: Geoff Latulippe. Interpreti: Drew Barrymore, Justin Long, Charlie Day, Jason Sudeikis, Christina Applegate. 109 min. USA. 2010. Sconsigliato (XD)

È triste che due attori di talento come Barrymore e Long si siano prestati ad interpretare questa sciocchezza assai volgare. La storia d'amore (in verità solo sesso e musica ad alto volume) tra una giornalista e un dirigente di una casa discografica si svolge a distanza: lei vive a Stanford, lui a New York.

La storia è davvero poca cosa, ma avrebbe potuto offrire molto di più, con un po’ di genialità, rinunciando a mantenere quel tono assai greve. La regista (tale Burnstein) non riesce a maneggiare la trama (del debuttante Latulippe), così che il film non decolla: condito per di più da un cattivo gusto, inutile, buono solo a lasciare sullo sfondo una serie infinita di situazioni di cattivo gusto, per non dire ripugnanti. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Sconsigliato. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

Toy story 3. La grande fuga

2010-07-12T12:48:00.001+02:00

10/7/2010. Regista: Lee Unkrich. Sceneggiatura: Michael Arndt. Voci originali: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Ned Beatty, Michael Keaton. 103 min. USA. 2010. Tutti.

Sono già trascorsi 11 anni dal lancio di Toy Story 2, un sequel eccellente, terzo film della Pixar e primo interamente ideato, masterizzato ed esibito in modo digitale. Toy Story, prima produzione della Pixar, risale al 1995, ed è stato il primo lungometraggio animato, generato interamente al computer.

Senza retorica, possiamo ora scrivere che Toy Story 3 è il miglior terzo episodio della storia del cinema, per non dire che è uno dei migliori film d'animazione. Devo però preavvertire che tutti i miei commenti si riferiscono alla versione originale, che ha contato su un cast di sensazionali attori, capaci di realizzare registri di voce indimenticabili. La versione doppiata sarà meno curata, molto meno divertente, se si tiene conto della cura con cui la Pixar si occupa dell’audio delle sue produzioni e del ruolo importante svolto dalla lingua castigliana nel momento topico del film, sorpresa che in gran parte si spiega con la presenza di spagnoli nel team internazionale di animatori della Pixar.

Toy Story 3 è un film molto divertente, toccante, a modo suo profondo e molto serio, con momenti artistici straordinari, moltissima azione, magistrali svolte del copione e uno dei migliori finali mai eseguito dalla Pixar (e c’è ne sono di veramente buoni: basti ricordare Monsters&Co).

L’audacia della Pixar, la sua straordinaria creatività, continua a sorprendere. Se nel film precedente, Up, ci si è avvalsi di Thomas McCarthy (The Visitor) per collaborare al copione, questa volta, lo hanno affidato interamente (l'intera storia) ad uno scrittore senza esperienza in film d'animazione, che vantava inoltre soltanto un film nel suo curriculum. Film, che ha poco da spartire con Toy Story 3, sia da un punto di vista tematico che di trattamento. Michael Ardnt, che ha vinto l'Oscar per la sceneggiatura originale di Little Miss Sunshine, ha fatto un lavoro favoloso, con una trama, i conflitti, i colpi di scena, la scrittura dei dialoghi, un'evoluzione di personaggi e situazioni umoristiche deliranti, che lasciano il pubblico estasiato.

Se aggiungete al copione un'animazione impeccabile, degli sfondi accuratissimi (il disegno dell'asilo nido è un trionfo d'intelligenza), un brillante uso del colore e della luce, la musica molto ispirata di Randy Newman, la precisione del montaggio ed i nuovi personaggi (tra il quali lo straziante orsacchiotto di peluche all'aroma di fragola) progettati dall'abilità dei migliori specialisti, il risultato è semplicemente sbalorditivo. E per finire, un aperitivo, sotto forma di cortometraggio, a dir poco geniale dal punto di vista tecnico.

L'ombra di Lasseter (produttore esecutivo) si staglia sempre più profonda: in altre parole, gran parte del merito è suo. Non è un caso il significativo ed esplicito richiamo di Toy Story 3 ad Hayao Miyazaki, tanto amato e ammirato nella famiglia Pixar e molto presente nel corso dell'intero film, anche in modo esplicito, grazie alla presenza di Totoro, il personaggio preferito del regista giapponese. Il modo di realizzare una trilogia degli autori della storia (Lasseter, Stanton e Docter), portando i giocattoli, protagonisti del film, al cambiamento generazionale che è l'ingresso all’università del padrone -Andy- è molto abile, ma sarebbe impossibile senza l’ispirazione dell'esperienza familiare degli stessi creatori, candidamente ammessa. Si potrebbe dire ancora dell'altro, ma non in modo più chiaro di così: senza l’apprezzamento -il vanto- della famiglia, della paternità e della maternità, che traspare alla Pixar, la lampada da tavolo della "i" di Pixar non sarebbe in grado di illuminare in modo così intenso. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

The Twiligth saga. Eclipse

2010-07-12T12:41:00.001+02:00

10/7/2010. Regista: David Slade. Sceneggiatura: Melissa Rosenberg. Interpreti: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Nikki Reed, Billy Burke.124 min. USA. 2010. Giovani-adulti. (VS)

Continua lo scambio di baci e sguardi ardenti tra la bella Swan e l’edoardiano Cullen, mescolati ad espressioni del tipo "Ti desidero, ma dobbiamo aspettare". Con versetti melodici che esigono cori stile "oooh", "aaah", "come finirà?".

Se il romanzo è banale ed elementare, mellifluo e sentimentale, il film quasi lo sorpassa. La trama, sul tipo di melodramma ottocentesco dei primi tre romanzi, sulla scorta di una tortuosa astinenza da parte di un ragazzo che vuole sangue, e di un'adolescente che vuole sesso (mi dispiace, ma è quello che c’è) si completa con una storiella di scontri tra vampiri e lupi mannari, realizzata da quattro amici appena usciti della scuola superiore e degna comparsata da proiettare ad una festa di laurea.

Tutto è affidato alla contemplazione estatica dei volti dei protagonisti, che non hanno nulla in comune, né alcun ragione per amarsi, perché l'autrice dei romanzi è riuscita nell'intento di non caratterizzare per niente i personaggi. Così, ridotti a pure maschere che i lettori-spettatori possono indossare, in un esercizio di impossibile identificazione in un conflitto irreale.

Quando si mette di mezzo il lupo mannaro arapahos, a torso nudo e in pantaloncini corti, fresco di doccia solare, viene voglia di mettersi a piangere: il triangolo tra la Bella e le Bestie, motore di un film davvero lento, è talmente patetico che si capisce perché i registi si diano il cambio: non lo reggono loro stessi.

I produttori continuano però a servirsi di professionisti di chiara fama: Howard Shore, compositore della penosa musica de Il Signore degli Anelli, autore del sottofondo musicale, insistente e noioso; lo spagnolo Aguirresarobe, che fotografa senza posa i protagonisti in paesaggi nebbiosi stereotipati; e infine due attrici di grande talento, Bryce Dallas Howard e Catalina Sandino Moreno, che recitano però brevi comparse, una più ridicola dell’altra. Il regista britannico David Slade (Hard Candy, 30 giorni di buio) ha dovuto essere assunto per occuparsi di alcune risibili sequenze violente e di quattro o cinque situazioni morbose del tipo: “Bella dorme abbracciata al torace del lupo culturista, mentre contempla la scena il vampiro, malaticcio sciocco, e imbrattato di polvere di talco”.

La cosa che sgomenta è che sono in programma due ulteriori prossimi episodi. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani-adulti. Contenuti: V, S (ACEPRENSA)

Solomon Kane

2010-07-12T12:36:00.001+02:00

10/7/2010. Regista: Michael J. Bassett. Sceneggiatura: Michael J. Bassett. Interpreti: James Purefoy, Max von Sydow, Rachel Hurd-Wood, Patrick Hurd-Wood, Pete Postlethwaite.104 min. Francia, Repubblica Ceca, Gran Bretagna. 2009. Nelle sale da mercoledì 14 luglio.

Film ispirato ad un personaggio immaginato da Robert E. Howard, creatore di Conan il Barbaro. Anche in questo caso, è una storia -più o meno epica- in una stilizzata e un po' confusa Inghilterra puritana del XVII secolo, dove non mancano magie e streghe, e dove il diavolo è presente come realtà davvero malefica. Solomon Kane è un mercenario sanguinario che ha rinunciato al male e alle insidie del diavolo, per rifugiarsi in un monastero. Ma l'abate del luogo, ritenendo che egli sia destinato a servire il Signore per altre vie misteriose, lo invita ad andarsene. Solomon conoscerà, nella sua odissea, una simpatica famiglia, una coppia di sposi e tre figli, che scorta nel loro viaggio verso la costa, da dove vogliono partire per il Nuovo Mondo: l'America. Tuttavia, per strada, Solomon non avrà altra scelta che tornare alla violenza, per combattere gli sgherri del diavolo, in agguato, e così rivedere in faccia il suo passato.

L'impegno europeo del poco noto Michael J. Bassett è speso nel tentativo di offrire un film d'avventura in grande stile, con elementi di fantasia, sulla falsariga de Il Signore degli Anelli. Purtroppo, il risultato è piuttosto sconnesso, la narrazione si muove a scatti -non è onesto presentarci una famiglia e farla sparire senza darci il tempo di conoscerla ed apprezzarla-, né risulta bene imbastita la trama di ricerca della redenzione di Salomon, unita a motivazioni sentimentali. Se l’impatto visivo è accettabile, manca il necessario consolidarsi della storia idonea a coinvolgere i sentimenti dello spettatore. Il film è interpretato da James Purefoy, noto Marco Antonio della serie televisiva Roma, che recita correttamente. Attori come Max von Sydow sono del tutto sprecati, in particine davvero irrilevanti. DECINE21.

Pubblico: Giovani. Contenuti: Azione 3, Amore 1, Lacrime 1, Risate 0, Sesso 0, Violenza 1 [da 0 a 4] (Decine21.com)

Shrek: e vissero felici e contenti

2010-07-12T12:32:00.001+02:00

10/7/2010. Regista: Mike Mitchell. Sceneggiatura: Josh Klausner, Darren Lemke. Doppiaggio originale: Cameron Diaz, Mike Myers, Eddie Murphy, Antonio Banderas, Julie Andrews. Animazione. 91 min. USA. 2010. Tutti. Nelle sale da mercoledì 25 agosto.

Nella sua prima avventura, Shrek salva una principessa; nella seconda, salva il regno dei suoceri; nella terza, è diventato un papà amabile. E così sembrava del tutto esaurito il filone. Dopo nove anni di successi e quasi 1.900 milioni di dollari di entrate, le avventure dell’orco hanno rappresentato una divertente rottura di schemi, grazie a quella lieve ironia nella reinterpretazione iconoclasta di favole classiche.

Dreamworks chiude la serie con un degno finale, in formato 3D, che presenta un tempestivo ritorno alle proprie radici, in un periodo in cui l'eroe sembrava aver perso la sua grinta, e lo realizza senza abbandonare le qualità che l'hanno resa una famosa industria cinematografica.

Shrek, diventato un buon borghese, si sente intrappolato dalla monotonia del focolare e sogna la libertà che aveva quando era un orco senza amici, e nessun altro obbligo se non quello di spaventare la gente. Ed è proprio questo momento di nostalgia ad essere sfruttato dal malvagio Tremotino, che propone al nostro uno scambio: un giorno "come prima" in cambio di un giorno qualunque della sua vita.

Anche se privo di originalità, c'è azione, humour e buona musica. Viene ripreso con successo l'approccio del primo e miglior film della serie. Shrek è ancora l'eroe dal cuore grande, capace di sacrificarsi per gli amici e per la propria famiglia. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: ---- (ACEPRENSA)

Tata Matilda e il grande botto

2010-06-19T10:10:00.000+02:00

19/6/2010. Regista: Susanna White. Sceneggiatura: Emma Thompson. Interpreti: Emma Thompson, Maggie Gyllenhaal, Maggie Smith, Ralph Fiennes, Rhys Ifans, Ewan McGregor. 117 min. GB. 2010. Tutti.

C'è la guerra e, per proteggere l'infanzia, ecco l'ordine per cui tutti i bambini devono lasciare Londra. È un buon punto di partenza. Così iniziano diversi racconti di narratori inglesi: dalle Cronache di Narnia a 5 bambini&it.

Cirillo e Celia Gray, educati e coccolati aristocratici londinesi, vengono inviati alla fattoria dalla zia Elizabeth Green. La povera signora Green ha il marito al fronte; possiede un negozio in paese, dove impiega una dipendente, la vecchia e rimbambita signora Docherthy; ha un mutuo con scadenza ravvicinata; ha un cognato mezzo gangster, che vuole obbligarla a vendere la fattoria, ed è anche madre di tre bambini, che non vanno affatto d’accordo con i cugini londinesi; ma non ammette, testardamente, di essere nei guai. Quando tutto è sull'orlo del collasso, Nanny McPhee bussa alla porta.

Nanny McPhee è un personaggio ispirato a Mary Poppins, creato negli anni Sessanta dalla scrittrice britannica Christianna Brand. Emma Thompson, che ha curato l’adattamento dei racconti di Brand al grande schermo, aveva già impersonato la “tata” magica nel primo film (http://rassegnacinema.blogspot.com/search?q=tata+matilda), ma ora ha voluto assumersi anche il ruolo di produttore della nuova realizzazione cinematografica.

Questo secondo episodio, contrariamente a casi analoghi, resta di buon livello: non ha bisogno di presentazione, poiché si presume che ormai tutti conoscano Tata Matilda. Il copione va dritto al tema dominante e sviluppa una storia dal ritmo incalzante, piena di gag, nella migliore tradizione della commedia britannica, giocando su di un esagerato realismo, ben adeguato ai film d'epoca. E tutto al servizio dei valori che la storia presenta: la trama parla di educazione alla virtù -non invano la protagonista è una bambinaia-, offre lezioni esplicite di coraggio, generosità, cameratismo... Ed altre -più indirette- sul dramma del divorzio, i vantaggi di una grande famiglia, la necessità di esigere per educare, il contrasto tra città e campagna.

Se Susanna White dirige la regia in maniera efficace, la cosa più significativa del film è il gruppo di attori coinvolti in un progetto così semplice: accanto ad una meravigliosa Maggie Gyllenhaal, ecco Emma Thompson, Rhys Ifans e la veterana Maggie Smith. Fiennes e McGregor non esitano a prestarsi a una singola comparsa, poco più di un cameo, in questo divertente e intelligente film per famiglie. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Prince of Persia-le sabbie del deserto

2010-06-19T10:05:00.000+02:00

19/6/2010. Regista: Mike Newell. Sceneggiatura: Doug Miro e Carlo Bernard. Interpreti: Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Alfred Molina, Ben Kingsley. 116 min. Tutti-giovani.

C'era poco da attendersi da un film, tratto da un videogioco, diretto da Mike Newell. Ma il veterano produttore Jerry Bruckheimer (Armageddon, The Quest, Pirati dei Caraibi) esibisce la cosa che sa far meglio, e non è poco: un cinema divertente e di successo. Così, non resta altro che sedersi a trascorrere un paio di ore di divertimento, senza alcun problema.

Il film non ha pretese. La storia inizia come una fiaba, quasi con il “c'era una volta...” il che conferisce allo spettacolo una logica narrativa di tipo leggendario.

Come accaduto a Pirati dei Caraibi (parecchie le analogie), il film è un classico prodotto Disney, specialmente nell'elaborazione: quasi da manuale. Un paio di personaggi simpatici e divertenti che si odiano cordialmente; un cattivo terribile e un altro un po' stupido e furfante (Alfred Molina), che interpreta una sequenza esilarante a danno di alcuni struzzi, con effetti visivi a iosa. La musica di Gregson-Williams, con un ritmo che non si ferma mai, imita bene il clima dei grandi film ambientati nel deserto. Il cast affronta il film senza complessi, con semplicità ed efficienza.

Questo film ha gli ingredienti della ricetta tradizionale del genere d'avventura: storia d'amore, battaglie, combattimenti, inseguimenti, cartongesso, morale della favola. E non manca il lieto fine. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti-giovani. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Sex and the city 2

2010-06-19T10:02:00.000+02:00

19/6/2010. Regista: Michael Patrick King. Sceneggiatura: Michael Patrick King. Interpreti: Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis, Cynthia Nixon, Chris Noth, Penélope Cruz, Liza Minnelli, John Corbett,David Eigenberg, Evan Handler,Jason Lewis, Alice Eve. 146 min. USA. 2010. Adulti. (X, D).

È facile e difficile capire come un film -stupido come il precedente (Sex and the city 1)- abbia potuto realizzare oltre 400 milioni di dollari al botteghino. Dopo esser stato silurato da critici di tutto il mondo, in particolare dagli americani, eccoci alla seconda parte, 146 minuti di durata, con le passeggiate di quattro donne tutte in gara di stupidità isterica. Il commento finale della critica, scritto da Ana Sánchez de la Nieta, descrive bene la paradossale riuscita di una tale idiozia cinematografica: “più il film va avanti, più mi vergogno di esser nata donna”. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X, D (ACEPRENSA)

La regina dei castelli di carta

2010-06-19T09:58:00.000+02:00

19/6/2010. Regista: Daniel Alfredson. Sceneggiatura: Ulf Ryberg. Interpreti: Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Michalis Koutsogiannakis, Lena Endre, Anders Ahlbom. 148 min. Svezia, Dinamarca, Germania. 2009. Adulti. (VSD)

Vanta quasi novecento pagine il terzo e ultimo romanzo della serie Millennium. Ed è chiaro che due o trecento pagine sono totalmente sprecate. Qualcosa del genere traspare anche dal film, che poteva benissimo durare 50 o 60 minuti in meno. La protagonista si sta riavendo da orribili ferite e deve far fronte ad un processo. Vi compaiono, vari cospiratori corrotti, che aprono nuovi armadi, pieni di terribili segreti inconfessabili che forniscono svolte del tutto arbitrarie.

Meno sgradevole e sordido dei due precedenti episodi, il film -girato comunque in modo corretto e sempre con una regia più adatta a una serie televisiva di scarso budget- tratta di un dramma giudiziario piuttosto piatto. Quello che vi si racconta è di scarso interesse, ed anche forzato. È estenuante seguire i passi avanti e indietro della stravagante e inespressiva protagonista. Il resto dei personaggi ha così poca rilevanza, da risultare privi di caratterizzazione. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, S, D (ACEPRENSA)

The last station

2010-06-19T09:52:00.000+02:00

19/6/2010. Regista: Michael Hoffman. Sceneggiatura: Michael Hoffman. Interpreti: Chistopher Plummer, Helen Mirren, James McAvoy, Paul Giamatti, Kerry Condon. 112 min. Gran Bretagna, Germania, Russia. 2009. Adulti. (X)

Abituato a cambiar genere, l’americano Hoffman (Restoration, Sogno di una notte di mezza estate, Il club degli imperatori) ha adattato il romanzo di Jay Parini sull’ultimo anno di vita di Lev Tolstoj, che nel 1910 era uno scrittore di fama mondiale. Il protagonista si trova nella tenuta di Jasnaja Poljana, dove gioca a essere conte, calzolaio e profeta, predicando un utopismo da nuovo mondo, frutto di varie letture: la Bibbia, Rousseau, Proudhon, Kropotkin e Schopenhauer. Idolatrato da una corte di fan, cui appare il profeta che porterà la salvezza in Russia, Tolstoj vuole pace. Ovvero, vuole tutto rifatto a proprio piacimento: istituire un nuovo sistema educativo, trasformare i contadini in vegetariani, rinunciare al sesso e al matrimonio, ecc. Sua moglie non è disposta a che il marito sperperi il patrimonio della nutrita famiglia (i diritti di autore, in particolare) come pretende di fare il consorte, assistito da Vladimir Chertkov, prono alle sue teorie.

Il film, prodotto in Europa e girato in Germania, offre ottime prestazioni degli attori, una suggestiva messa in scena, un buon design di produzione ed una storia di grande interesse, ma -per Hoffman- la tematica è eccessiva, rispetto alle sue capacità.

Mancano sfumature (moltissime) nel ritratto del rapporto tra Lev e la moglie Sophie, presentata come una ficcanaso isterica, piuttosto che una vittima degli scrupoli e deliri messianici del marito. Lei si è sempre fatta in quattro per lui, mentre Tolstoj spesso la tratta ingiustamente, con atteggiamenti arbitrari di un machismo veramente patetico (che arriva ad esempio, a descrivere le intimità del matrimonio, consentendo di prender atto di tutto ciò che si diceva anche nell'intimità domestica).

C'è anche un ritratto delle eccentricità ed insensatezze filosofiche e politiche di un romanziere colossale, ma spesso vero egocentrico, capace di dire autentiche sciocchezze, con buona intenzione, ma per nulla coerenti con la vita da playboy spendaccione, vissuto per anni; e ovviamente vana, in un paese colpito da tremende ingiustizie come la Russia zarista. Il carattere del giovane segretario Valentin Bulgakov dovrebbe servire da ago della bilancia, ma non è ben definito, così che il film si disperde.

Comunque, chi conosce il lavoro e la vita di Tolstoj (è d'aiuto leggere le memorie di Bulgakov e i ricordi della coppia Tolstoj), vedrà il film con piacere, pur avvertendo che convivere con i geni non è affatto facile (penso al caso di Thomas Mann, trattato in modo decisamente duro, in una mini-serie tedesca). Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: X (ACEPRENSA)

Robin Hood

2010-05-27T10:11:00.001+02:00

22/5/2010. Regista: Ridley Scott. Sceneggiatura: Brian Helgeland. Interpreti: Russell Crowe, Cate Blanchett, William Hurt, Mark Strong, Oscar Isaac, Danny Huston, Eileen Atkins, Max Von Sydow. 141 min. USA, GB. 2010. Giovani. (VSD)

Robin Longstride è un arciere umile e coraggioso, che ha combattuto alle crociate, nell'esercito di Riccardo Cuor di Leone. Quando il re muore, lui ed alcuni amici ritornano in Inghilterra facendosi passare per uomini -in realtà morti in guerra- incaricati di riportare la corona reale nelle isole. Così, Robin si innamora di Lady Marion di Nottingham, e insieme a lei lotta contro il malvagio Sir Godfrey. Costui, al servizio del nuovo re Giovanni, sta tramando alle spalle per facilitare il futuro sbarco di truppe francesi in Inghilterra. Ed intanto provvede a riscuotere -con la forza e versando sangue- le imposte abusive stabilite dal monarca.

In questo kolossal, Ridley Scott si allontana parecchio dallo stereotipo classico dell'arciere Robin Hood e dalle sue avventure nella foresta di Sherwood -ricreate in più di trenta film e produzioni televisive diversi-, per concentrarsi su tutta un'immaginaria storia precedente, che spiega come il protagonista sia diventato il leggendario ladro che rubava ai ricchi, per dare ai poveri. Il veterano cineasta britannico ha messo da parte il tono avventuroso di Michael Curtiz, Richard Lester, Kevin Reynolds o John Irvin, e ha ripreso il tono epico storico dei suoi film Il gladiatore e Le crociate, o di altri successi del genere, come Braveheart, di Mel Gibson, o Elizabeth, di Shekhar Kapur. Ha inoltre rafforzato il carattere romantico della leggenda, grazie alla forza della solida sceneggiatura di Brian Helgeland, esaltata dalle ottime recitazioni di Russell Crowe e Cate Blanchett, che si sono confermati come due tra gli attori contemporanei più dotati di carisma e risorse.

Il risultato finale è divertente e spettacolare -sia per l’iper-realistica ambientazione storica, sia per le potenti sequenze di battaglie-, ma rare sono le emozioni e, sorprendentemente, solo nelle sequenze più intime o ritrattistiche, quali il primo incontro tra Robin e Marion, o la semina a Nottingham con le semenze rubate al vescovo di York. Risaltano gli attori e la meravigliosa colonna sonora di Marc Streitenfeld, ma talvolta risulta fragile la chiarezza e la continuità narrativa. La trama diventa talora un po' episodica, mentre persino la messa in scena di Ridley Scott, quasi mai raggiunge la potenza e la vibrazione di Mel Gibson in Braveheart. È anche convenzionale il ritratto che il film fa della religione, lodando esplicitamente la spiritualità cristiana dei personaggi -soprattutto negli aspetti che fanno riferimento alla carità-, ma qualunquista nelle critiche verso la gerarchia ecclesiastica.

In breve, il film è un notevole prodotto commerciale, destinato a fare un sacco di soldi al botteghino, perché non calca la mano, né nella violenza né nel sesso, ma non passerà per un capolavoro da antologia e certamente deluderà i seguaci più accaniti dell'immagine classica di Robin Hood, l’arciere delle foreste. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, S, D (ACEPRENSA)

The road

2010-05-27T10:07:00.001+02:00

22/5/2010. Regista: John Hillcoat. Sceneggiatura: Joe Penhall. Interpreti: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Robert Duvall, Guy Pearce, Charlize Theron. 113 Minutos. USA. 2009. Adulti. (VS). Nei cinema dal 28 maggio.

Cormac McCarthy ha vinto il Premio Pulitzer 2007 per The Road, un breve, secco, duro e magistrale racconto della lotta per la sopravvivenza di un padre e di un figlio, in un mondo distrutto da una catastrofe, di cui non si fornisce alcuna spiegazione.

L'adattamento su grande schermo era di per sé attraente (i romanzi di McCarthy sono stati adattati altre volte: l'ultima, dai fratelli Coen in Non è un paese per vecchi, vincitore dell’Oscar), ma correva anche il rischio di risultare indigesto. Non è facile tradurre in film una storia con due personaggi che parlano in brevi e ripetuti fraseggi. Inoltre, The Road racconta fatti così brutali, che la forza delle immagini potrebbe imporsi sul nucleo della storia, che non fa altro che esaltare il radicale valore della vita umana, la bellezza disarmante dell'amore di un padre per il figlio ed il riflesso della divinità, nella dignità e bontà di un innocente.

Nonostante i rischi di cui sopra, l'australiano John Hillcoat (La proposta) ha saputo trarre un adattamento meraviglioso. Primo, perché lo spirito del romanzo è rimasto intatto, con la sua radicale durezza e la sua apertura alla speranza. In secondo luogo, perché ha orientato tutti gli elementi filmici al fine di rispettare la fedeltà del testo.

La sobria ed efficace messa in scena -coadiuvata da una lunga ricerca di scenari naturali desolati, che hanno permesso di ridurre il ricorso ad effetti digitali-, la bellissima fotografia dello spagnolo Javier Aguirresarobe -così avvincente e al contempo tristemente grigia-, l’evocativa e semplice colonna sonora, alcuni sagge decisioni nel montaggio (che non incide però sulla durezza della storia, senza peraltro mai compiacersene), tutto si pone al servizio della narrazione. Anche le recitazioni emozionanti dei personaggi sullo schermo. Viggo Mortensen supporta così bene il peso -denso- della storia, che ne scaturisce una domanda inevitabile, dopo averne ammirato la superba e complicata caratterizzazione: perché non è stato candidato all'Oscar? Il bambino -Kodi Smit-McPhee-, riesce a replicare un altro personaggio complesso. Tra le parti secondarie si impone Robert Duvall, che in tre minuti dà una lezione sconvolgente di quell'arte della recitazione che si condensa nell'umiltà di dileguarsi -è quasi irriconoscibile- in un personaggio semplicemente magistrale, indimenticabile.

Mi ripeto: è stupefacente che questo film non abbia ricevuto alcun Oscar. Certo è un soggetto scomodo, straziante, quel tipo di film che forse non raccomanderesti a nessuno... e tuttavia, è indispensabile vederlo. Se è vero che chi va al cinema non lo fa per soffrire, con The road certo si soffre, ma si tratta anche di uno di quei pochi film che insegnano a vivere. E, in questo, vi riesce in modo straordinario. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, S (ACEPRENSA)

Il piccolo Nicolas e i suoi genitori

2010-05-27T10:02:00.001+02:00

22/5/2010. Regista: Laurent Tirard. Sceneggiatura: Laurent Tirard, Alain Chabat, Grégoire Vigneron. Interpreti: Maxime Godart, Valerie Lemercier, Kad Merad, Sandrine Kiberlain, Daniel Prévost. 91 min. Francia. 2009. Tutti.

Laurent Tirard, 42 anni, ex-giornalista e autore di libri di interviste a grandi registi, ha girato il suo terzo film, dopo l’interessante Le avventure galanti del giovane Molière. L’impresa era da far tremare i polsi: niente di meno che adattare al cinema la splendida collezione di libri illustrati per bambini e firmati, negli anni 1956-64, dallo scrittore René Goscinny e dal disegnatore Jean-Jacques Sempé.

Grazie alla frizzante sceneggiatura, una messa in scena notevole ed una recitazione molto fresca, i 91 minuti del film si vedono in un sorriso, che talvolta si muta in riso. I compagni di classe di Nicolas (Clotario, Alceste, Eudes) e le situazioni che li riguardano sono una più divertente dell’altra (il casting è davvero azzeccato, convincente la regia degli attori, deliziosi i costumi).

Ovviamente, non viene seguita la narrazione in prima persona del libro, tranne che in qualche episodio, ma si deve riconoscere che il team ha catturato lo spirito del testo originale, l'ingegno, il senso dell'humour, la furfanteria e tenerezza che lo contraddistinguono. Dal punto di vista narrativo, Tirard sa costruire una storia che si evolve con arte, evitando quei problemi che spesso si verificano quando si adattano al cinema storie di racconti o fumetti. Mentre questo film è diventato campione d'incassi in Francia (36 milioni di euro), Tirard è già alle prese con un nuovo film: Asterix e i britanni, di cui si stanno girando le sequenze.

Si tratta di un ottimo modo di realizzare film adatti ai ragazzi di oggi, ma anche ai loro genitori e nonni. Questi ricorderanno momenti storici che -con le loro ombre, come tutti-, hanno avuto anche il loro valore. Infatti, in precedenza, quasi nessuno osava attaccare l’intoccabile mito del '68: in qualche modo, Tirard rende omaggio alla Francia del decennio 1955-1965. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Iron man 2

2010-05-27T09:51:00.001+02:00

22/5/2010. Regista: Jon Favreau. Sceneggiatura: Justin Theroux. Interpreti: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Mickey Rourke. 124 min. USA. 2010. Giovani. (VSD)

La frivola esistenza del vanitoso miliardario Tony Stark si complica quando una parte del governo, la stampa e l'opinione pubblica, negli Stati Uniti, esigono il controllo della sofisticata armatura che lo rende il supereroe Iron Man. Secondo molti, questa tecnologia deve essere messa a disposizione dell’esercito. Nel bel mezzo della discussione, irrompe sulla scena un violentissimo ingegnere russo, che usa una corazza simile a quella di Stark, e lo insegue per ucciderlo, e non si sa perché.

In questa seconda avventura filmica dell'eroe della Marvel, creato nel 1963 da Stan Lee, Jack Kirby e Don Heck, l’attore e regista Jon Favreau (interpreta l’assistente di Stark) tenta di ripetere il successo mondiale della prima uscita della saga, divertente, furfantesca e spettacolare.

Questo slancio lo porta a spremere al massimo la formula di base del fumetto, incrementandone sensibilmente la graffiante critica alla paranoia del militarismo, dipinta in scene d'azione spettacolari. In ogni caso, la sceneggiatura di Justin Theroux resta prevedibile e superficiale: sorprende che abbia affidato questo compito ad un autore che prima aveva scritto soltanto un film: Tropic Thunder. Il film non supera mai lo status di intrattenimento costoso, ben girato e recitato, ma certamente non resterà una pietra miliare del proprio genere. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, S, D (ACEPRENSA)

Océans

2010-05-27T09:43:00.001+02:00

22/5/2010. Regista: Jacques Cluzaud. Sceneggiatura: Jacques Cluzaud, Christophe Cheysson, Laurent Debas, Stéphane Durand, Jacques Perrin, Laurent Gaudé, François Sarano. 100 min. Francia. 2009. Tutti.

Da quanto il veterano Jacques Cousteau girò nel 1964 Il mondo senza sole, vincitore dell'Oscar, i francesi sembrano averci preso gusto con il documentario di lusso e, recentemente hanno prodotto opere di prim'ordine, candidate o vincitrici di Premi Oscar, come La marcia dei pinguini e Viaggiatori nel vento. Jacques Perrin e Jacques Cluzaud hanno girato quest'ultimo film nel 2003; e da allora hanno lavorato su Océans, ottenendo (sembrava impossibile!) di superare se stessi: tanto nella spettacolarità, quanto nell’interesse.

Océans è un super-documentario, girato con mezzi che i loro autori avrebbero mai immaginato quando hanno iniziato a filmare gli uccelli di Viaggiatori nel vento. La qualità degli apparecchi ottici e dei mezzi tecnici, che consentono loro di muoversi liberamente attraverso il mare, ha permesso di ritrarre alcuni piani insoliti, spettacolari e indimenticabili, come la colossale battaglia tra i granchi.

Océans è un festival visivo e sonoro -con una sinfonia composta da Bruno Coulais (Les Choristes)- adatta ad ispirare e commuovere. La voce del narratore si sente in rare occasioni, dal momento che il messaggio lo danno proprio le immagini, che invitano ad amare il mare e le creature che lo abitano e sembrano invocarne la tutela da parte degli esseri umani. Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA.

Pubblico: Tutti. Contenuti: --- (ACEPRENSA)

Alice in wonderland

2010-04-29T09:59:00.001+02:00

24/4/2010. Regista: Tim Burton. Sceneggiatura: Linda Woolverton; basata nei libri “Alice nel paese delle meraviglie-Alice nello specchio” di Lewis Carroll. Interpreti: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway. 108 min. USA. 2010. Giovani. (V)

I mondi fantastici di Lewis Carroll e Tim Burton dovevano finire, prima o poi, per incontrarsi. Nel 1865, L. Carroll pubblicò Alice nel paese delle meraviglie, le avventure di una fantasiosa bambina che viaggia in uno strano mondo, popolato di esseri ancora più bizzarri. Il libro ottenne successo e poco dopo vide la luce il seguito: Attraverso lo Specchio e quel che Alice vi trovò. Il carismatico regista Tim Burton ha unito i due romanzi per raccontare, con gli stessi personaggi, ma trattando un argomento diverso, una storia che resta però molto fedele all'opera di Carroll.

Il risultato è brillante. Dal punto di vista visivo, il film è un vero evento. Burton ha utilizzato il 3-D forse con meno competenza tecnica di Cameron, nel suo Avatar, ma con una giustificazione più narrativa: l’albero di Pandora potrebbe o no essere tridimensionale, ma la caduta di Alice attraverso il buco scavato dal coniglio, una volta dopo averla vista in 3-D, è impossibile immaginarla in altro modo. La ricreazione del Castello Rosso, la prima esplorazione di Alice nel paese delle meraviglie, il tè con il Cappellaio Matto... sono momenti affascinanti, dove la tecnologia è al servizio del tema narrato. Ben integrati con la trama risultano anche la colonna sonora, davvero meravigliosa, di Danny Elfman, gli splendidi costumi di Colleen Atwood e un gruppo di attori che, nonostante il ritocco digitale, restano impegnati a recitare la loro parte (risaltano la quasi esordiente Mia Wasikova e la veterana Helena Bonham Carter, che svolge con arte il suo antipatico ruolo).

Gli estimatori di Lewis Carroll si sentiranno in gran parte privati del pensiero profondo, oscuro e satirico dell’opera. Burton ha saputo però sostituirli con il ricorso ad una magistrale estetica, variopinta e tenebrosa, a cui ha saputo dosare -comunque- lunghe sequenze di azione, adatte a movimentare la storia.

I fans di Tim Burton riconosceranno -forse meno evidenti del solito- alcuni tra i temi più cari del regista: il ruolo della fantasia, di fronte al rigorismo ed alle convenzioni, l'importanza della figura paterna, il valore della lealtà. Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V (ACEPRENSA)

Misure straordinarie

2010-04-29T09:49:00.001+02:00

24/4/2010. Regista: Tom Vaughan. Sceneggiatura: Robert Nelson Jacobs. Interpreti: Brendan Fraser, Harrison Ford, Keri Russell, Meredith Droeger, Sam M. Hall, Jared Harris. 105 min. USA. 2010. Giovani.

John Crowley è un giovane dirigente di successo, sposato e con tre figli piccoli, due dei quali affetti dal morbo di Pompe, rara malattia muscolare degenerativa, senza alcuna cura conosciuta, che limita l'aspettativa di vita a nove o dieci anni. Dopo l'ottavo compleanno della figlia maggiore, John e la moglie decidono che lui lascerà il lavoro, per fondare una società di biotecnologie, che promuova le ricerche del dottor Robert Stonehill, cupo e solitario professore universitario, che propone una terapia particolare per la malattia di Pompe.

Basato su fatti realmente accaduti, Misure straordinarie somiglia parecchio a L’olio di Lorenzo di George Miller, ma non ne imita né la qualità, né l'intensità drammatica. Tuttavia, il film esalta l'affetto famigliare, di fronte alla fredda macchina della sanità pubblica e dell'industria farmaceutica, guidata talvolta da dubbi interessi politici o commerciali. Tuttavia, l'approccio coinvolgente si articola in una sceneggiatura troppo lineare e schematica, che spesso denuncia un target eminentemente televisivo.

Ne segue una certa irregolarità, nella recitazione degli attori. Se Harrison Ford si mostra molto convincente nella sua arrabbiata caratterizzazione, Brendan Fraser non riesce a moderare la sua tendenza all’istrionismo, tanto apprezzata nelle commedie. In ogni caso è un film agile e commovente che, contro l'interventismo dello Stato e il disprezzo per la vita, esalta il primato dell'iniziativa della famiglia e della dignità intrinseca di ogni paziente. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani (ACEPRENSA)

Cella 211

2010-04-29T09:46:00.001+02:00

24/4/2010. Regista: Daniel Monzón. Sceneggiatura: Jorge Guerricaecheverría y Daniel Monzón. Interpreti: Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Marta Etura, Carlos Bardem. 110 min. Spagna. 2009. Adulti(VSD)

Il regista spagnolo Daniel Monzón, da dieci anni passato dal ruolo di critico cinematografico a quello di regista, riesce a realizzare il miglior film, con questo thriller sulla vita in carcere, prodotto da Telecinco, e tratto dall'omonimo romanzo di Francisco Pérez Gandul. Monzón, che dopo la fase di sceneggiatore si è avvicinato alla commedia, ha acquisito uno stile visivo personale nel cinema tematico, con The Kovac box – Controllo mentale. Ora ha compiuto un ulteriore progresso e, grazie a Cella 211, si consacra come uno dei registi di spicco del cinema spagnolo.

La trama non è proprio originale, ruotando sul genere dell’infiltrato che passa dall'altra parte della barricata, già collaudata in vari film. In tal caso, si tratta di una guardia carceraria, Juan Oliver, che va a visitare la nuova prigione, il giorno prima di prendervi servizio. Ma ecco che all'interno del carcere scoppia una sommossa, e lui deve farsi passare da galeotto appena internato, per salvare la pelle. In tale situazione dovrà conquistarsi Malamadre, leader indiscusso della prigione.

Anche se è Alberto Ammann ad interpretare l'agente, è Luis Tosar il protagonista assoluto del film. Il suo personaggio, Malamadre, è il più elaborato del copione. Resines, Manuel Morón e Marta Etura partecipano al cast di questo thriller, violento e potente. Il film ha un impatto visivo e narrativo molto forte, sia per la durezza che per la violenza delle scene. Ma il messaggio è chiaro: il male genera male. Il cinema spagnolo acquista punti, con questo film. Juan Orellana. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, S, D (ACEPRENSA)

Il profeta

2010-04-29T09:42:00.002+02:00

24/4/2010. Regista: Jacques Audiard. Sceneggiatura: Thomas Bidegain, Jacques Audiard, Abdel Raouf Dafri, Nicolas Peaufailit. Interpreti: Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Hichem Yacoubi, Reda Kateb. 155 min. Francia, Italia. 2009. Adulti. (VXD)

In Spagna, un film su una rivolta carceraria, Cella 211, ha avuto buone critiche, è stato plurivincitore di premi Goya, e ha riscosso grande successo tra il pubblico. A sua volta, in Francia, Il profeta, girato sulla vita di un carcerato, un ragazzo analfabeta di 19 anni, francese di origine nordafricana, parte favorito per vincere i premi Cesar. Sesto film di Jacques Audiard (Sulle mie labbra, Tutti i battiti del mio cuore), ha comunque già vinto il premio speciale della giuria a Cannes e due premi dalla European Film Academy (per attore protagonista, Tahar Rahim, e colonna sonora).

La domanda ovvia è se si tratta di un grande film. Sì, Audiard (Parigi, 1952), insieme a tre sceneggiatori, ha scritto una storia così solida, che nei 150 minuti di film non ci sono cadute di ritmo. Il livello tecnico è molto buono: basta vedere l'inizio (l’ingresso in prigione del protagonista) per rendersene conto. Inoltre, le recitazioni sono eccellenti, con una coppia di attori di grande impatto.

Dal punto di vista della storia, il film è abile nel porre come asse della trama il rapporto teso tra Malik El Djebena, il giovane nordafricano, e Cesare Luciani, prigioniero sessantenne e uno dei capi della mafia corsa, che opera in Francia ed Italia. Lo spaccato del carcere, e anche della strada, è molto duro. Alcune scene sono nauseanti e sembrano voler mostrare la mancanza di umanità che c’è nell’omicidio e nel sesso a pagamento. Come contrappunto, risalta l'intelligenza del ricorso ai sogni ed al simbolico titolo del film.

Audiard fa sì che lo spettatore provi compassione per ciò che si racconta e per i protagonisti, assassini e criminali senza scrupoli, che in nessun momento sono presentati come vittime del sistema, o come persone dall'aura epica. Sono semplicemente dei degenerati, animali nocivi: dentro e fuori di prigione. Alberto Fijo. ACEPRENSA.

Pubblico: Adulti. Contenuti: V, X, D (ACEPRENSA)

Agora

2010-04-29T09:32:00.001+02:00

24/4/2010. Regista: Alejandro Amenábar. Sceneggiatura: Mateo Gil. Interpreti: Rachel Weisz, Max Minghella, Oscar Isaac, Ashaf Barhom, Michael Lonsdale, Rupert Evans. 126 min. Adulti. (V)

Immaginate di dover spiegare con un film la realtà degli Stati Uniti a chi è digiuno di storia e di cultura. Ed ecco che per rappresentare la nazione a stelle e strisce, si filmano alcune scene di famiglie giapponesi, nell’intimità. Poi, appare un aereo con un pilota dalla faccia brutale, e fotografie di ragazze sul cruscotto. Infine, vediamo come l’aereo sgancia la bomba atomica sulla città e su quelle famiglie giapponesi. Una volta finito il film, viene detto allo spettatore ignorante: "Vedi, ecco: questa è l'America".

Hiroshima è un fatto. Nessuno ne dubita. Nessuno è felice di questo. Ma il giudizio sugli Stati Uniti che viene dedotto da questo film, non sarà parziale e riduttivo? La risposta è affermativa, anche se Hiroshima resta tragicamente vera. Ebbene ciò vale anche per l'ultimo film di Amenábar, Agora: un fondamento storico reale, molto trucco e un trattamento caricaturale della storia, per far giungere a conclusioni che si rivelano profondamente falsanti.

Amenábar dà comunque un'ennesima dimostrazione del suo valore di regista. Peccato che questa professionalità venga impiegata dal suo genio a sostegno di tesi quanto meno unilaterali. La cosa più interessante è che Agora non sembra essere un film girato nell'era digitale: tutta la scenografia appare reale. La direzione artistica è superba e Rachel Weisz fa, di Ipazia, un personaggio memorabile. Il film è solenne, meticoloso, con una colonna sonora spettacolosa ed un tono ammiccante, che cerca la complicità dello spettatore. C’è molto cinema in Agora, ed è molto fastidioso vedere come il copione rovina il film, man mano che si snoda. Questo sarebbe un film contro l'intolleranza?

Agora è presentato da Amenábar proprio come film contro l'intolleranza. Ma è necessario analizzare l'impostazione scelta dal regista per valutarne l'intenzione. Il contesto storico è dato dai tragici eventi perpetrati da cristiani e pagani in una sommossa, tra il IV e V secolo, ad Alessandria. Secondo lo storico della Chiesa Hubert Jedin, "l'evento più deplorevole nello scontro tra paganesimo e cristianesimo in Egitto è stato la morte della filosofa pagana Ipazia, orribilmente uccisa nel 415, dopo aver subito gravissime ingiurie, ad opera del fanatismo della folla"(1).

Amenábar calca la mano, decontestualizza, semplifica al massimo certi personaggi come San Cirillo o Ammonio Sacca. Questi fatti riprovevoli si situano, quindi, nel contesto del confronto tra due visioni del mondo, due culture: la pagana e la cristiana. Ed è qui che Amenábar vuol cogliere l'occasione per proporre la propria filosofia della storia: alla luce del paganesimo, contrappone il buio del cristianesimo. Se il paganesimo ha rappresentato il progresso, il cristianesimo è il regresso della cultura, della civiltà, della filosofia e della scienza.

Non è una metafora capricciosa: in Agora, i pagani sono vestiti di bianco (Ipazia), e i cristiani di grigio o di nero (Ammonio e Cirillo). A questo schema manicheo, Amenábar fa seguire -nel corso del film- un ulteriore giro di vite: in realtà, il male non è il cristianesimo, ma qualsiasi concezione teologica. Siano dèi pagani o il Dio cristiano ed ebreo: la religione oscura la ragione, disprezza la filosofia, rallenta la scienza ed il progresso. Di fronte allo scetticismo generato dal vedere tanta guerra di religione in un chilometro quadrato, Ipazia dichiara: "io credo nella filosofia". Il cristianesimo ne esce come il carnefice della cultura.

E qui sta la rilevanza di Agora che, sotto le apparenze del film storico, propone una visione molto negativa sul valore attuale delle religioni in generale e del cristianesimo in particolare. Per confutare questa affermazione basterebbe leggersi l'ottimo rigoroso e documentato saggio del sociologo statunitense Rodney Stark, in Italia apparso con il titolo La vittoria della ragione, (ed. Lindau, Torino 2005), dal significativo sottotitolo: “Come il cristianesimo ha prodotto libertà, progresso e ricchezza”. L'autore si dichiara non credente.

Tutto ciò, in Agora non s’intuisce, nemmeno lontanamente. I cristiani appaiono barbari, fanatici, misogini, violenti e molto visionari. E i due "buoni" i cristiani che pure vediamo, Sinesio e Davo, sono inquinati lungo il film dall'oscurantismo circostante.

Chi incarna le caratteristiche di un'antropologia cristiana -carità, benevolenza, serenità, tolleranza, incorruttibilità, castità, fratellanza universale, uguaglianza-, è la pagana Ipazia, personaggio che Amenábar trasforma in un affascinante ideale di virtù e in un modello esemplare di intelligenza ed umanità. Ipazia viene proposta come un esempio di santità laica, oggi così di moda.

Certamente ci sono molti episodi della storia della Chiesa dei quali un cristiano non è orgoglioso. Ma questo avverrà sempre, perché la Chiesa è formata da peccatori. Come la sposa del Cantico dei Cantici è “pulchra” e al contempo “nigra”. Anche i papi hanno talvolta chiesto perdono per errori del passato. La coscienza del male e del peccato è sempre stata così chiara, all'interno della Chiesa, da quando Cristo istituì fin dall'inizio il sacramento della penitenza e del perdono. Nessuna organizzazione, associazione o partito conta su di un’istituzione come la confessione, e perciò si dovrebbe almeno concludere che nessuno, quanto i cristiani, ha tanta coscienza del proprio peccato.

Più importante in Agora è il conflitto sotterraneo che induce ad una supposta incompatibilità tra ragione e fede, tra scienza e religione. Sarebbe sufficiente leggere qualcosa, per esempio, Fides et ratio, per capire che la fede non è nemica della scienza o il progresso, né tanto meno della ragione.

Resta comunque il magnifico tributo che Amenábar fornisce in questo film alla scienza antica, e soprattutto all'astronomia. Questo sì, è un omaggio alla ragione che qualsiasi spettatore cristiano godrà come proprio, anche se Amenábar sembra voler ottenere esattamente l'effetto contrario (2).

Per tutti questi motivi è impossibile per un cristiano sentirsi storicamente riconosciuto nella proposta cinematografica di Amenábar, molto apiattita su luoghi comuni, pregiudizi, schemi ideologici e leggende nere. Juan Orellana. ACEPRENSA.

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NOTE

(1) Hubert Jedin, Manual de Historia de la Iglesia, vol. II, Herder, Barcellona, 1990, p. 259.

(2) Non bisogna dimenticare che un personaggio della statura intellettuale di Sant'Agostino è contemporaneo di Ipazia. Anche il successivo passo da gigante in avanti dell'astronomia sarà opera di Niccolò Copernico, nel XV secolo, all'interno di una cultura di matrice cristiana. Coloro che credono che il progresso scientifico sia stata interrotto durante il "medioevo dei secoli bui" farebbero bene a conoscere meglio l'opera di Roberto Grossatesta, Alberto Magno, Ruggero Bacone, Giovanni Buridano, Nicola Oresme ...

Pubblico: Adulti. Contenuti: V (ACEPRENSA)

Green Zone

2010-03-31T10:00:00.001+02:00

31/3/2010. Regista: Paul Greengrass. Sceneggiatura: Brian Helgeland. Interpreti: Matt Damon, Greg Kinnear, Amy Ryan, Brendan Gleeson, Jason Isaacs. 115 min. USA. 2010. Giovani. (VD). Nelle sale il 9 aprile.

L'inglese Paul Greengrass si è costruito una meritata reputazione di regista di documentari e televisivo, prima di approdare con successo al cinema (Bloody Sunday, The Bourne Supremacy, Bourne Ultimatum e United 93). In questi film ha costruito la base del suo modo di fare cinema di fiction, con la trepidante modalità del reportage di guerra, la cinepresa sempre in mano ed un montaggio acrobatico.

Adesso applica con successo la sua formula al genere del film di guerra, tramite un adattamento del libro Imperial Life in Emerald City: Inside Iraq's Green Zone, di Rajiv Chandrasekaran, analista politico e corrispondente del Washington Post a Bagdad per diversi anni. Libro e film approfondiscono le ragioni oscure -torbide, secondo i suoi autori- che hanno spinto Bush a lanciare l'invasione dell'Iraq. E lo fanno attraverso le avventure strazianti del sottotenente Roy Miller, che nel 2003 dirige a Bagdad un comando americano incaricato di trovare le armi di distruzione di massa (WMD) che, teoricamente, Saddam Hussein doveva possedere. Quando Miller insegue la pista di un pesce grosso del deposto regime, entrano in scena un aggressivo squalo di Washington, veterano agente della CIA, ed una giornalista che ha svolto un ruolo fondamentale nel confezionare un'opinione pubblica favorevole all’intervento armato.

Anche se il film si concentra principalmente sulle azioni militari, va sgranando con abilità le sue analisi politico-sociali, molto critiche con Bush ed il governo, accusandoli di mentire su le WMD e d’ignorare la complessità sociale e religiosa dell'Iraq. Come sempre in Greengrass, le recitazioni sono eccellenti. Basta poi aggiungere una messa in scena da togliere il fiato, ed ecco che lo spettatore si trova immerso nel caos di polvere, sudore e sangue che circonda i personaggi. L'esperienza è stimolante, anche se un po’ epidermica, perché tanta immediatezza narrativa può stancare. Forse è giunto il momento per Greengrass di utilizzare alcune risorse meno iperrealiste e più cinematografiche, come hanno fatto -con ottimi risultati- Zwick in Blood Diamond-Diamanti di sangue, o Riddley Scott in Nessuna Verità. Jerónimo José Martín. ACEPRENSA.

Pubblico: Giovani. Contenuti: V, D (ACEPRENSA)